Фирма Hey!blau Records

Звук набухает, обретает пульс, набирает интенсивность. Голос оседает над вершинами этого звука, как утренний туман, и проникает в прозрачную высь. Новые, меняющиеся орнаменты возникают из затухания, как облака на голубом небосводе. Струнный оркестр, невербальный голос певицы Терезы Бергман, нежное фортепиано Маюко Мияты и множество незаметно используемых синтезаторов и электроники проникают друг в друга, образуя целое, которое гораздо больше, чем сумма его частей
частей. "Grounded" открывает дверь. За этой дверью - безопасное пространство, которое предлагает убежище в трудные времена. Вы можете растянуться в этой музыке, отключить голову и позволить ей пройти вокруг вас. Не только в своем новом альбоме "Grounded" берлинский композитор Керим Кёниг проявляет себя как непревзойденный мастер чрезвычайно редкого искусства психоакустики. На этот раз перед ним стояла задача освободить чувствительное ухо от всех прочих вызовов
вызовов. Будучи опытным кинокомпозитором, он регулярно занимается переводом движущихся изображений в звук. На "Grounded", однако, все происходит наоборот. Музыка сама порождает свои образы, которые создают новые сюжеты в воображении слушателя. "Grounded" - первая работа Кёнига со струнным оркестром. Все остальные участники принадлежат к постоянной группе музыкантов, с которыми берлинец работает вместе уже много лет. Эта преемственность означает
эта преемственность очень важна для него, ведь несмотря на то, что каждый его релиз открывает новые горизонты, от альбома к альбому он совершает прогулку по хребту, которая не только сгущается в целенаправленный путь к совершенству, но и стабилизирует лексику, начатую им почти десять лет назад. На "Grounded" он достигает уровня несравнимости, который создает свою собственную систему отсчета. В своем великолепном опусе "Grounded" Керим Кёниг достигает не что иное, как парадокс
ной безопасности.

Отзывы

"Все здесь дрейфует в бесконечном, волшебном потоке вечной мелодии" (GoodTimes, октябрь/ноябрь 2024 года)

Чистая жажда жизни! Никакая другая формула не описывает "Zappelito's Bathroom Dance Event", новый альбом берлинского гитариста Андре Матова, лучше, чем эти четыре слова. Магу звука Матову удается своей музыкой переносить нас в тысячу мест в тысячу раз одновременно. Он заставляет нас смеяться, он заставляет нас плакать. Он приглашает нас танцевать, пить и мечтать, он предается воспоминаниям о старых фильмах и рассуждает о Сартре и Дж
ойса. Он превращает абсурд в реальность и доводит реальность до абсурда. Он путешествует с нами на Луну, на Восток, на Балканы, в штетл, в Берлин двадцатых, в Рим шестидесятых и в Нью-Йорк девяностых. И он заставляет нас удивляться, удивляться, удивляться. Невозможно подобрать термин для музыки Матова. Можно назвать ее экзотикой - балканской, клезмерской, мамбо, серф-спейс, прог, бугало, панк-джаз. Интеллектуальная музыка для вечеринок была бы более броской. Вы могли бы
также можно описать как замок между буколической памятью и городским настоящим, поскольку Матов трансформирует различные агрегатные состояния прошлого между ностальгией и тоской в здесь и сейчас ухмыляющегося Молоха. Матов любит возвращаться к фрагментам, которые, как вам кажется, вы уже где-то слышали. Обрывки мелодий пролетают мимо вас, как мимолетное впечатление от остатков плакатов на рекламных щитах, которые были переклеены сотни раз. Как только вам кажется, что вы узнали что-то, оно
оно уже снова тает в вашем восприятии и вновь собирается из своих фрагментов. Таким образом, альбом напоминает быстрый срез целой коллекции пластинок, собранной со всего мира за всю жизнь. "Zappelito's Bathroom Dance Event" только кажется тем, что принято называть альбомом, пластинкой или CD. На самом деле это музыкальная поездка на детской карусели, в которой участвуют Нино Рота, Йма Сумак, Джон Зорн, Дик Да
le, Джон Зорн, Дик Да, Горан Брегович и группа Farmer's Market радостно машут нам руками, а мы даже не можем смутно различить их очертания. И если в этой абсолютной музыке и есть какое-то главное послание, помимо безудержного веселья, так это то, что лучший путь в будущее всегда лежит через прошлое.

Среди более чем 70 существующих на сегодняшний день произведений Эберхарда Клеммштайна (*1941) - оперы, несколько симфоний, камерная музыка и песни. Большое место в его творчестве занимают также сольные концерты для различных инструментов. Безусловно, он принадлежит к лагерю композиторов свободной тональности, его музыку отличает очень индивидуальная, многогранная гармония и красочная инструментовка, которые в сочетании с изобретением лаконичных тем и их художественной обработкой приводят к формированию индивидуального музыкального языка
личный музыкальный язык. Скрипичный концерт был написан в 2014 году, а Ингольф Турбан и Эберхард Клеммштайн являются музыкальными друзьями на протяжении многих лет. Как только Ингольф Турбан увидел первые наброски скрипичного концерта, он сразу же воодушевился и захотел исполнить его. Концертный цикл филармонического оркестра Фогтланда предоставил такую возможность. Новым главным дирижером оркестра был избран Дориан Кейльхак. В предыдущие годы Кейльхак уже осуществил премьеру ряда произведений Клеммштайна
произведения Клеммштайна - например, он дирижировал мировой премьерой оперы "Ахте Таг". К сожалению, премьере скрипичного концерта поначалу помешала коронная пандемия. Поэтому предложение оркестра сделать вместо этого запись скрипичного концерта, посвященного Ингольфу Турбану, было тем более приятным. Трехчастный концерт для виолончели, несомненно, относится к категории "симфонических сольных концертов". Концерт посвящен Марку Косауэру, который уже исполнял виолончельную сонату Клеммштейна вместе с пианистом Джи Вон О
ианистом Джи Вон О, а также записал ее для Bayerischer Rundfunk. На момент написания сонаты (2012 год) он был главным виолончелистом Бамбергского симфонического оркестра. Вскоре после этого Кливлендский оркестр назначил его новым главным виолончелистом. Прошло некоторое время, и 16 июня 2017 года в Братиславе состоялась премьера концерта в сопровождении оркестра Словацкого радио. Дирижером выступил Давид Эрнандо Рико, который тремя годами ранее уже записывал концерт для гобоя с оркестром Клеммштейна. После
после премьеры он продирижировал этой студийной записью виолончельного концерта с Братиславским симфоническим оркестром.

Обычно меньше - это больше, но не всегда. На своем новом альбоме "III" квартет Evelyn Kryger бравурно демонстрирует, что можно вложить в проект все, что у тебя есть, и в итоге получить даже больше, чем ты думал. Саксофонист Кристоф "Сито" Калинг, клавишник Арне Дреске, басист Йонас Холланд-Мориц и барабанщик Ханнес Дункер, сами того не планируя, сумели создать на "III" монументальное, похожее на законченное произведение, которое имеет черты концептуального альбома. В
в отличие от всех предыдущих альбомов группы, на этот раз вместо постоянного состава для всех песен группа опирается на переменную группу гостей, которые придают индивидуальные тембры и оттенки, моменты напряжения или изменения направления в разных песнях. Гитарист Омар Гудьонссон из исландской пост-рок группы ADHD, бразильский рэпер Laíz, трубач Том Трабандт, саксофонист Ричард Хекель, скрипач Роланд Саттервайт и венесуэльский перкуссионист Нене
Васкес обогащают спектр группы в разных песнях своими идиомами. Таким образом, Эвелин Крайгер создает широкую драматургическую дугу напряжения от джаза и прог-рока, через саундтрековые пассажи, поп-заимствования, латинские грувы, фольклорные окраски до точности и плотности классической музыки и отстраненной открытости джем-рока. Эвелин Крайгер сознательно работает с контрастами. Подобно лучшим моментам Return To Forever, Pat Metheny Grou
p, Nils Petter Molvaer или ADHD, все эти влияния и предыстории сливаются в гармоничное целое, которое уже не нуждается в классификации. Потому что с первой ноты и до последнего такта становится ясно одно: это всегда и исключительно высказывание Эвелин Крайгер. Четвертый альбом Эвелин Крайгер, получивший название "III", - одно из самых полных музыкальных сокровищ последних лет. Этот эпический звуковой фильм - не просто студийная работа, это исполнение в самом лучшем виде
это спектакль в самом лучшем смысле этого слова, который не боится сравнения с великими концептуальными альбомами в истории рока и джаза.