Фирма ACT

Шведский композитор, аранжировщик, басист и виолончелист Ларс Даниэльссон уже записал на лейбле ACT три альбома под собственным именем, участвовал в качестве сессионного музыканта в записи множества других релизов ACT и выступил в роли продюсера последнего альбома певицы Виктории Толстой, «Pictures of Me».

Ларс Даниэльссон — музыкант с поразительно широким диапазоном. Изначально он слушал рок-музыку Джими Хендрикса, Cream и Сантаны, одновременно изучая классическую игру на виолончели в консерватории в Гётеборге. Затем он увидел по телевидению концерт с участием Оскара Петерсона и датского басиста Нильса-Хеннинга Орстеда Педерсена: это стало началом его трансформации, и с тех пор бас занял для него первое место.

Своим новым альбомом «Pasodoble» он представляет захватывающий дуэтный альбом с поляком Лешеком Моздзером, которого считают самым успешным и разносторонним джазовым пианистом своей страны. На лейбле ACT он уже участвовал в сборнике «Romantic Freedom», задуманном как введение в серию «Piano Works», представив одну из своих композиций.

Ларс Даниэльссон и Лешек Моздзер впервые встретились четыре года назад на концерте в Варшаве. Это было что-то вроде любви с первого взгляда. С тех пор они совместно выпустили в Польше два успешных альбома с израильским перкуссионистом Зохаром Фреско: «The Time» и «Between us and the Light», а также гастролировали вместе в рамках последнего проекта Даниэльссона «Mélange Bleu».

Это был лишь вопрос времени, когда Ларс и Лешек запишут камерный альбом в дуэте. В результате появилось гармоничное и вневременное произведение, которое сразу же завораживает слушателя. Симбиоз между ними поразителен.

«Для меня Лешек — идеальный пианист. С музыкальной точки зрения мы просто с одной планеты. Мы начали планировать эту запись после того, как во время гастролей время от времени исполняли композиции в дуэте. Затем у Зигфрида Лоха появилась идея записать альбом исключительно в дуэте. Только фортепиано и контрабас — какая интенсивная связь! Для меня такой способ исполнения — как сон. С Лешеком у меня есть ощущение, что я в любой момент могу пойти в том направлении, куда меня ведет музыка. Надеюсь, вам, как слушателям, это доставит столько же удовольствия, сколько и мне». (Ларс Даниэльссон)

Лешек Моздзер — выдающийся музыкант и композитор, уже завоевавший множество наград в своей родной стране. Он играет на фортепиано с пяти лет, но только в 18 лет открыл для себя джаз и начал сочетать его с классической музыкой. Высоко ценятся его импровизации на мелодии Фредерика Шопена. Когда он не находится в студии или в гастрольном туре, он также сотрудничает с двумя известными кинокомпозиторами — Збигневом Прейснером, многолетним партнёром Кшиштофа Кесьлевского (трилогия «Три цвета»), или с недавно удостоенным «Оскара» Яном Качмареком («Когда мечты учатся летать»). Конечно, Моздзер уже играл со многими звездами международной джазовой сцены, такими как Пэт Метни, Арчи Шепп, Томаш Станко, Джо Ловано и многими другими. А что общего у Pink Floyd и Лешека Моздзера? На последнем альбоме Дэвида Гилмора «On An Island» пианист представлен двумя композициями

… «С самого нашего первого выступления у меня было ощущение, что Ларс — именно тот басист, с которым я хочу играть. Когда он рядом, мне не нужно думать о музыке, я просто могу её чувствовать. Хотите верьте, хотите нет, но я немного нервничал, прежде чем мы вошли в студию как дуэт. Мне казалось, что нам нужна какая-то концепция, что нам нужно создать некую магическую ауру, чтобы не выглядеть слишком напряжёнными или натужными. Но Ларс только улыбнулся и сказал: «Мы будем играть музыку, и всё». Этот опыт вдохновил меня и придал мне такую уверенность в себе, что в тот же вечер в номере отеля я сочинил ещё две пьесы. Обе они вошли в альбом. Когда я играю с Ларсом, я играю гораздо лучше, чем обычно. Я искренне надеюсь, что это сотрудничество будет долгосрочным». (Лешек Моздзец)

Оба музыканта — из одного теста. Их взаимное восхищение ясно прослеживается на их первом дуэтном альбоме. Тот, кто ожидал услышать тот или иной стандарт, будет удивлён. Из сочетания контрабаса и фортепиано родилось столько идей, что, за исключением одной пьесы — традиционной народной песни «Eja Mitt Hjärta», которую швед специально аранжировал для этого альбома, — все композиции являются авторскими произведениями Ларса или Лешека. Музыкальный союз, обещающий долгое совместное будущее.

Рецензии

«Четкое и детализированное микширование превращает оба инструмента в почти трехмерный звуковой ландшафт.» (MINT, февраль 2023)

«JAZZPAÑA — самый амбициозный записывающий проект, который когда-либо осуществлял Сигги Лох за всю свою чрезвычайно активную и обширную карьеру в музыкальном бизнесе, — объединяет американский джаз и фламенко Андалусии самым творческим, смелым и вдохновляющим образом. JAZZPAÑA — это демонстрация уникального композиторского и аранжировочного мастерства Арифа Мардина и Винса Мендозы, безупречной и динамичной игры секций биг-бэнда WDR, экзотическое и экстравертное мастерство Рамона Эль-Португеса и группы «Los Jovenes Flamencos», а также уверенную и выразительную игру ведущих приглашенных джазовых музыкантов — Майкла Брекера, Ала Ди Меолы, Стива Хана и Питера Эрскина. Кроме того, альбом «JAZZPAÑA» раскрывает Винса Мендозу как композитора и аранжировщика, обладающего огромным талантом и богатым воображением. Эта музыка неизбежно вызывает сравнение с классическим совместным проектом Гилла Эванса и Майлза Дэвиса 1959 года — «Sketches of Spain». ...но у Мендозы есть своя индивидуальность: он подходит к задаче композиции и аранжировки скорее как художник, создающий пейзаж на холсте».

Номинирован на две премии «Грэмми» в 1994 году.

Рецензии

«Высокое качество записи, в которой не чувствуется, что она была сделана в 1992 году, прозрачно и мощно воспроизводится на виниле.» (MINT, декабрь 2022)

Именно «Павана для умершей принцессы» (Pavane pour une infante défunte) впервые познакомила Ильга с творчеством французского композитора. В юности его очаровала эта пьеса в исполнении Джима Холла и Арта Фармера: «Когда я искал новый источник вдохновения для своего трио, я сразу вспомнил об этом произведении. Мы глубже погрузились в творчество Равеля и обнаружили широкий спектр интерпретационных решений, которых раньше не встречали в творчестве Бетховена или Баха и которые давали нам ещё большую свободу. Музыка Равеля словно создана специально для нас!»

То, что Ильг в конечном итоге обратился к Морису Равелю, неудивительно, ведь его художественный подход полностью импрессионистичен. «Меня интересует то, что происходит между мной и объектом», — сказал однажды Клод Моне о своей живописи. Это в равной мере относится и к творческому процессу Ильга, ведь музыкальные образцы служат триггером для его собственных ощущений, которые преобразуются в новые звуковые образы: «Я не действую по плану и не хочу просто что-то воспроизводить, а, находясь „в духе“ мастеров, создаю нечто свое».

Пьесы, которые Ильг выбирает для этого, должны «зацепить» его, как он сам говорит. Как именно — это совершенно не ограничено: это может быть мелодия, ритмическая фигура, последовательность аккордов или даже настроение, которое вызывает притяжение: «Слушать и решать здесь и сейчас» — таков девиз Ильга, как в процессе композиции, так и, прежде всего, в импровизациях трио, которые создают атмосферу мгновения.

В случае с «Равелем» слушатель становится субъектом: «Он оставляет нас в большей неопределённости относительно того, что правильно, а что нет. Свобода интерпретации у него уже заложена изначально. Его музыка может совершенно органично превратиться в джаз», — говорит Ильг. Возможно, это связано и с тем, что творчество Равеля около 1900 года совпало по времени с зарождением джаза, и он был к нему неравнодушен. В 1920-е годы он вместе с Джорджем Гершвином бродил по Гарлему, чтобы послушать Дюка Эллингтона и других музыкантов. Кроме того, Париж, где он жил, был культурным мостом в США. Все это оставило свой след в музыке Равеля. Вообще, музыкальный импрессионизм положил начало современной музыке XX века. Итак, идеальная питательная почва для вариаций Ильга в джазовом контексте

. Слушателя ждёт изобилие музыкальных настроений. За атмосферной «Паваной для умершей инфанты» следует бурная, ритмичная «Альборада дель Грасиосо». «Трио» перетекает в фейерверк импровизаций, а «Valse II» непринуждённо раскачивается в ритме свинга. Альбом заканчивается мечтательной, роскошной композицией «Le Jardin féerique». Конечно же, не могло обойтись и без «Болеро» с его ярко выраженной ритмической основой. Идея включить эту пьесу, как и следовало ожидать, принадлежит барабанщику Патрису Эралю. «Жаль только, что в ней вообще нет музыки», — как-то иронично заметил Равель о своём шедевре. Что совершенно не относится к версии Ильга, в которой мелодический материал пьесы благодаря уплотняющей фортепианной импровизации Бёма принимает неожиданные повороты.

«Равель» — это напряжённое взаимодействие главных героев и всегда призыв к участию. Ильг, Бём и Эраль в равной степени формируют музыку в любой момент. Здесь царит свобода выражения мнения. Соло никогда не являются проявлением эгоизма, а служат импульсами для коллектива: «Давно уже ни одно трио не было так тесно взаимосвязано, как это», — отметил телеканал NDR. Оно открывает необыкновенный музыкальный мир, который удивляет тем, с какой естественностью, чувствительностью и сопереживанием наводится мост между классикой и джазом.

Что является оригиналом, а что вариацией? Где начинается Ильг и где заканчивается Равель…? Великое искусство не нужно понимать, это знал ещё Моне: «Единственное, что нужно, — это любить его».

Рецензии

».​.​.​Дитер Ильг в очередной раз доказывает, что, помимо своей тонкой игры на контрабасе, он также может без труда блеснуть как изобретательный аранжировщик.​» (STEREO, январь 2023)

«Mosaic» охватывает широкий диапазон — от студии Wasserfuhr в умиротворённом Хюккесвагене до Нэшвилла и 12 музыкантов, участвовавших в записи. Это калейдоскоп самых разных настроений, включающий рэп-композицию и дань уважения Курту Кобейну. Несмотря на то, что отдельные треки очень разные, альбом в целом представляет собой целостную картину.

Рецензии

«Концепция этого нового альбома, возможно, немного слишком интеллектуальна, но благодаря участию множества великолепных музыкантов, таких как Мартин Скейлз, Пол Хеллер и Тони Лакатос, он всё же становится альбомом, который стоит послушать.» (FONO FORUM, ноябрь 2022)

Великие музыканты часто опережали своё время. Возможно, именно поэтому саксофонист Мариус Несет, хотя и является одним из самых прославленных европейских джазовых музыкантов среди критиков и экспертов, пока не стал «народным героем»: его музыка до сих пор остается слишком поразительной, сложной и даже пророческой. Приглашение Несета 3 сентября 2022 года на BBC Proms, один из самых значимых в мире фестивалей классической музыки, проходящий в достопочтенном лондонском Ройал-Альберт-Холле, подтверждает его исключительный статус.

Конечно, с выходом нового альбома его популярность может вырасти: ведь в «Happy» он впервые впускает в свой мир поп, соул и фанк семидесятых и восьмидесятых годов: «Послание этого альбома, заложенное в его названии, очень простое, но зато очень сильное», — говорит Несет. «Мы действительно прекрасно провели время, записывая альбом. Неделя в студии, днём и ночью — все были полны энтузиазма. Длительный процесс создания просто растворился в счастливых моментах». Несет признает, что раньше в своих композициях он часто находился под влиянием мрачных сторон мировых событий. Учитывая множество текущих кризисов, на этот раз он решил противопоставить им нечто другое. Итак, «Happy Music», но, разумеется, без того, чтобы отрицать или отказываться от своей собственной музыкальной ДНК.

Уже заглавный трек, с которого начинается альбом, оставляет слушателя столь же счастливым, сколь и полностью потрясённым и взволнованным — как это уже привычно для Мариуса Несета. Эта композиция «Happy», словно ураган, проносится по слуховым каналам, изобилуя цитатами (здесь можно услышать отсылки к Стиви Уандеру или Cool & The Gang, а также к Дэвиду Санборну или даже Мишелю Леграну, если только захочется), наполненная динамикой и прекрасным настроением, но при этом полная неожиданных поворотов и стилистических разрывов. Это вступление к альбому, который позволяет открыть для себя Мариуса Несета с нескольких новых сторон: «Некоторые композиции очень экспериментальны в ритмическом плане, хотя явно вдохновлены обычно простым соулом», — рассказывает Несет. «Использование клавишных и их звуков тоже было для меня новым. Это почти возвращает меня к „Golden Explosion“, моему дебютному альбому». На «Wildlife» Несет явно обращается к афробитам, а также к элементам западноафриканского хай-лайф — это композиция, изначально написанная для классического оркестра, которая теперь идеально вписывается в задуманную «новую беззаботность

».«A Hand to Hold», напротив, — это совершенно классическая, спокойная баллада, в таком пуристском исполнении от Несета мы ещё не слышали. Будучи музыкантом, известным своей динамикой, скоростью и мощью в игре на саксофоне, на этот раз он специально хотел сыграть «мягко». Наконец, «Diamonds» в основном построен на электронно сгенерированных сферических звуках.
Итак, новые звуки, для которых Несет привлек и новых соратников. При возвращении к любимому квинтету — после того как он долгое время предпочитал писать для больших составов, а в последнее время впервые сочинял исключительно для сольного исполнения — единственной постоянной фигурой остался барабанщик Антон Эгер, человек, который, как никто другой, способен следовать взрывным ритмическим идеям Несета. С возвращением шведского пианиста Магнуса Хьорта в квинтет Несета возвращается старый знакомый из его ранних лет: в 2005 году он был первым пианистом в трио Phronesis, из которого Несет позже набирал своих аккомпаниаторов.

Совершенно новым является британский компонент в квинтете Несета: «Мне нужны были бас-гитарист, играющий на электробасу, и клавишник для этого проекта. С Конором Чаплином я уже познакомился на нескольких выступлениях, его звучание на басу я представлял себе ещё во время сочинения — оно было для меня очень свежим и вдохновляющим. А об Эллиоте Галвине я, конечно, уже слышал много хорошего. Я подумал, что с его нестандартным подходом он идеально впишется в проект. И, к счастью, он со мной согласился. Решающее значение для альбома имеет баланс, который Магнус за роялем и Эллиот за клавишными нашли, несмотря на свои совершенно разные музыкальные темпераменты. Между ними сразу возникла химия, и я до сих пор в восторге от того, как их противоположности дополняют друг друга

». Несет уделил не меньшее внимание тому, какую дугу должен охватывать альбом. И так, после насыщенного грувом вступления и путешествия в Африку, альбом вновь отправляется по новым путям, в еще неисследованные просторы и миры. Переключателем служит композиция «The Unknown», в которой, как признается Несет, на него оказал влияние прежде всего Дьёрдь Лигети. Помимо дерзкого, бурного и порой меланхоличного Мариуса Несета теперь можно услышать и «классического», мягкого и весёлого. Такое развитие событий вновь вызывает восторг и, несомненно, принесёт ему новых поклонников.

Рецензии

«Норвежский саксофонист Мариус Несет вплетает в свой альбом „Happy“ множество юмористических мотивов.​ [.​.​.​] Все это поднимает настроение.​» (stereoplay, январь 2023)

Своим импровизационным подходом к «Детским сценам» Роберта Шумана пианистка Йоханна Саммер в начале 2020 года поразила и восхитила слушателей, представителей СМИ и коллег из самых разных направлений. Звезда классической музыки Игорь Левит восторженно отзывается о дебютном альбоме «Schumann Kaleidoskop»: «Йоханна Саммер — выдающаяся джазовая пианистка. Она настолько уравновешена и сосредоточена, так уверенно и свободно обращается с материалом и при этом всегда находит свой собственный звук».

«Поэт-пианист» Малакофф Ковальски считает эту музыку просто «скандально хорошей» и признаётся, что «в восторге и потрясён артисткой, которая бесстрашно следует за музыкой». А икона джаза Йоахим Кюн констатирует: «Музыка Йоханны Саммер полна фантазии и не поддается классификации. Исходя из европейской классики и обладая чудесным прикосновением к клавишам, она создает нечто совершенное и самобытное

». Альбом «Resonanzen» расширяет и углубляет совершенно собственный подход Йоханны Саммер к импровизационному пересказу музыки классических композиторов. Альбом охватывает широкий диапазон — от Баха через Бетховена, Шуберта, Чайковского, Грига и Равеля до Скрябина, Момпу и Лигети. Глубокое проникновение Саммерс в два мира — композиции и импровизации — уходит корнями в её музыкальное развитие. В детстве и юности она много занималась классической музыкой за фортепиано и только позже, но зато с особым увлечением, обратилась к джазу и свободному исполнению. И хотя классические основы остались, для записи альбомов «Schumann Kaleidoskop» и «Resonanzen» ей пришлось заново осваивать многие навыки. Она говорит: «Для меня было очень важно сначала освоить оригинальные произведения во всех их гранях — таких как тональности или варианты фразировки — и по-настоящему понять их форму и звуковой язык. В случае с «Резонансами» это особенно сложно, поскольку произведения предъявляют очень разные требования к исполнению. В то же время импровизация и поиск идей — это навыки, которые нужно постоянно отрабатывать и развивать, чтобы музыка могла течь свободно и оставаться живой. Справиться с этими двумя аспектами и найти между ними баланс — для меня действительно задача всей жизни

». О том, насколько это сложная задача, свидетельствует тот факт, что альбом «Resonanzen» записывался дважды, с совершенно разными подходами, прежде чем музыка зазвучала так естественно и целостно, как сейчас. Йоханна Саммер вспоминает: «К первой сессии я всё тщательно подготовила и пришла в студию с очень перфекционистским настроем. И с ожиданием, что новый альбом обязательно должен быть лучше предыдущего. Но в процессе исполнения я слишком много анализировала и размышляла. Это настолько сузило пространство вокруг меня, что мне приходилось постоянно пробиваться сквозь него. Такое отношение отразилось на результате, и я подумала, что на самом деле я обязана музыке начать всё с самого начала».

И так состоялась вторая, ранее незапланированная студийная сессия в концертной атмосфере: два прохода без перерывов перед небольшой избранной аудиторией, для которой Йоханна Саммер играла от имени слушателей альбома. «Это и стало решающим фактором», — вспоминает она. «Ощущение того, что я играю для слушателей в зале, по-особенному повлияло на меня. Наконец-то я смогла играть свободно, потому что знала: я всё равно не смогу остановиться и что-то исправить. И я могла позволить определённым вещам просто происходить и идти своим чередом».

Кажется, что Йоханна Саммер никогда не идёт по лёгкому пути. Об этом свидетельствует уже сам выбор сложного формата фортепианного соло для её дебютного альбома и дальнейшее развитие на «Resonanzen». И тем более тот факт, что молодая артистка взяла в голову умело лавировать между двумя музыкальными дисциплинами, каждая из которых сама по себе представляет собой вызов. Удивительно, насколько уверенно ей удаётся этот баланс на альбоме «Resonanzen». Игра Йоханны Саммер выглядит такой уверенной, такой живой и душевной. А за каждым поворотом ждёт новый сюрприз.

Рецензии

«Она тщательно проникла в суть каждого отдельного произведения и только потом сделала его своим. Таким образом родился разнообразный альбом высочайшего качества.» (STEREO, март 2023)