Джаз и Блюз на виниле

Классический биг-бэнд Дюка Эллингтона был записан в Чикаго в феврале 1956 года и будет выпущен в ремастированном виде на 180-граммовом черном виниле в 2022 году.

Классический альбом эпохи хард-бопа. Записан в Нью-Йорке в октябре 1957 года с участием Билла Хардмана, Джонни Гриффина, Джуниора Мэнса, Сэма Докери и Спанки ДеБреста. Отреставрированный звук 96 кГц / 24 бита. Отпечатано на 180-граммовом черном виниле на заводе Precision Record Pressing в Канаде.

В январе 1963 года бас-гитарист и композитор Чарльз Мингус записал очень личную и социально-ориентированную работу под названием "The Black Saint & The Sinner Lady". Каждая композиция, начиная со вступительной "Solo Dancer" и заканчивая заключительной "Group And Solo Dance", была музыкальным выражением философии Мингуса относительно жизни, любви и его окружения. Для легендарного басиста эта запись была настолько личной, что он попросил своего друга, клинического психолога доктора Поллака, просмотреть ее.

Как пишет доктор Поллак в примечаниях к альбому, "психологи интерпретируют поведение... почему бы не применить это умение к музыке" Именно так и поступил доктор Поллак, интерпретировав послание, лежащее в основе этой музыки Мингуса, - музыки, говорящей о стремлении исполнителя к любви, миру и свободе. Для Чарли Мингуса и сопровождавших его музыкантов - Чарли Мариано (сопрано-саксофон), Джейка Байарда (фортепиано), Джея Берлинера (гитара), Дона Баттерфилда (туба), Дика Хафера (тенор-саксофон и флейта) и Квентина Джексона (тромбон) - "The Black Saint & The Sinner Lady" был не просто очередным альбомом, а джазовым балетом в исполнении небольшого ансамбля. Это стало событием, устанавливающим стандарты.

Музыкальные экспедиции, изящные, плавные и глубоко эмоциональные, связывает Яков Карлзон в своем новом альбоме "Wanderlust". Красота его фортепианных мелодий и гармоний подобна псалмам, вокальным линиям, которые черпаются из богатой композиторской истории, но при этом полностью обращены к настоящему. "Wanderlust" дышит надеждой и приключениями, музыка открывает пространство для любви и дискуссий, для спонтанности и структуры - современное и вневременное одновременно.

Путешествие, к которому Якоб Карлзон подталкивает своим новым альбомом, начинается уже в названии: "Wanderlust". Состоящее из двух немецких слов "Wandern" и "Lust", "Wanderlust" используется в английском языке как парафраз для wanderlust или wanderlust, не неся в себе абсолютно ясного смысла. Термин, созданный для шведского пианиста и композитора Якоба Карлзона, который подходит к музыке очень обдуманно, почти смиряясь с каждым новым альбомом. Он знает это, потому что для него каждый раз на карту ставится не что иное, как ее защита от преступления тривиализации. С первых попыток игры на фортепиано в детстве он был привержен неопределимому в музыке, ее обращению к подсознанию, к душе и духу, к человечности и сопереживанию. родившись в 1970 году, в самом начале десятилетия, достижения музыкальной культуры которого до сих пор звучат повсюду, он открыл для себя душевность в различных формах современной музыки. Прочно укоренившись в ДНК Карлзона, порой разрозненные источники саунд-арта обрели характерную связку. Повествовательный, песенный почерк композитора, который, похоже, не дает ему покоя, заставляя всегда браться за дело заново за пределами своего джазового дома, - типичен для Якова Карлзона. Если спросить его о самоопределении как художника, он ответит: "Альтернативный музыкант". Это намеренно расплывчатый ответ, потому что ничто так не ограничивает свободный дух, как капитуляция перед принуждением определять свое творчество в жанровых терминах. Карлзон играет джаз, думает о роке, говорит, как философ, через клавиши своего рояля Steinway - музыкально утонченно и очень привлекательно.

Если прислушаться к первым нотам вступительной пьесы "Wanderlust", то можно обнаружить переосмысление языка "Open Waters". На первоначально сдержанный электронный ритм накладывается созерцательный фортепианный мотив, который по мере развития приобретает все более проникновенную интенсивность. Импульсы становятся более узнаваемыми, прежде чем импровизированная фортепианная партия вырывается из структуры и приводит к крещендо, напоминающему прог-рок. карлзон назвал вступление к своему новому альбому "Art Of Resistance". Название пьесы - это программа. Оно о сопротивлении, о музыке как оппозиции вездесущему подавлению индивидуальных взглядов и потребностей. Одним словом, о любви. Любовь как высшее проявление сопротивления? "Прежде чем произведение приобрело окончательную форму, я много думал о том, что, очевидно, демократия также демонтируется по частям в некоторых европейских странах", - описывает Якоб Карлзон процесс создания песни, которая как бы завершает весь альбом. "В последнее время в наших широтах наблюдается множество примеров попыток авторитарного запрета, и нам всем необходимо выступить против них. За одной формой угнетения обычно следует другая, которая в конечном итоге может ограничить всех нас" Каждое музыкальное наслоение до середины произведения представляет собой борьбу за свободу личности перед лицом доктринерских оков. Когда в игру вступают Расмус Кильберг на акустических барабанах и басист Мортен Рамсбёль, личность наконец-то возвышает свой свободный голос в противовес репрессивным попыткам контроля. Тем не менее, Карлзон не хочет, чтобы "Wanderlust" воспринимался как политическое заявление. Однако глубокое и в то же время решительное содержание 12 произведений вполне может быть воспринято как призыв к пробуждению чувственного опыта человечества. "Wanderlust" бросает вызов слишком простым, разделяющим формулам.

Обращаясь к (само)примирению, "Wanderlust", написанный в прошлом году, также знаменует собой путь Карлзона внутрь себя. Из микромира, в постоянных метаниях музыки между мелкой моторикой и глубоким высказыванием, он устремляет свой взгляд в макрокосмос, и наоборот. "Мы, люди, интересные существа", - формулирует он свое ощущение ситуации в ретроспективе. "Если для нас все открыто, нам иногда не хватает структуры. Если мы чувствуем себя ограниченными, наш разум начинает искать пути обхода рамок. Нельсон Мандела - хороший пример перестройки мозга в течение десятилетий тюремного заключения. Он был радикалом, когда сидел в тюрьме, а вышел из нее как символ примирения" Помня о хрупкости нашего существования, норвежский трубач Матиас Эйк в сотрудничестве с трио Карлзона в композиции "Lullaby For Runaways" обращается к таинственности человеческого состояния. Группа струнных многомерна в элегической "Promises Kept", которую сопровождает Доминик Миллер в роли голоса надежды на нейлоновых струнах. В аранжировках, более жестких, чем на его последнем альбоме "Open Waters", Карлзон иногда помещает красоту в контекст полной противоположности. Энергия, полученная от этого, отражается в музыкальном юморе в самодовольной и райской "Your Latest Comeback". Проказник, который думает о рыночных крикунах нашего времени! Благодаря огромному повествовательному мастерству Якоба Карлзона "Wanderlust" - это от первой до последней ноты история о человечности, жизни, свободе и созидательной силе человеческого духа, движимая пульсирующей магией, которая находит богатый отклик.

Отзывы

"Искусство сопротивления" - так назвал Якоб Карлзон экспозицию своего нового альбома. Название пьесы, безусловно, можно понимать программно. Речь идет о сопротивлении, о музыке как возможности оппозиционного высказывания по отношению к вездесущему гнету и конформизму. (...) Шведскому пианисту удалось наполнить свой замысел еще и жизнью. Каждое музыкальное наслоение, в основном выстроенное к середине каждой из 12 пьес в целом, обозначает борьбу за личное пространство перед лицом доктринерских ограничений" (Piano News, март 2022)

"Мелодическая изобретательность сочетается с гармонической изысканностью. Будь то европейская художественная музыка, поп-музыка или джаз, Карлзон черпает вдохновение отовсюду, но при этом создает нечто совершенно свое"

Гитарист, автор песен, диджей, ремиксер и продюсер – итальянец Никола Конте обладает множеством талантов

То, что на бумаге кажется идиосинкразическим сочетанием, при первом же прослушивании оказывается полной противоположностью. Популярная американская певица Розмари Клуни и кубинский перкуссионист и руководитель группы Перес Прадо выпустили в 1959 году альбом A Touch of Tabasco, живой и яркий, не имеющий себе равных. В нем приятный и нежный голос Клуни сочетается с латинскими аранжировками короля мамбо Прадо.

Оригинальный пресс от RCA Victor был на острие технологий и снабжен антистатическим веществом 317X ("Miracel Surface"). Таким образом, уже в то время появились первые аудиофильские подходы к этому альбому. Подстрочные примечания к "ультрасовременному" альбому были написаны режиссером Хосе Феррером, мужем Клуни, который также репетировал с ней правильное произношение песен. На обложке также давалась рекомендация по выбору подходящего проигрывателя, ведь лучшие записи заслуживали лучшего "фонографа" - RCA Victor Stereo High Fidelity "Victrola".

Отличное музыкальное свидетельство конца 50-х годов, которое приглашает вас подпевать и которое просто приятно слушать. Сведенный Берни Грундманом для ORG с оригинальных аналоговых мастер-лент и отпрессованный на RTI, A Touch of Tabasco вышел в виде двойного 180-граммового винилового альбома со скоростью вращения 45 об/мин в гильзе gatefold с последовательным серийным номером. Лимитированный тираж 2 500 копий.

Стефано Боллани начал играть на фортепиано в возрасте шести лет. Он поглощал музыку при любой возможности и постоянно находился в поиске новых стимулов - повсюду, в музыке прошлого и еще больше - в изучении настоящего. Ему было 14 лет, когда он впервые увидел фильм "Иисус Христос - суперзвезда". Для юного Боллани это было ошеломляющим впечатлением, он сразу же влюбился в музыку, сюжет и всю атмосферу. Он тут же купил запись и слушал ее снова и снова, выучив наизусть тексты песен, но не решаясь сам исполнить музыку. И только теперь, после 30 лет занятий музыкой, бесчисленных записей и концертов, Стефано Боллани решил записать свою собственную версию шедевра Эндрю Ллойда Уэббера и Тима Райса. При этом он только потом осознал, что его собственный альбом выходит ровно через 50 лет после выхода оригинального концептуального альбома "Jesus Christ Superstar".

Почему же Стефано Боллани решился записать "Jesus Christ Superstar" именно сейчас? По той простой причине, что, как он открыто признается, он слишком любит, ценит и уважает оригинал: музыку, аранжировки, исполнителей. И все же он не мог поступить иначе. Для него единственной возможностью было создать что-то свое - версию, явно отличающуюся от оригинала. Именно это и делает его инструментальная версия для фортепиано. "Я сознательно решил записать ее только на фортепиано, потому что хотел передать ощущение любовной связи между рок-оперой и мной" И Боллани с улыбкой продолжает: "При этом я считаю, что любовные отношения лучше, когда они сохраняют свой интимный характер" Слушателю не следует ожидать транскрипции для сольного фортепиано. Боллани с благодарностью получил специальное разрешение на новую интерпретацию оперы. Совершенно свободно, но с величайшим уважением он подошел к оригинальным мелодиям и песням, чтобы интерпретировать их со своим собственным стилем игры и музыкальной идеей, опираясь на самые разные традиции, жанры, стили и влияния.

Для "Фортепианных вариаций на тему Jesus Christ Superstar" Боллани решил настроить фортепиано на частоту 432 Гц, что в наше время довольно необычно. С одной стороны, он чувствует себя наиболее комфортно за роялем - это вопрос личного вкуса. С другой стороны, для своей новой интерпретации он хотел получить особенно теплый, мягкий, глубокий, плотный и в то же время чистый фортепианный звук ("из прошлого"). По словам Боллани, это позволило ему передать теплоту и глубину удивительно сильных и округлых киногероев Ллойда Уэббера и Райса.

Обычно Боллани не выходит на сцену с готовым сет-листом и не определяет заранее порядок своих записей и композиций. Однако для своих "Фортепианных вариаций" он настоял на соблюдении и сохранении структуры повествования. Он хотел, чтобы фортепиано пересказывало историю, беря на себя вокальную партию. Таким образом, драматургия и ее последовательность были зафиксированы с самого начала. Однако когда Стефано Боллани обращается к отдельным мелодиям "Иисуса Христа Суперзвезды", он следует своему собственному музыкальному духу и гению, свободно импровизируя и развивая исходный материал в данный момент - с глубоким уважением и большой фантазией. И - как всегда - с радостью и любовью.

На своем втором альбоме в качестве лидера для ECM - продолжении отмеченного наградами Gefion - датский гитарист Якоб Бро еще больше совершенствует свой трио-проект с характерным для него акцентом на мелодии, звуке, накладывающихся друг на друга текстурах и плотном взаимодействии.

Взаимодействие Бро и Томаса Моргана (Бро называет его своей "музыкальной половинкой") превратилось в нечто экстраординарное, причем гитарист и басист часто рождают импровизационные идеи практически одновременно. Более того, выбор Джоуи Бэрона в качестве нового барабанщика группы вполне логичен - в конце концов, Бро впервые встретился с Морганом, когда играл в группе Бэрона добрый десяток лет назад...

На альбоме Streams Бро с видимым удовольствием вникает в тонкости музыки. Записанный в ноябре в студии La Buissone на юге Франции и спродюсированный Манфредом Айхером, альбом Streams выходит накануне масштабного турне трио Бро-Морган-Барон, в ходе которого музыканты побывают в Дании, Нидерландах, Словакии, Бельгии, Польше, Швейцарии, Германии, Австрии, Словении, Украине и Южной Корее.

Со времен Курта Эллинга в джазе не было певца, который бы так блестяще начал свою карьеру, как Грегори Портер. Выпустив два первых альбома "Water" (2010) и "Be Good" (2012), получивших признание критиков на инди-лейбле Motéma Music, Портер сразу же зарекомендовал себя как один из лучших современных джазовых певцов. Это подтверждают и две номинации на премию "Грэмми", которые он получил за эти альбомы. Теперь он представляет на лейбле Blue Note свой долгожданный третий сольный альбом "Liquid Spirit". Президент Blue Note Дон Уас призвал певца оставаться верным своему уникальному художественному видению на новом лейбле. я, безусловно, считаю себя джазовым певцом, но не меньше я люблю блюз, черный южный соул и госпел", - так определяет себя Портер. "Эти элементы всегда находят свое отражение в моей музыке. И я всегда замечал их и в джазе"

При записи "Liquid Spirit" певец вновь обратился к музыкантам, которые уже составляли основу его группы на двух предыдущих альбомах: Пианист Чип Кроуфорд, который также является музыкальным директором, барабанщик Эмануэль Харрольд, басист Аарон Джеймс, альт-саксофонист Йосуке Сато и тенор-саксофонист Тивон Пенникотт. На некоторых треках Портер усилил группу трубачом Кертисом Тейлором и органистом Гленом Патшей. Старыми знакомыми певца являются также продюсер Брайан Бахус и аранжировщик и сопродюсер Камау Кеньятта. "Я не говорил себе: "Так, теперь я на Blue Note Records, теперь я буду пытаться звучать как Фредди Хаббард", - объясняет Портер. "У меня не было какого-то определенного плана для этого альбома" Он просто хотел, чтобы альбом звучал как можно более органично. И он был уверен, что сможет достичь этой цели с командой, которая работает вместе уже много лет, а не с группой, состоящей из звезд.

Портер обладает одним из самых завораживающих и проникновенных баритональных голосов современности. Ему удается передать эмоции и дух любой песни, не прибегая к театральным трюкам. Критик Нейт Чинен написал в газете New York Times: "Грегори Портер обладает большинством из того, что вы хотите видеть в джазовом певце, и, возможно, несколькими вещами, о которых вы даже не подозревали" Коллега Портера Курт Эллинг также полон похвал: "Я очень уверен в карьере Грегори Портера. Он прекрасно звучит, и у него действительно замечательная концепция. Я рад слышать, как он развивается, как получает признание и возможности расправить свои творческие крылья" Джазовая дива Ди Ди Бриджуотер (Dee Dee Bridgewater) высоко оценила Портера в журнале JazzTimes, сказав: "У нас давно не было такого певца, как он. Он такой замечательный автор песен. Он просто рассказывает замечательные истории"

И в этом она права. Портер действительно обладает удивительным даром писать пронзительные песни, основанные на личном опыте, со знакомой и эмоциональной непосредственностью. Более того, его запоминающиеся мелодии сразу же привлекают внимание. На "Liquid Spirit" Портер затрагивает те же темы, что и на своем дебютном альбоме "Water": песни посвящены романтическим взлетам и падениям, своему детству и социально-политическим наблюдениям. Кроме того, он по-своему интерпретирует три классические песни: мотауновский хит Доби Грея "The 'In Crowd", "Lonesome Lover" Эбби Линкольна и Макса Роуча и джазовый стандарт "I Fall In Love Too Easily", написанный Джул Стайн и Сэмми Каном. "Я стараюсь включить в каждый альбом что-нибудь из произведений людей, оказавших на меня глубокое влияние. lonesome Lover" - это мое признание в любви Эбби Линкольну", - говорит Портер.

Грегори Портер родился в 1971 году в Бейкерсфилде (Южная Калифорния), где с раннего возраста приобщился к госпел-музыке благодаря своей матери, которая несла служение в церкви. Еще одно важное влияние на его музыкальное развитие оказала обширная коллекция пластинок Нат Кинг Коула, принадлежавшая его матери. Несмотря на любовь к музыке, Грегори, получивший футбольную стипендию в Государственном университете Сан-Диего, первоначально хотел сделать спортивную карьеру.
Но травма плеча преждевременно прервала эти планы. И тогда Портер - под крылом своего наставника Камау Кеньятты - стал полностью концентрироваться на музыке.

Когда в 1998 году Кеньятта продюсировал в Лос-Анджелесе альбом флейтиста Хьюберта Лоуса "Remembers The Unforgettable Nat King Cole", он пригласил ярого поклонника Нэта Кинга Коула Портера в студию. Там Лоус случайно услышал, как тот поет классическую песню Чарли Чаплина "Smile", и был настолько воодушевлен, что спонтанно попросил его принять участие в записи. Еще одним счастливым совпадением стало то, что сестра Хьюберта Лоу Элоиза также зашла в это время в студию и увидела Портера в действии. Через некоторое время певица должна была получить роль в новом мюзикле "It Ain't Nothin' But The Blues" и рекомендовала продюсеру Грегори Портера на главную мужскую роль. После премьеры мюзикла на Бродвее газета New York Times назвала тогда еще неизвестного Портера "вокальной силой". В том же году спектакль был номинирован на четыре премии "Тони" и три премии Drama Desk.
Тем не менее, первого альбома Грегори Портера "Water", который сразу же был номинирован на премию "Грэмми", пришлось ждать целых десять лет. Еще более впечатляющим стал его второй альбом "Be Good", также номинированный на "Грэмми" в 2012 году. "Портер соединяет джаз и соул лучше, чем кто-либо из его современных коллег", - заявил американский журнал Soul Tracks, назвав в январе "Be Good" потенциально лучшим альбомом года.

Хотя за прошедшее время Портер делил сцену или находился в студии звукозаписи с такими звездами, как Ван Моррисон, Уинтон Марсалис, Херби Хэнкок, Дайанна Ривз, Никола Конте и Дэвид Мюррей, он не потерял своей хватки. "Я еще не успел все это переварить", - признается он. "Особенно работа с такими музыкальными иконами, как Уинтон и Херби. Они приняли меня с такими распростертыми объятиями. Два года назад я и представить себе такого не мог" С выходом альбома "Liquid Spirit" Грегори Портер должен быть на пути к новой карьерной вершине.

в 2013 году, после выпуска двух альбомов, каждый из которых был номинирован на премию "Грэмми", Грегори Портер выпустил "Liquid Spirit", свой дебют на знаменитом лейбле Blue Note. Сила "Liquid Spirit" заключается в песнях Портера, которые основаны на личном опыте и оказывают непосредственное эмоциональное воздействие. Более того, его запоминающиеся мелодии сразу же привлекают внимание.

Получив признание слушателей и критиков, альбом "Liquid Spirit" в 2014 году был удостоен премии "Грэмми" в номинации "Лучший джазовый вокальный альбом", а "нежный колосс", как назвал его Spiegel-Online, окончательно утвердился в статусе одного из самых великих мужских голосов джаза. Альбом получил платиновый статус в Германии и Великобритании, золотой - во Франции, Нидерландах и Австрии - за это время он был продан более миллиона раз по всему миру.

В честь 10-летия альбома Blue Note представляет лимитированное виниловое издание, содержащее оригинальный альбом на 2LP и бонусный LP с дополнительными треками и ремиксами, причем 5 треков впервые представлены на виниле.

Ценность человечества: "Человеческая валюта" Мелоди Гардо

Для своего нового альбома "Currency Of Man" Мелоди Гардо и продюсер Ларри Кляйн решили создать саундтрек о жизни разных персонажей. Но Гардо входит на новую музыкальную территорию в нескольких отношениях.

Саундтрек о ценностях и человеческом достоинстве

Для своих альбомов Meldoy Gardot черпает вдохновение из мест, где она путешествует и переживает. Их песни на "Currency of Man" на этот раз в меньшей степени посвящены личному опыту. Она хотела бы прокомментировать свои наблюдения, сделанные в Лос-Анджелесе, где она встретила много людей, борющихся за свое существование на окраинах общества. Этот альбом много значит для Гардо, потому что это ее призыв к человеческому достоинству: к оправданию и ценности личности. Вместе с Ларри Кляйном она задумала это произведение как непрерывную повествовательную и музыкальную линию. Для того, чтобы полностью опубликовать эту общую концепцию, будет выпущено "Artist's Cut" в виде Deluxe Edition.

Мелоди Гардотс новый звук

Мелоди Гардо и Ларри Кляйн получили консультацию по оборудованию от французского инженера Максима Ле Гийя. Аналоговое оборудование, старые микрофоны, ламповые усилители и реальные кассеты на новом компакт-диске обеспечивают мягкое потрескивание и теплые тона. Кроме того, у Мелоди Гардо было рояль для "Currency of Man", а затем все продюсерские инструменты были настроены с 440 до 432. Отклонения от стандартизированной 440-сердечной настройки обычно происходят только в так называемой исторической исполнительской практике классической музыки. Мелодия убеждена, что изменившаяся, более глубокая настройка создает различные резонансы у музыкантов и слушателей. Для них этот звук является, с одной стороны, более расслабляющим, а с другой - более освежающим. Главное достоинство человека - это взаимное уважение друг к другу. Эта важная тема должна быть хорошо воспринята и вызвать реверберацию. Влияние техники и настроения подтверждают это утверждение.

Актерский состав "Валюта Человеческая"

На ее новом альбоме Мелоди Гардо звучит чаще на электрогитаре, чем на рояле. Электрогитары группы дополняют эзотерические оркестровые звуки, духовые инструменты и пульсирующий бас. Стилистически "валюта человека" расположена между джазом, блюзом и Р'н'бом. Сам Гардо описывает этот звук как необычный. Поскольку фильм задуман как музыка вымышленного фильма, Гардо и Ларри Кляйн также добавляют повседневные шумы из мира главных героев. На песню "Preacherman", посвященную судьбе Эммита Тилля, поет хор, состоящий из поклонников Мелоди Гардо в Facebook. В отличие от техники ретро-записи остальной части альбома, для этого хора было собрано более 100 треков, предоставленных поклонниками.

Знакомые и новые

Поклонники Мелодии Гардо в течение многих лет также найдут то, к чему они привыкли на "Валюте Человека". Ее теплый, уникальный голос и написание песен слились в "No Man's Prize", например, в песню, которая стильно сочетается со звучанием американского Песенника. Она продолжает прекрасные баллады предыдущих альбомов с песней "If Ever I Recall Your Face". Самые глубокие блюзы и сплошные бороздки в новом звучании предлагают "Не поймите неправильно", "То же самое вам" и "It Gonna Come". Веселые песни на альбоме - "Morning Sun" и "Once I Was Loved".

шедевр

С "Currency of Man" Мелодия Гардо представляет доступный альбом на глубокую тему. Она тщательно подстраивает простые тексты под музыку и объединяет их в воображаемый музыкальный фильм. Мелоди Гардо нашла путь через музыку, чтобы обратиться к человечеству своих слушателей. Он большой.