Фирма Dais

HIDE — электронный дуэт из Чикаго. Музыканты создают мрачные и тяжелые композиции на основе сэмплов, сочетая собственные полевые записи с различными отсылками к поп-культуре и СМИ.

Их музыка многослойна, минималистична и мощна, давая возможность раскрыться сырой уязвимости. Их творчество честно, провокационно, мощно и заставляет задуматься. Третий альбом HIDE, «Interior Terror», ещё больше отходит от традиционных представлений о структуре песни в пользу раздробленных ритмов и лихорадочного, мгновенного высвобождения энергии.

Развивая предыдущие темы автономии и обретения силы, «Interior Terror» затрагивает и ставит под сомнение материальное и нематериальное тело в физическом и метафизическом смысле. Обращаясь к внутреннему ужасу, размышляя об окружающем нас мире, HIDE озвучивает силу разрушения как катализатор надежды, а также коллективный опыт тех, кто был до нас, как источник нашей собственной силы. Сырое вокальное исполнение мантраподобной прозы рождает яростный, жалобный вопль, который убаюкивает, издевается, задает вопросы, провозглашает и осуждает.

Нехватка собранных полевых записей уступает место более плавным аранжировкам, сохраняя при этом едкую настойчивость. Результат — минималистичный, просторный и резкий; отдаленный стук, перерастающий в пульс гипнотического траурного песнопения, гулы, возникающие из осколков разложившегося звука, изгибаются и бурлят, пронизывая ваше тело.

HIDE — электронный дуэт из Чикаго. Музыканты создают мрачные и тяжелые композиции на основе сэмплов, сочетая собственные полевые записи с различными отсылками к поп-культуре и СМИ.

Их музыка многослойна, минималистична и мощна, давая возможность раскрыться сырой уязвимости. Их творчество честно, провокационно, мощно и заставляет задуматься. Третий альбом HIDE, «Interior Terror», ещё больше отходит от традиционных представлений о структуре песни в пользу раздробленных ритмов и лихорадочного, мгновенного высвобождения энергии.

Развивая предыдущие темы автономии и обретения силы, «Interior Terror» затрагивает и ставит под сомнение материальное и нематериальное тело в физическом и метафизическом смысле. Обращаясь к внутреннему ужасу, размышляя об окружающем нас мире, HIDE озвучивает силу разрушения как катализатор надежды, а также коллективный опыт тех, кто был до нас, как источник нашей собственной силы. Сырое вокальное исполнение мантраподобной прозы рождает яростный, жалобный вопль, который убаюкивает, издевается, задает вопросы, провозглашает и осуждает.

Нехватка собранных полевых записей уступает место более плавным аранжировкам, сохраняя при этом едкую настойчивость. Результат — минималистичный, просторный и резкий; отдаленный стук, перерастающий в пульс гипнотической погребальной песни, гулы, возникающие из осколков разложившегося звука, изгибаются и бурлят, пронизывая ваше тело.

Первым релизом Majestys на лейбле Dais Records стала кассета «Unknown to the I», выпущенная в 2015 году, в которую вошёл заглавный трек, который позже должен был появиться на его дебютном альбоме «Careless», выпущенном летом. Дополнительные ранние композиции «Saturn Inc.» и «Ultra Violet» до сих пор были доступны только в цифровом формате или в качестве бонус-треков на CD. Теперь, вместе с 12-дюймовой пластинкой «Unarian Dances», также выпущенной 26 марта, эти песни наконец-то доступны на виниле в формате 12 дюймов со скоростью 45 оборотов в минуту и объединяют весь ранний материал Drab Majesty эпохи «Careless» (2012–2015) на виниле. Мастеринг выполнил Джош Бонати, а обложку в прекрасном новом стиле создал Натаниэль Янг.

Первым релизом группы Drab Majesty стала кассета «Unarian Dances», выпущенная в 2012 году собственными силами. Первоначально тираж был ограничен 100 экземплярами, но впоследствии треки с этой кассеты вошли в качестве бонус-треков в сборник на CD «Completely Careless». В 2022 году, вместе с 12-дюймовой пластинкой «Unknown to the I», выпущенной в марте того же года, эти песни наконец-то стали доступны на виниле в формате 12 дюймов со скоростью 45 оборотов в минуту и представляют собой весь ранний материал Drab Majesty эпохи «Careless» (2012–2015).

Мастеринг выполнил Джош Бонати, а прекрасную новую обложку создал Натаниэль Янг. Drab Majesty — это проект Деб ДеМюр, андрогинного альтер-эго музыканта Эндрю Клинко, проживающего в Лос-Анджелесе, и его партнерши Моны Д. Благодаря сочетанию гитар, пропитанных реверберацией, синтезаторных басовых партий, уверенного вокала и ритмичных битов драм-машины этот проект значительно отличается от предыдущих работ Клинко в качестве барабанщика в группах Marriages и Black Mare. Drab Majesty, который ДеМюр называет «Tragic Wave» и «Mid-Fi», красноречиво сочетает классическую нью-вейв 80-х и отголоски раннего лейбла 4AD с футуристической оригинальностью.

DeMure — талантливый мультиинструменталист, сочиняющий все элементы Drab Majesty. Однако DeMure не утверждает, что лично несет ответственность за музыку, а настаивает на том, что вдохновение для песен исходит из внеземного источника, а он сам является лишь сосудом, через который идеи текут извне внутрь. Но Drab Majesty — это больше, чем просто музыкальный проект; это методологический эксперимент, посвящённый идентичности творчества.

Персонаж Деб ДеМюр — это загадка, которая ускользает от любых ожиданий, связанных с полом и эго. Когда на сцену выходит внушительная фигура ДеМюра ростом 1,90 метра, игривое, напоминающее арлекина поведение Деба, смягчаемое угрожающей мимикой и жестами и контрастирующее с мечтательными, эфирными мелодиями, создает впечатление паутины контрастов. Результатом становится идеальный баланс между, казалось бы, противоречивыми посланиями — между высоким и низким, мрачным и божественным.

Первым релизом Majestys на лейбле Dais Records стала кассета «Unknown to the I», выпущенная в 2015 году, в которую вошёл заглавный трек, позже вошедший в его дебютный альбом «Careless», выпущенный летом того же года. Дополнительные ранние композиции «Saturn Inc.» и «Ultra Violet» до сих пор были доступны только в цифровом формате или в качестве бонус-треков на CD. Теперь, вместе с 12-дюймовой пластинкой «Unarian Dances», также выпущенной 26 марта, эти песни наконец-то доступны на виниле в формате 12 дюймов со скоростью 45 оборотов в минуту и объединяют весь ранний материал Drab Majesty из эпохи «Careless» (2012–2015) на виниле. Мастеринг выполнил Джош Бонати, а обложку в прекрасном новом стиле создал Натаниэль Янг.

Первым релизом группы Drab Majesty стала кассета «Unarian Dances», выпущенная в 2012 году собственными силами. Первоначально тираж был ограничен 100 экземплярами, но впоследствии треки с этой кассеты вошли в сборник «Completely Careless» на CD в качестве бонус-треков. В 2022 году, вместе с 12-дюймовой пластинкой «Unknown to the I», выпущенной в марте того же года, эти песни наконец-то стали доступны на виниле в формате 12 дюймов со скоростью 45 оборотов в минуту и представляют собой весь ранний материал Drab Majesty эпохи Careless (2012–2015).

Мастеринг выполнил Джош Бонати, а прекрасную новую обложку создал Натаниэль Янг. Drab Majesty — это проект Деб ДеМюр, андрогинного альтер-эго музыканта Эндрю Клинко, проживающего в Лос-Анджелесе, и его партнерши Моны Д. Благодаря сочетанию гитар с обильным ревербератором, синтезаторных басовых партий, уверенного вокала и ритмичных битов драм-машины этот проект значительно отличается от предыдущих проектов Клинко в качестве барабанщика в группах Marriages и Black Mare. Drab Majesty, который ДеМюр называет «Tragic Wave» и «Mid-Fi», красноречиво сочетает классическую нью-вейв 80-х и отголоски раннего лейбла 4AD с футуристической оригинальностью.

DeMure — талантливый мультиинструменталист, сочиняющий все элементы Drab Majesty. Однако DeMure не утверждает, что лично несет ответственность за музыку, а настаивает на том, что вдохновение для песен исходит из внеземного источника, а он сам является лишь сосудом, через который идеи текут извне внутрь. Но Drab Majesty — это больше, чем просто музыкальный проект; это методологический эксперимент, посвящённый идентичности творчества.

Персонаж Деб ДеМюр — это загадка, которая ускользает от любых ожиданий, связанных с полом и эго. Когда на сцену выходит внушительная фигура ДеМюра ростом 1,90 метра, игривое, напоминающее арлекина поведение Деба, смягчаемое угрожающей мимикой и жестами и контрастирующее с мечтательными, эфирными мелодиями, создает впечатление паутины контрастов. Результатом становится идеальный баланс между, казалось бы, противоречивыми посланиями — между высоким и низким, мрачным и божественным.

Информация о продукте

Первое в истории виниловое издание, которое изначально планировалось выпустить в 1982 году, но из-за преждевременного закрытия оригинального лейбла так и не было выпущено до сих пор. Для поклонников Гарольда Бадда, Брайана Ино, Роделиуса, Нильса Фрама, Клауса Шульце, Popol Vuh, Вангелиса, Жан-Мишеля Жарра.

История дебютного альбома композитора Тима Стори 1982 года — наглядный пример того, насколько нестабильной была индустрия прогрессивной музыки в те времена. Альбом был записан на 4-дорожечном катушечном магнитофоне Tascam в спальне подвала его дома в Уайтхаусе, штат Огайо, с использованием разношёрстного набора оборудования — спасённого вибрафона, гитары Les Paul из ломбарда, спинет-фортепиано его матери, синтезаторного набора PAiA, собранного отцом его девушки, и Yamaha CS-30 — Стори с оптимизмом записал шесть кассет и разослал их по всему миру.

После вежливого отказа со стороны Клауса Шульце французский авангардный лейбл Atem (This Heat, Univers Zero, Art Zoyd) обратился к нему с предложением выпустить альбом «Threads» на своём новом подразделении, специализирующемся на инструментальной электронной музыке, — Labyrinthes. После нескольких писем, в которых были согласованы условия соглашения, а также нескольких раундов пробных тиражей, переписка внезапно прервалась. Через несколько месяцев лейбл закрылся, так и не начав свою деятельность. Однако, по стечению обстоятельств, экземпляр Шульце оказался в бардачке одного из инженеров-коллег, который случайно поставил его для пары приезжих журналистов, имевших связи с относительно новым норвежским лейблом Uniton Records (Popul Vuh, Harold Budd). Впечатлённые журналисты познакомили Сторри с главой лейбла, но к тому времени он уже записал следующий альбом — более склонный к неоклассике «In Another Country», который стал его дебютным релизом.

Наконец, спустя 40 лет, лейбл Dais Records исправляет историческую ошибку, впервые должным образом выпуская альбом «Threads» на виниле. Это прекрасная, завораживающая работа — экспериментальная, но эмоциональная, документирующая, как выразился Стори, «неизбранный путь… словно первую главу книги, которую отложили в сторону, чтобы начать другую». Несмотря на то что на момент создания альбома Стори было всего чуть за двадцать, «Threads» звучит утончённо и продуманно, переплетая разнообразный спектр настроений и минималистичных мелодий. От восторженных синтезаторных композиций («Tethered By A Thread») до мрачного космического дрейфа («Without Waves», «Iso») и хрупких фортепианных миниатюр («Burst», «Scene And Artifact») — композиторский инстинкт Стори отличается тонкостью и утончённостью, создавая драгоценные камни с меняющимся сиянием. Он отмечает, что открытие для себя ленточных петель стало ключевым инструментом в этом процессе, позволившим ему создавать повторяющиеся паттерны эхо и текстур, громкость и качество которых можно регулировать по желанию: «Открылся совершенно новый и вдохновляющий мир».

Являясь одновременно «капсулой времени» и источником дискографического вдохновения, альбом «Threads» ярко запечатлевает атмосферу переходного периода в электронной музыке начала 1980-х: посткосмический этап, предшествующий эпохе нью-эйдж, до того, как стиль эмбиент обрёл чёткие очертания, — именно тогда, когда синтезаторы начали проникать в андеграунд. Это альбом о начале и разветвляющихся путях, о путешествии во внутреннее пространство к безграничным горизонтам, рождённый «юношеской преданностью тому, что любишь, в мире, который кажется неопределённым».

Информация о продукте

Новая работа ветерана нью-йоркской электронной сцены, шотландского музыканта Дрю Макдауэлла, является его самой возвышенной, наиболее литургической и наименее индустриальной на сегодняшний день — и, возможно, вершиной его недавней дискографии. Названный в честь древнегреческого слова, обозначающего вотивное подношение, альбом «Agalma» излучает таинственную, набожную ауру, скрипя и прогибаясь под огромными каменными балками, витражами и обрывками проводов. Это музыка величия и тайны, но в то же время и современности: утончённая модульная система Макдауэлла преобразует струнные, фортепиано, трубный орган и хоровые мессы в дезориентирующие синтетические миражи сакрального. В качестве основного источника вдохновения он называет пересечение «радости, ужаса и элегии» — или, говоря более прямо, «это чувство „что, б...., происходит“».

Учитывая, что сам Макдауэлл на протяжении всей своей карьеры активно сотрудничал с такими группами, как Coil, Psychic TV, а также участвовал в бесчисленных других, более краткосрочных проектах, весьма показательно, что именно для этого проекта он собрал столь впечатляющий спектр коллег. Итальянская синтезаторщица Катерина Барбьери, американская органистка в стиле дрон Кали Мэлоун, плодовитый мультиинструменталист Роберт Айки Обри Лоу, оперная вокалистка Humanbeast Марали Армстронг-Риал, саудовский продюсер MSYLMA, а также неординарные футуристические битмейкеры Башар Сулейман и Элвин Бранди появляются в качестве гостей на протяжении всех 42 минут альбома, заполняя тонко прорисованные «негативные пространства» Макдауэлла дрожью, тенями и трепетными проблесками безмятежности. Каждый из них сияет в своём свете, вознося эти неуловимые алхимические состояния до уровня сюрреалистических откровений текстуры и трансцендентности.

Первоначальное рабочее название альбома, придуманное Макдауэллом, многое говорит само за себя: «Ritual Music». Он описывает свою творческую практику в терминах церемонии, отрицая бинарные оппозиции и ища средний путь к мистическому равновесию, стирающему грань между внутренним и внешним мирами. Эти композиции вызывают ощущение процессии и интуиции, находясь на перекрестке святости и г..........., в священном головокружении от зияющих нефов, возносящихся к недосягаемому ночному небу. Это видение индустриальной музыки как загадки и заклинания, загадочных гимнов сокрытой красоты, воспеваемых в катакомбах и рушащихся соборах. Несмотря на свою глубину, «Agalma» — это также альбом непосредственности и эмоций. Небесные плачи о временах беспокойства и страданий и в их память. Макдауэлл характеризует свой первоначальный замысел этой музыки как попытку передать переживания, которые он не мог выразить словами: «Попытаться приблизиться к возвышенному или, по крайней мере, каким-то образом признать его». «Agalma» не просто признает невыразимое — она воплощает его.

Информация о продукте

Музыка художника из северной части штата Нью-Йорк Тора Лундвалла часто вызывает ощущение осенней меланхолии, словно запечатленной в мягком фокусе, но нигде эта атмосфера не выражена так явно и выразительно, как в его самостоятельно выпущенном в 2006 году праздничном альбоме «Yule», недавно переизданном лейблом Dais Records.

Вдохновлённая детскими воспоминаниями о «холодных, тёмных вечерах», когда он ждал маму у входа в магазины и супермаркеты, а в морозном воздухе едва слышно разносились праздничные песни, эта коллекция звучит соответствующим образом тихо и гипнагогично — как полузабытые мелодии, доносящиеся сквозь падающий снег. Устойчивые приглушённые ритмические импульсы пробираются сквозь зимние пейзажи из ледяных синтетических текстур, стеклянных колокольчиков и отдаленных металлических эхо, время от времени обрамляемые мягким, одурманенным вокалом Лундвалла, рассказывающим о «заснеженных, освещённых вокзалах» и «одиноких январских деревьях, всё ещё оплетенных голубыми огнями задолго после окончания праздников». Это музыка голых ветвей, полумесяцев и изящных фигур, шаркающих ногами и дрожащих от холода на пути куда-то, увиденных из проплывающего мимо затуманенного окна или с высоты.

Как и фирменные масляные картины Лундвалла, звуковые виньетки Yule — это произведения наблюдения, поэтические проблески, воплощённые в градиентах цвета и тишины. В прошлом он называл свою музыку «призрачным эмбиентом», и, хотя в данном альбоме его композиции скорее выходят на передний план, чем остаются на заднем, это выражение точно передаёт призрачную, полумрачную атмосферу этих хрупких треков. Десять миниатюр, изображающих увитые гирляндами улицы и безмолвные леса, мерцающие витрины магазинов, видимые издалека, ощущение того, что ты находишься вне жизни и смотришь на неё со стороны — чувства, которые зародили видение Лундвалля, остаются такими же яркими: «В этих моментах была особая меланхоличная красота, которая никогда не покидала меня».

Информация о продукте

На протяжении многих лет американский композитор Рафаэль Антон Ирисарри стал неотъемлемой частью сферы эмбиентной, дрон- и электронной музыки. Будь то его небесные альбомы в формате лонгплеев или его высоко оцененные заслуги в области звукорежиссуры для бесчисленного множества артистов и лейблов, неизменная преданность Ирисарри своему ремеслу всегда остается на первом плане. Хотя композиции Ирисарри, как правило, отличаются множеством современных эмбиентных оттенков, переплетающихся с океаническими симфониями с использованием ленточных петель, звучания электрической гитары, играемой смычком, и обширных волн перегруженного звука, его недавний дебютный альбом для лейбла Dais Records, Peripeteia, показывает, как эти привычные темы уступают место металлическим и классическим влияниям, подчеркивающим меланхоличные наклонности Ирисарри.

Эти уникальные увертюры в сочетании с характерным для него наслоением дисторшена и выцветших текстур создают звуковую среду, элементы которой, казалось бы, противоречат друг другу, но при этом изящно дополняют друг друга. По словам самого Ирисарри: «В моих предыдущих работах я интернализировал любые внешние силы или обстоятельства, пытаясь понять мир. Альбом „Peripeteia“ переворачивает этот подход, сосредоточиваясь на личном, чтобы рассказать более общую человеческую историю».

Эмоциональная глубина, пронизывающая весь альбом «Peripeteia», безупречно раскрывается в треке «Mellified». В результате сотрудничества с испанской композиторшей Ямилой хоровые аранжировки напоминают духовную музыку Арво Пярта, а её голос сочетает в себе андалузский стиль «канте хондо» со средневековыми ладами, почти тонущие в слоях октавного фузз-дисторшена и дистопических синтезаторных паттернов. В композиции «Arduous Clarity» яркая мелодия арпеджио, пронизывающая весь трек, дарит первый проблеск оптимизма в иначе мрачной истории личных переживаний. Однако этот обнадеживающий миг недолговечен, поскольку песня «Refuge/Refuse», кажется, стремительно погружается в скорбные глубины мрачного отчаяния. Хор голосов неуклонно ползет из этой пустынной местности — моря сломленных душ, вечно обреченных на то, чтобы с трудом выкрикивать свою последнюю плач.

«Fright and Control» — композиция, столь же взволновывающая душу, — кажется, обладает удовлетворительной решимостью, словно после многих лет поисков само спасение обрело покой благодаря принятию смертности и просветлению в смерти. Сложность композиций Ирисарри используется с поразительным успехом, медленно пульсируя на переднем плане перед слушателями, что ещё больше подчёркивает надвигающийся ужас решимости.