Klavier- und Cembalokonzerte

За пределами своей родины Витезслав Новак сегодня известен не так хорошо, как его соотечественник и коллега Йозеф Сук, хотя при жизни он также пользовался большой международной известностью. Получивший, как и его друг, образование у Антонина Дворжака, который сам был учителем композиции, а затем ректором Пражской консерватории, Новак оставил после себя обширное творчество, охватывающее все сферы - от камерной музыки до балета и оперы. Явное влияние национального фольклора, юмористический подход к "экзотическим" элементам и тонкое чувство звука характеризуют язык художника, который по понятным причинам начинал как ярый поздний романтик: сопоставление фортепианного концерта, написанного в 1895 году, и двух балетных пантомим, написанных примерно 35 лет спустя, создает поле напряжения, которое настойчиво призывает к интенсивному изучению увлекательного персонажа.

Отзывы

"Эта музыка свидетельствует о восприятии Новаком французского неоклассицизма, например, сочинений Альбера Русселя: она ритмически подвижна, энергична, богато и со вкусом окрашена" (FonoForum 02/2026)

"Привлекательное, мелодичное произведение, характеризующееся меланхолией на протяжении длительных отрезков, с очень эффектной сольной партией. Три части сливаются друг с другом и содержат очень разные, иногда драматические, иногда очень лирические пассажи с яркими темами.оркестровка столь же великолепна, как и виртуозная сольная партия, которую главный музыкальный экскаватор Оливер Триндл замечательно сделал своей. Лукаш Борович демонстрирует не меньший энтузиазм по отношению к музыке и обеспечивает выразительную, плавную интерпретацию с оркестром" (Pizzicato.lu)

"Немецкий пианист Оливер Триндль посвящает себя своей задаче с блеском и чувством, мощный в октавных и аккордовых секвенциях, нежный в лирических частях" (Klassik heute)

Тот, кто называет органное произведение "Большой симфонической пьесой", не должен удивляться, если это название однажды послужит мерилом для определения правомерности атрибуции. Именно так поступил органист, композитор и педагог Жигмонд Сатмари, который по инициативе своего молодого коллеги Кристиана Шмитта изучил оркестровые возможности "большой симфонической пьесы" Сезара Франка. Результатом этого исследования стала мировая премьера концертной пьесы, в которой королева инструментов и ее олицетворенные регистры, то есть оркестр, образуют пленительный синтез. Через известную тональную поэму Франка "Les Éolides" ("Дочери Эола") программа, наконец, приводит к дискографической редкости Шарля-Мари Видора - "Вальпургиевой ночи", которая легко соперничает с самыми знаменитыми танцами ведьм в романтической литературе.

Рецензии

"Большое достижение, обогащающее репертуар для органа и оркестра!... Результат завораживает. Это произведение, в котором орган и оркестр выступают как часть единого звукового тела. Педаль органа, например, обосновывает оркестровую басовую линию звучным звучанием, так же как два звуковых тела вступают в очень интимную связь. Кроме того, интерпретация Шмитта и Бамбергского симфонического оркестра под руководством Фабьена Габеля очаровательно красива и просто идеальна по звучанию" (Klassik heute)

Оскар Штраус как композитор классической музыки

Оскар Штраус начал свою карьеру в кабаре, и не зря его первая оперетта «Весёлые нибелунги» 1904 года была полностью построена на комическом, представляя собой пародию на «Песнь о Нибелунгах», Вагнера и вильгельминизм. Как никто из своих венских современников, Оскар Штраус стал таким образом преемником Жака Оффенбаха — основателя того жанра, на последний расцвет которого Штраус, родившийся в 1870 году, вместе с Францем Легаром, Лео Фаллом и Эммерихом Кальманом оказал решающее влияние. Его «Серенада» для струнного оркестра написана в неизменно весёлом классическом стиле. Особенно последние две части — «Вальс» и «Алла марча» — своей элегантной фактурой уже напоминают более поздние оперетты. Совсем иначе построен высокоромантический фортепианный концерт си-минор. Хотя три части плавно перетекают друг в друга по образцу «новогерманского» стиля Франца Листа, они тем не менее остаются чётко различимыми и следуют образцу классико-романтического фортепианного концерта — то есть той формы, которой его учитель Брух придерживался до самого конца. Утверждение Оскара Штрауса о том, что он был «любимым учеником» Бруха, становится понятным благодаря этому романтическому фортепианному концерту, однако Оскар Штраус явно превосходит своего учителя, проявляет большую смелость в гармонии и скорее напоминает Листа, которого Брух отвергал так же, как и его концепцию плавно перетекающих друг в друга частей.

Информация о продукте

Оскар Штраус как композитор-классик

Поскольку Оскар Штраус начинал свою карьеру в кабаре, для него было вполне естественно сделать ставку на комедию в своей первой оперетте «Весёлые нибелунги» (1904) — пародии на «Песнь о Нибелунгах», Вагнера и вильгельминизм. Таким образом, Штраус, больше чем любой из его венских современников, стал наследником Жака Оффенбаха, основателя этого жанра, чей последний период расцвета оказал влияние как на Штрауса (родившегося в 1870 году), так и на Франца Легара, Лео Фалла и Эммериха Кальмана. «Серенада» Штрауса для струнного оркестра написана в неизменно лучезарном классическом стиле. Особенно последние две части, «Вальс» и «Алла марча», отличаются элегантной структурой, уже предвосхищающей позднейшие оперетты. Глубоко романтический Концерт для фортепиано с оркестром си минор демонстрирует совершенно иную композиционную концепцию. Несмотря на то что три части, основанные на «новогерманском» образце Франца Листа, образуют единое целое, они остаются чётко различимыми и следуют канонам классико-романтического фортепианного концерта — формы, которой его учитель Макс Брух придерживался до самого конца. Утверждение Оскара Штрауса о том, что он был «любимым учеником» Бруха, становится понятным благодаря этому романтическому фортепианному концерту, однако он значительно выходит за рамки стиля своего учителя, проявляет большую смелость в гармонии и больше напоминает Листа, которого Брух отвергал, равно как и его идею о том, что части должны составлять последовательности без перерывов.

Рецензии

klassik-heute.​de 08/2020: «Его вальсы — полные безудержно струящихся мелодий — блещут блестящей инструментовкой и удачно расставленными второстепенными партиями, оживляющими действие. Здесь слышен мастер в своей стихии.​»

«Вероятно, это было в 1893 году, когда Брух поддержал Штрауса в написании фортепианного концерта, результат которого очень сильно напоминает концерты конца XIX века и оставляет солисту много пространства, чтобы «блеснуть».​ Понятно, почему он более ста лет оставался незамеченным: в нём слишком много хороших мелодий.​ В нём используются захватывающие ритмы и смелые гармонии, так что это гораздо больше, чем просто очередной концерт.​ И снова преобладает весёлость; на самом деле медленная часть длится всего четыре минуты, после чего воодушевляющий финал напоминает нам о последующих опереттах!

Действительно, это идеальный диск для тех, кто хочет «поднять настроение»; лейбл cpo явно создал его так, чтобы вызвать улыбку даже на самых угрюмых лицах!» (http://operetta-research-center.org)

Неизменные тембры норвежца

В каталоге произведений Давида Монрада Йохансена насчитывается всего 36 опусов, а также дюжина не пронумерованных пьес из разных творческих периодов. «Эпиграммы на норвежские мотивы» являются его последним крупным произведением, которое, в отличие от других, записанных на этом альбоме, ещё более явно отсылает к норвежской народной музыке. Монрад Йохансен гармонизировал эти мелодии в своей характерной манере, но прежде всего он обогатил их нежными красками и пышными всплесками своей детализированной оркестровкой. Но прежде всего в его успешной «Симфонической музыке „Пан“», op. 22, проявляется его мастерство в оркестровой колористике, которая, возможно, отчасти черпает вдохновение у Рихарда Штрауса, но также следует за французскими импрессионистами, благодаря чему она находится на стыке различных влияний и направлений в его творчестве. Еще в большей степени, чем «Пан», в равной мере подверженный немецким и французским влияниям, его «Симфонические вариации и фуга», op. 23 (1944–1946; переработанные в 1959 и 1964 годах) связаны с немецким образованием Монрада Йохансена и содержат множество неоклассических элементов, что заставляет вспомнить о Максе Регере и Франце Шмидте, в творчестве которых крупные вариационные сочинения с фугами занимают особое место и стали частью музыкальной традиции. Еще в начале своей творческой карьеры Монрад Йохансен проявил себя как выдающийся пианист и, по крайней мере, со времени своего пребывания в Париже в 1927 году испытывал желание сочинить концерт, однако на его воплощение ушло еще почти три десятилетия. С чисто внешней точки зрения концерт имеет традиционную трехчастную структуру и классические формальные образцы. Однако особенно бросается в глаза драматическое взаимодействие между фортепианной партией, исполняемой на протяжении всего произведения с виртуозной виртуозностью, и вступлениями оркестра.

Информация о продукте

Неизменные звуковые краски норвежца

В каталоге произведений Давида Монрада Йохансена числятся всего тридцать шесть опусов, а также дюжина ненумерованных сочинений разных периодов. «Эпиграммы на норвежские мотивы» являются его последним обширным сочинением, а также тем, которое более явно связано с норвежской народной музыкой, чем другие записанные здесь произведения. Монрад Йохансен гармонизировал заданные мелодии в своей характерной манере, прежде всего обогащая их нежными красками и роскошным фейерверком своей детализированной оркестровки. Однако именно в своей удачной симфонической композиции «Пан», op. 22, он в первую очередь демонстрирует своё мастерство в области оркестровой колористики, которая отчасти может иметь своим образцом творчество Рихарда Штрауса, но также следует за французскими импрессионистами, благодаря чему она находится на стыке различных влияний и отпечатков в его творчестве. «Симфонические вариации и фуга», op. 23 (1944–1946; переработаны в 1959 и 1964 годах), в большей степени, чем «Пан» с его равными долями немецкого и французского влияния, связаны с немецким образованием Монрада Йохансена и демонстрируют множество неоклассических элементов, так что здесь на ум приходят Макс Регер и Франц Шмидт, в музыке которых великие вариационные произведения с фугами выделяются своей традициообразующей функцией. Уже в начале своей творческой карьеры Монрад Йохансен проявил себя как выдающийся пианист, и, по крайней мере, со времени своего пребывания в Париже в 1927 году его привлекала идея сочинения концерта, но прошло почти три десятилетия, прежде чем этот замысел воплотился в жизнь. В целом концерт имеет традиционную трехчастную структуру и следует классическим формальным образцам. Однако особое внимание привлекает драматическое чередование фортепианной партии, которая на протяжении всего произведения остается виртуозной, и партии оркестра.

Рецензии

klassik-heute.​com 05/2020: «В „Симфонических вариациях“, частично сочинённых в тюрьме, Монрад Йохансен демонстрирует, какие гармонические, композиционные и инструментальные идеи он может извлечь из рождественской песни.​ Насыщенность событиями в этом произведении настолько высока, что оно кажется гораздо более обширным, чем есть на самом деле, и когда заключительная фуга великолепно увенчивается повторяющейся темой, не возникает впечатления, что прослушано всего лишь четвертьчасовое произведение.​»

Оливер Триендль исполняет произведения Рейзенштайна

После публикации его концерта для виолончели мы хотели бы теперь представить вам второй фортепианный концерт Франца Райзенштайна. Так же, как и Гольдшмидт, Райзенштайн бежал из Берлина в Англию уже в 1934 году – то есть до ужесточения иммиграционных условий. В целом в творчестве Райзенштайна доминирует влияние Хиндемита, однако он отличается от своих британских и американских коллег, таких как Роусторн и Беркли, своей бурной энергией, которая приводит к появлению очень живых, менее сдержанных произведений. На премьере своего фортепианного концерта в 1961 году, исполненного оркестром BBC под управлением Рудольфа Шварца, сольную партию исполнил сам Рейзенштайн. В этом концерте выделяется оживлённая виртуозность, создающая блестящее взаимодействие между солистом и оркестром. Его «Серенада фа мажор» относится к числу произведений, которые скорее подчиняются немецкому направлению «Новой объективности», чем колоритному импрессионизму. Последним прозвучавшим произведением стала концертная увертюра «Сирано де Бержерак» — сильное, энергичное произведение, симфонический портрет чрезвычайно популярного сценического персонажа, в котором используется удивительно скромный оркестровый состав. При этом композитор ни в коем случае не упускает из виду более романтические моменты образа Сирано.

Информация о продукте

Оливер Триендль исполняет произведения Рейзенштайна

Вслед за выпуском Концерта для виолончели Франца Райзенштайна мы с удовольствием представляем вашему вниманию его Концерт для фортепиано № 2. Как и Бертольд Гольдшмидт, Райзенштайн бежал из Берлина в Англию в 1934 году, до того как были ужесточены иммиграционные законы. В целом в творчестве Райзенштайна доминирует влияние Хиндемита, хотя его бурная энергия, порождающая весьма зажигательные и менее сдержанные результаты, явно отличает его от таких британских и американских композиторов, как Роустоун и Беркли. Сам Райзенштайн исполнил сольную партию на премьере своего фортепианного концерта в сопровождении оркестра BBC под управлением Рудольфа Шварца в 1961 году. В этом концерте особенно выделяется его буйная виртуозность, создающая блестящее взаимодействие между солистом и оркестром. «Серенада фа мажор» Рейценштайна относится к числу произведений, более тесно связанных с немецким течением «Новой объективности», чем с колоритным импрессионизмом. Последним прозвучавшим здесь произведением стала концертная увертюра «Сирано де Бержерак» — мощное, энергичное произведение, представляющее собой симфонический портрет чрезвычайно популярного театрального персонажа, написанное для удивительно скромного оркестрового состава. При этом композитор ни в коей мере не упускает из виду более романтические моменты образа Сирано.

Рецензии

klassikl.​com 10/2019: «Триндль сочетает в себе остроумие и шарм Хиндемита с индивидуальными чертами Рейзенштайна, а нюрнбергские музыканты являются для него живыми, вдохновлёнными партнёрами.​ Однако центральным произведением, в том числе благодаря удачному выбору солиста, остаётся фортепианный концерт, который, как привлекательное тональное концертное произведение середины XX века, вполне может занять прочное место в музыкальной жизни.​»