Зарубежная музыка на виниле

Своим импровизационным подходом к «Детским сценам» Роберта Шумана пианистка Йоханна Саммер в начале 2020 года поразила и восхитила в равной степени слушателей, представителей СМИ и коллег из самых разных направлений. Звезда классической музыки Игорь Левит восторженно отзывается о дебютном альбоме «Schumann Kaleidoskop»: «Йоханна Саммер — выдающаяся джазовая пианистка. Она настолько уравновешена и сосредоточена, так уверенно и свободно обращается с материалом и при этом всегда находит свой собственный тон».

«Поэт-пианист» Малакофф Ковальски считает эту музыку просто «скандально хорошей» и признаётся, что «очарован и потрясён артисткой, которая бесстрашно следует за музыкой». А икона джаза Йоахим Кюн констатирует: «Музыка Йоханны Саммер полна фантазии и не поддается классификации. Исходя из европейской классики и обладая чудесным прикосновением к клавишам, она создаёт нечто совершенное и самобытное».

Альбом «Resonanzen» расширяет и углубляет совершенно собственный подход Йоханны Саммерс к импровизационному пересказу музыки классических композиторов. Альбом охватывает широкий диапазон — от Баха через Бетховена, Шуберта, Чайковского, Грига и Равеля до Скрябина, Момпу и Лигети. Глубокое проникновение Саммерс в два мира — композиции и импровизации — уходит корнями в её музыкальное развитие. В детстве и юности она много занималась классической музыкой за фортепиано и только позже, но зато с особым упором, пришла к джазу и свободному исполнению. И хотя классические основы остались, для записи альбомов «Schumann Kaleidoskop» и «Resonanzen» ей пришлось заново осваивать многие навыки. Она говорит: «Для меня было очень важно сначала освоить оригинальные произведения во всех их гранях — таких как тональности или варианты фразировки — и по-настоящему понять их форму и звуковой язык. В случае с «Резонансами» это особенно сложно, поскольку произведения предъявляют очень разные требования к исполнению. В то же время импровизация и поиск идей — это навыки, которые нужно постоянно отрабатывать и развивать, чтобы музыка могла течь свободно и оставалась живой. Справиться с этими двумя аспектами и найти между ними баланс — для меня действительно задача всей жизни».

О том, насколько это сложная задача, свидетельствует тот факт, что альбом «Resonanzen» записывался дважды, с совершенно разными подходами, прежде чем музыка зазвучала так естественно и целостно, как сейчас. Йоханна Саммер вспоминает: «К первой сессии я всё тщательно подготовила и пришла в студию с очень перфекционистским настроем. И с ожиданием, что новый альбом обязательно должен быть лучше предыдущего. В процессе исполнения я слишком много анализировала и размышляла. Это настолько сузило пространство, что мне приходилось постоянно пробиваться сквозь него. В результате в записи слышалось это мое отношение, и я подумала, что на самом деле я обязана музыке начать всё с самого начала».

И так состоялась вторая, ранее незапланированная студийная сессия в концертной атмосфере: два прохода без перерывов перед небольшой избранной аудиторией, для которой Йоханна Саммер играла от имени слушателей альбома. «Это сыграло решающую роль», — вспоминает она. «Ощущение того, что я играю для слушателей в зале, подействовало на меня. Наконец-то я смогла играть свободно, потому что знала: я всё равно не смогу остановиться и что-то исправить. И я смогла позволить определённым вещам просто происходить и идти своим чередом».

Кажется, что Йоханна Саммер никогда не выбирает лёгкий путь. Об этом свидетельствует уже сам выбор сложного формата фортепианного соло для её дебютного альбома и дальнейшее развитие в альбоме «Resonanzen». И тем более тот факт, что молодая артистка взяла себе за цель мастерски двигаться в двух музыкальных дисциплинах, каждая из которых сама по себе представляет собой вызов. Удивительно, насколько уверенно ей удаётся этот «шпагат» на альбоме «Resonanzen». Игра Йоханны Саммер производит впечатление такой уверенной, такой живой и душевной. И за каждым поворотом ждёт новый сюрприз.

Шведский композитор, аранжировщик, басист и виолончелист Ларс Даниэльссон уже записал на лейбле ACT три альбома под собственным именем, участвовал в качестве сессионного музыканта в записи множества других релизов ACT и выступил в роли продюсера последнего альбома певицы Виктории Толстой, «Pictures of Me».

Ларс Даниэльссон — музыкант с поразительно широким диапазоном. Изначально он слушал рок-музыку Джими Хендрикса, Cream и Сантаны, одновременно изучая классическую игру на виолончели в консерватории в Гётеборге. Затем он увидел по телевидению концерт с участием Оскара Петерсона и датского басиста Нильса-Хеннинга Орстеда Педерсена: это стало началом его трансформации, и с тех пор бас занял для него первое место.

Своим новым альбомом «Pasodoble» он представляет захватывающий дуэтный альбом с поляком Лешеком Моздзером, которого считают самым успешным и разносторонним джазовым пианистом своей страны. На лейбле ACT он уже участвовал в сборнике «Romantic Freedom», задуманном как введение в серию «Piano Works», представив одну из своих композиций.

Ларс Даниэльссон и Лешек Моздзер впервые встретились четыре года назад на концерте в Варшаве. Это было что-то вроде любви с первого взгляда. С тех пор они совместно выпустили в Польше два успешных альбома с израильским перкуссионистом Зохаром Фреско: «The Time» и «Between us and the Light», а также гастролировали вместе в рамках последнего проекта Даниэльссона «Mélange Bleu».

Это был лишь вопрос времени, когда Ларс и Лешек запишут камерный альбом в дуэте. В результате появилось гармоничное и вневременное произведение, которое сразу же завораживает слушателя. Симбиоз между ними поразителен.

«Для меня Лешек — идеальный пианист. С музыкальной точки зрения мы просто с одной планеты. Мы начали планировать эту запись после того, как во время гастролей время от времени исполняли композиции в дуэте. Затем у Зигфрида Лоха появилась идея записать альбом исключительно в дуэте. Только фортепиано и контрабас — какая интенсивная связь! Для меня такой способ исполнения — как сон. С Лешеком у меня есть ощущение, что я в любой момент могу пойти в том направлении, куда меня ведет музыка. Надеюсь, вам, как слушателям, это доставит столько же удовольствия, сколько и мне». (Ларс Даниэльссон)

Лешек Моздзер — выдающийся музыкант и композитор, уже завоевавший множество наград в своей родной стране. Он играет на фортепиано с пяти лет, но только в 18 лет открыл для себя джаз и начал сочетать его с классической музыкой. Высоко ценятся его импровизации на мелодии Фредерика Шопена. Когда он не находится в студии или в гастрольном туре, он также сотрудничает с двумя известными кинокомпозиторами — Збигневом Прейснером, многолетним партнёром Кшиштофа Кесьлевского (трилогия «Три цвета»), или с недавно удостоенным «Оскара» Яном Качмареком («Когда мечты учатся летать»). Конечно, Моздзер уже играл со многими звездами международной джазовой сцены, такими как Пэт Метни, Арчи Шепп, Томаш Станко, Джо Ловано и многими другими. А что общего у Pink Floyd и Лешека Моздзера? На последнем альбоме Дэвида Гилмора «On An Island» пианист представлен двумя композициями

… «С самого нашего первого выступления у меня было ощущение, что Ларс — именно тот басист, с которым я хочу играть. Когда он рядом, мне не нужно думать о музыке, я просто могу её чувствовать. Хотите верьте, хотите нет, но я немного нервничал, прежде чем мы вошли в студию как дуэт. Мне казалось, что нам нужна какая-то концепция, что нам нужно создать некую магическую ауру, чтобы не выглядеть слишком напряжёнными или натужными. Но Ларс только улыбнулся и сказал: «Мы будем играть музыку, и всё». Этот опыт вдохновил меня и придал мне такую уверенность в себе, что в тот же вечер в номере отеля я сочинил ещё две пьесы. Обе они вошли в альбом. Когда я играю с Ларсом, я играю гораздо лучше, чем обычно. Я искренне надеюсь, что это сотрудничество будет долгосрочным». (Лешек Моздзец)

Оба музыканта — из одного теста. Их взаимное восхищение ясно прослеживается на их первом дуэтном альбоме. Тот, кто ожидал услышать тот или иной стандарт, будет удивлён. Из сочетания контрабаса и фортепиано родилось столько идей, что, за исключением одной пьесы — традиционной народной песни «Eja Mitt Hjärta», которую швед специально аранжировал для этого альбома, — все композиции являются авторскими произведениями Ларса или Лешека. Музыкальный союз, обещающий долгое совместное будущее.

Рецензии

«Четкое и детализированное микширование превращает оба инструмента в почти трехмерный звуковой ландшафт.» (MINT, февраль 2023)

«JAZZPAÑA — самый амбициозный записывающий проект, который когда-либо осуществлял Сигги Лох за всю свою чрезвычайно активную и обширную карьеру в музыкальном бизнесе, — объединяет американский джаз и фламенко Андалусии самым творческим, смелым и вдохновляющим образом. JAZZPAÑA — это демонстрация уникального композиторского и аранжировочного мастерства Арифа Мардина и Винса Мендозы, безупречной и динамичной игры секций биг-бэнда WDR, экзотическое и экстравертное мастерство Рамона Эль-Португеса и группы «Los Jovenes Flamencos», а также уверенную и выразительную игру ведущих приглашенных джазовых музыкантов — Майкла Брекера, Ала Ди Меолы, Стива Хана и Питера Эрскина. Кроме того, альбом «JAZZPAÑA» раскрывает Винса Мендозу как композитора и аранжировщика, обладающего огромным талантом и богатым воображением. Эта музыка неизбежно вызывает сравнение с классическим совместным проектом Гилла Эванса и Майлза Дэвиса 1959 года — «Sketches of Spain». ...но у Мендозы есть своя индивидуальность: он подходит к задаче композиции и аранжировки скорее как художник, создающий пейзаж на холсте».

Номинирован на две премии «Грэмми» в 1994 году.

Рецензии

«Высокое качество записи, в которой не чувствуется, что она была сделана в 1992 году, прозрачно и мощно воспроизводится на виниле.» (MINT, декабрь 2022)

Великие музыканты часто опережали своё время. Возможно, именно поэтому саксофонист Мариус Несет, хотя и является одним из самых прославленных европейских джазовых музыкантов среди критиков и экспертов, пока не стал «народным героем»: его музыка до сих пор слишком поразительна, сложна и даже пророческая. Приглашение Несета 3 сентября 2022 года на BBC Proms, один из самых значимых в мире фестивалей классической музыки, проходящий в достопочтенном лондонском Ройал-Альберт-Холле, подтверждает его исключительный статус.

Конечно, с выходом нового альбома его популярность может вырасти: ведь в «Happy» он впервые впускает в свой мир поп, соул и фанк семидесятых и восьмидесятых годов: «Послание этого альбома, заложенное в его названии, очень простое, но зато очень сильное», — говорит Несет. «Мы действительно прекрасно провели время, записывая альбом. Неделя в студии, днём и ночью — все были полны энтузиазма. Длительный процесс создания просто растворился в счастливых моментах». Несет признает, что раньше в своих композициях он часто находился под влиянием мрачных сторон мировых событий. Учитывая множество текущих кризисов, на этот раз он решил противопоставить им нечто другое. Итак, «Happy Music», но, разумеется, без того, чтобы отрицать или отказываться от своей собственной музыкальной ДНК.

Уже заглавный трек, с которого начинается альбом, оставляет слушателя одновременно счастливым и полностью потрясённым — как это обычно бывает с Мариусом Несетом. Этот трек «Happy», словно ураган, проносится по слуховым каналам, изобилуя цитатами (кто хочет, может услышать в нём Стиви Уандера или Cool & The Gang, а также Дэвида Санборна или даже Мишеля Леграна), наполненный энергией и отличающийся прекрасным настроением, но при этом полный неожиданных поворотов и стилистических разрывов. Это вступление к альбому, который позволяет открыть для себя Мариуса Несета с нескольких новых сторон: «Некоторые композиции очень экспериментальны в ритмическом плане, хотя явно вдохновлены обычно простым соулом», — рассказывает Несет. «Использование клавишных и их звуков тоже было для меня новым. Это почти возвращает меня к „Golden Explosion“, моему дебютному альбому». На «Wildlife» Несет явно обращается к афробитам, а также к элементам западноафриканского хай-лайф — это композиция, изначально написанная для классического оркестра, которая теперь идеально вписывается в задуманную «новую беззаботность

».«A Hand to Hold», напротив, — это совершенно классическая, спокойная баллада, в таком пуристском исполнении от Несета мы её ещё не слышали. Будучи музыкантом, известным своей динамикой, скоростью и мощью в игре на саксофоне, на этот раз он специально хотел сыграть «мягко». Наконец, «Diamonds» в основном построен на электронно сгенерированных сферических звуках.
Итак, новые звуки, для которых Несет привлек и новых соратников. При возвращении к любимому квинтету — после того как он долгое время предпочитал писать для больших составов, а в последнее время впервые сочинял исключительно для себя как солиста — единственной постоянной фигурой остался барабанщик Антон Эгер, человек, который, как никто другой, способен следовать взрывным ритмическим идеям Несета. С возвращением шведского пианиста Магнуса Хьорта в квинтет Несета возвращается старый знакомый из его ранних лет: в 2005 году он был первым пианистом в трио Phronesis, из которого Несет позже набирал своих аккомпаниаторов.

Совершенно новым является британский компонент в квинтете Несета: «Мне нужны были бас-гитарист, играющий на электробасу, и клавишник для этого проекта. С Конором Чаплином я уже познакомился на нескольких выступлениях, его звучание на басу я представлял себе ещё во время сочинения — оно было для меня очень свежим и вдохновляющим. А об Эллиоте Галвине я, конечно, уже слышал много хорошего. Я подумал, что с его нестандартным подходом он идеально впишется в проект. И, к счастью, он со мной согласился. Решающее значение для альбома имеет баланс, который Магнус за роялем и Эллиот за клавишными нашли, несмотря на свои совершенно разные музыкальные темпераменты. Между ними сразу возникла химия, и я до сих пор в восторге от того, как их противоположности дополняют друг друга

». Несет уделил не меньшее внимание тому, какую дугу должен охватывать альбом. И так, после насыщенного грувом вступления и путешествия в Африку, альбом вновь отправляется по новым путям, в еще неисследованные просторы и миры. Переключателем служит композиция «The Unknown», в которой, как признается Несет, на него оказал влияние прежде всего Дьёрдь Лигети. Помимо дерзкого, бурного и порой меланхоличного Мариуса Несета теперь можно услышать и «классического», мягкого и жизнерадостного. Такое развитие творчества вновь вызывает восторг и, несомненно, принесёт ему новых поклонников.

Рецензии

».​.​.​впечатляюще и эффектно.​ [.​.​.​] Страсть Мариуса Несета к динамике [.​​​] воспринимается с радостью, не пренебрегая при этом нежной стороной музыканта и его квинтета.​» (STEREO, январь 2023)

Дебютный сольный альбом пианиста и композитора Луциуса Шулера — это запись, которая объединяет стандартные элементы неоклассики — электронные звуковые ландшафты и фортепиано — в уникальный гибрид эстетики, разделённой столетием. Представьте себе столкновение современного импрессионизма — звуковых картин, в которых используются синтез звука, шумы, гранулярный синтез и полевые записи — с его аналогом рубежа веков. Если бы эта музыка была настоящей картиной, то это был бы холст, на который современная композиция была бы тщательно нанесена поверх винтажного произведения с различной степенью непрозрачности. Но в конечном итоге это очень поэтический документ, в котором в течение шести месяцев впитывался дух Парижа и создавалась музыка.

Когда музыка группы становится более зрелой, происходит удивительный процесс: чем сильнее сливаются между собой отдельные партии музыкантов, тем ярче при этом выделяются их индивидуальные музыкальные личности.

В этом заключается ключевая идея, лежащая в основе названия «Mosaismic» — третьего альбома швейцарского квинтета Ikarus, исполняющего музыку в стилях contemporary, groove и джаз. Название образовано от сочетания слов «Mosaik» (мозаика) и «Seismik» (сейсмика).

Мозаика подразумевает совокупность независимых элементов, которые вместе образуют узор или изображение. Сейсмика, с другой стороны, обозначает энергию в виде колебаний, высвобождаемую в результате движения, столкновения или трения материковых массивов.

Рецензии

«Постоянно меняющаяся музыкальная мозаика.» (Jazz thing, июнь – август 2019)

Джим Макнили: «Джазовый оркестр Концертгебау (JOC) — один из крупнейших джазовых ансамблей в мире. С некоторыми из этих музыкантов я знаком с конца 90-х годов. Но до января 2020 года я ни разу не работал со всем составом JOC — это произошло в рамках проекта с Джошуа Редманом. Было здорово послушать группу вживую и познакомиться с каждым из солистов. Но через месяц COVID перевернул мир с ног на голову. Поэтому я заперся в своей домашней студии и решил каждый день сочинять музыку. Я начал записывать идеи и развивать их. Цель состояла в том, чтобы каждый день чем-то заниматься и дать идеям возможность созревать и развиваться сами по себе, без каких-либо сроков и конкретных проектов.

Затем мне написал электронное письмо Хуан Мартинес, художественный руководитель JOC (и баритон-саксофонист). Он предложил мне записать CD с музыкой для ансамбля, на котором были бы представлены все солисты. За этим последовало несколько встреч по Zoom с Хуаном и барабанщиком Мартином Винком. Мартин составил «Руководство для композитора» для JOC. В нём были перечислены все музыканты ансамбля и их музыкальные специализации. Исходя из этого, я начал вникать в суть дела. Я сочинял для этих музыкантов. После многих месяцев репетиций по Zoom (фу!), переносов сроков и ещё большего количества Zoom (фу!) в ноябре прошлого года мы отправились на три насыщенных дня в студию в Хилверсуме».

Рецензии

«Среди поклонников биг-бэндов Jazz Orchestra Of The Concertgebouw (JOC) пользуется отличной репутацией.​ (.​.​.​) Для своего нового проекта Хуан Мартинес, руководитель амстердамского биг-бэнда, смог привлечь Джима Макнили — одного из самых выдающихся композиторов и аранжировщиков.​» (FONO FORUM, декабрь 2022 г.)

Группа Under The Surface была основана в 2015 году и с тех пор добилась больших международных успехов. Барабанщик Йост Лийбаарт организовал более 200 концертов в 25 странах на 4 континентах: от Африки до Южной Америки, Азии, Ближнего Востока и Европы.

Вдохновлённая своими многочисленными путешествиями и культурами, с которыми она познакомилась, группа разработала уникальный язык импровизации, сочетающий в себе джаз, фолк, этническую и электронную музыку. Импровизация, композиция, язык и культура сталкиваются, сливаются и взаимно влияют друг на друга. «Under The Surface» не знает границ. В своём необыкновенном третьем альбоме группа размышляет о собственном происхождении и находит свой собственный «фолк». После первых двух полностью импровизированных альбомов группы, «Under The Surface» (2017) и «Trinity» (2019), оба из которых были номинированы на премию «Эдисон», следующим шагом для Under The Surface стал полностью композиционный альбом: «Miin Triuwa».

С альбомом «Miin Triuwa» Under The Surface отправляется в новое музыкальное путешествие с композициями гитариста Брама Стадхоудера. Он написал сюиту из восьми пьес, в которых характеры и особенности участников группы приобретают трансцендентный характер. Постоянно меняющиеся импровизации, столь характерные для группы, теперь воплощены в мощном музыкальном заявлении, демонстрирующем суть творчества коллектива. Вместо того чтобы путешествовать в другие миры, в этом проекте группа обращается к своему внутреннему миру и исследует, как их собственные корни влияют на их музыку.

В его музыке открытые просторы и тишина финской Арктики переплетаются с макаматами арабского мира, ритмическим богатством Африки и Индии, а также импровизационным духом американского джаза.

Он ищет новый музыкальный синтаксис, который ставит под сомнение культурные дихотомии, исследуя общие черты между культурами и одновременно признавая их различия. «Пока я пишу эти строки в июле 2022 года на своём балконе, прошло более 9 лет с момента выпуска моего дебютного альбома «un | ان» и более 11 лет с момента записи. Время, прошедшее с тех пор, было для меня лично бурным периодом, полным поворотов — уединения, размышлений, осознания, переоценки, терапии, триумфа, проб и ошибок — в плену многолетнего творческого кризиса, заставившего меня усомниться в том, смогу ли я когда-нибудь снова сочинять. Хотя у меня было огромное желание высказаться, я чувствовала, что потеряла свой голос — или, возможно, никогда его и не имела.

Со временем во мне всё сильнее затягивался постоянный узел, но я не понимала, что его вызвало и как его можно развязать. В 2018 году, встряхнутый столкновением двух перемен, я вдруг увидел старые шаблоны в новом свете — их привычное присутствие я ощущал большую часть своей жизни, но до того момента никогда не осознавал, чем они на самом деле были. После третьего витка я наконец обрёл смирение, чтобы сдаться, и когда начал анализировать и сталкиваться с самим собой, постепенно стал открывать для себя новые ответы — и задавать новые вопросы. Затем наступила пандемия Covid-19, и мир остановился. Как и многие из нас, охваченные новой, зловещей тишиной, я уединился в своём внутреннем мире. Я начал возвращаться к наброскам идей, накопленных мной на протяжении многих лет, и, наконец, совсем-совсем постепенно, начала рождаться новая музыка». Юсси Реййонен

Выросший в Финской Лапландии, Иордании, Танзании, Омане и Ливане и проживший большую часть своей взрослой жизни в Соединённых Штатах, гитарист и исполнитель на уде Юсси Реййонен на протяжении всей своей жизни впитывал звуки, достопримечательности, ароматы и оттенки культур Северной Европы, Ближнего Востока, Африки и Америки, что нашло отражение в его композиторском и исполнительском стиле.

В качестве руководителя, соавтора, композитора или аранжировщика он сотрудничал с многочисленными артистами первой величины, в том числе с Джеком ДеДжонеттом, Пепе де Лусия, Хавьером Лимоном, Дэвидом Фючински, Саймоном Шахином, Бассамом Саба, Марселем Халифе, Арто Тунчбоячияном, Дэйвом Веклом, Яжи Го, Луи де Мьёлем / Мэттом Гарсткой (из Animals as Leaders), Хюсну Шенлендиричи и New York Gypsy All-Stars, а также многими другими.

Как педагог Юсси продолжает поощрять и стимулировать транскультурный диалог и обмен мнениями, выходящие за рамки границ и дисциплин, за пределы чистой политики идентичности.
За 13 лет, прожитых в Бостоне и Нью-Йорке, он выступал на престижных фестивалях и в таких заведениях, как Линкольн-центр и Библиотека Конгресса, а также в Финляндии, Швеции, Латвии, Швейцарии, Германии, Франции, Нидерландах, Ливане и Канаде.

Дебютный альбом Юсси «un | أن», номинированный на Independent Music Award и охарактеризованный журналом Guitar Player как «необыкновенная музыка», вышел в 2013 году на его лейбле unmusic и был встречен критиками с большим восторгом. Его долгожданный следующий альбом «Three Seconds | Kolme Toista» — обширная сюита для нового транскультурного ансамбля из девяти музыкантов под его руководством — объединяет музыкантов из Иордании, Ирака, Палестины, Турции, Японии и США (которые, среди прочего, выступали с Херби Хэнкоком, Роем Хейнсом, Теренсом Бланшаром, Данило Пересом, Саймоном Шахином, Snarky Puppy и Йо-Йо Ма). Альбом вышел в октябре 2022 года на лейбле Challenge Records.

Помимо своей деятельности в качестве лидера, он является соруководителем Sawaari — квинтета, исследующего связь между индийскими ритмами, арабских макамат и трансовой музыки Северной Африки и Южной Италии, сотрудничает со швейцарской певицей Габриэлой Мартиной, является членом New York Arabic Orchestra и продолжает свою педагогическую деятельность в США и Европе.

В конце 2019 года, после встречи с представителями Challenge Records в Амерсфорте, где мы обсуждали мой альбом «Ever Open Door», они посоветовали мне связаться с Джаспером Сомсеном. В тот вечер я ужинал с ним и Раймондо Мели Лупи в Амстердаме; именно он занимался мастерингом моих предыдущих записей и организовал эту встречу.

Джаспер произвёл на меня впечатление энтузиаста и целеустремлённого молодого человека и, как я позже убедился, послушав его на нескольких записях, — выдающегося и творческого басиста, который теперь стал моим другом и коллегой.

Мы договорились записать альбом. Джаспер подобрал остальных музыкантов, и были согласованы даты записи на студии MotorMusic в Бельгии. Но тут разразилась пандемия Covid-19! Записи то и дело откладывались в 2020 и 2021 годах, хотя в это время мы обсуждали, какие композиции подойдут, а Джаспер писал черновые аранжировки. Его выбор Марселя Сериезе на ударных и Ханса Вруманса на фортепиано был вдохновляющим — они изобретательные, чуткие музыканты, и играть с ними — одно удовольствие!

Наш репертуар состоит из композиций с яркими мелодиями из жанров фолк, джаз, рок, поп, а также собственных композиций Джаспера и меня. Я предложил сыграть три композиции Supertramp, поскольку значительная часть моей музыкальной жизни связана с творчеством Рика Дэвиса и Роджера Ходжсона. Впервые я услышал «Don’t Ever Leave Me» в исполнении Кита Джарретта. Это такая красивая, короткая и трогательная мелодия, что мы решили сыграть четыре версии и использовать их в качестве «опор» для нашей музыки. Если вам эта музыка понравится хотя бы наполовину так, как нам понравилось её исполнять, значит, наше признание в любви удалось!

Второй альбом квартета Майка Краля выйдет в 2023 году на лейбле Challenge Records и поражает неповторимым звучанием и чётко узнаваемым собственным стилем. Кроме того, в некоторых композициях можно услышать игру великого гитариста Курта Розенвинкеля.

Таких молодых музыкантов, как 31-летний трубач Майк Краль, в Германии приходится искать с помощью лупы. А тот, кто его найдёт, с удивлением обнаружит, что лишь немногие молодые немецкие джазовые музыканты звучат в настоящее время более оригинально, искусно и многогранно. Кралю не нужны популярные шоу-эффекты, чтобы вывести публику из сдержанности, — ему достаточно лишь его инструментального виртуозного мастерства и ярких, многогранных композиций. Ведь он находится в «In-Between Flow». Неудивительно, ведь во время учебы в Дрездене и Эссе он учился у таких выдающихся педагогов, как Тилль Брённер и Райан Карнио.

Тем не менее Краль не копирует ни одного из своих кумиров, а, что удивительно, уже давно выработал свой неповторимый звук и четко узнаваемый собственный стиль. Третий этап карьеры Майка Краля, выходящий сейчас, носит именно этот загадочный титул «In-Between Flow», что можно примерно перевести как «промежуточное течение». Этим он имеет в виду непрерывное развитие человека. Как и в природе, его дух может расширяться, раскрываться и созревать до нового состояния. Там он на время останавливается, пока новые импульсы не инициируют очередной переход. Этот переход может быть болезненным, изнурительным, энергозатратным или длительным, но также вполне интересным и захватывающим.

Такие «промежуточные течения», то более тонкие, то более резкие, а также периоды удовлетворенности и безмятежности, вдохновили молодого альпиниста на создание восьми увлекательных композиций для этого альбома. Пианист Константин Крамер, басист Якоб Кюнеманн и барабанщик Фабиан Рёш, а также в качестве гостей в Slosetta, No Claim Claim и Ms Ludgate — знаменитый гитарист Курт Розенвинкель — составляют идеальный ансамбль для мелодических и мотивных историй Краля, которые отличаются такой простой ясностью и лаконичностью, что их сложные структуры почти никому не бросаются в глаза.

Краhl любит встраивать свою то нежную, то переполненную энергией трубу в современный, но никогда не произвольный грув. Он приглашает слушателей в тонко сконструированные, едва уловимые, почти певучие эмоциональные «американские горки», в которых печаль, радость, одиночество, ожидание, колебания, сомнения и обретение новой смелости соседствуют бок о бок. Майк Краль и его товарищи дают незаметный, но запоминающийся урок того, как принять постоянно меняющийся поток перехода из одного состояния в другое. Что означает: расти, учиться и просто развиваться в следующем состоянии, пока процесс не начнётся заново, оставаясь в потоке: «In-Between Flow».

Слушать Юрая было и остается огромным удовольствием. Его игра с музыкальными формами, его неожиданные, остроумные, но всегда сдержанные импровизации и этот постоянный, безошибочно узнаваемый свинг вместе с коллегами по басу и ударным, которые все следуют одному и тому же груву. Но новая запись — «The Deep» — преподносит ещё один сюрприз.

Речь идет прежде всего о звучании некоторых баллад, вошедших в альбом, которые придают его подходу нечто романтическое, с приятной привязанностью к мелодии, которая, тем не менее, уверенно звучит в его совершенно личной интерпретации. И всегда с этим свингом. Умно, но никогда не интеллектуально, без напыщенного пафоса и без этого ощущения «это просто нужно послушать!». Одним словом: чисто. Альбом начинается с композиции «I’ll close my eyes» английского лидера ансамбля Билли Рида 1945 года. Затем следуют «You know I care» Дюка Пирсона и песня Джонни Мандела «Close enough for love» 1979 года. Станик превращает их в прекрасный джаз благодаря своей невероятно тонкой игре.

Как альбом, «The Deep» далеко не одноцветен, что слышно по заглавной композиции, написанной Джаспером Бломом и вдохновлённой одноимённым фильмом. И «Freedom Jazz Dance» Эдди Харриса, которую мы знаем по собственной версии Харриса с Сидаром Уолтоном за фортепиано и по версии Майлза Дэвиса (с Херби Хэнкоком) на знаменитой расширенной пиратской записи. В исполнении Юрая эта композиция обретает мастерски контролируемый, заразительный грув, который больше не выходит из головы. «Я хотел записать альбом в составе трио, на котором я бы чувствовал себя комфортно», — говорит Станик. С рядом стандартов, таких как «The Feeling of Jazz» Эллингтона. И с музыкантами, которых он искренне восхищает: басистом Франсом ван дер Хоевеном и многообещающим молодым барабанщиком Тимом Хеннекесом. К этим восхитительным стандартам присоединяются две композиции самого Станика, которые идеально воплощают обе стороны альбома «The Deep».