Джаз и Блюз

Известная канадская/международная вокалистка Холли Коул выпустит свой 13-й студийный альбом "Dark Moon" 24 января.

В сотрудничестве со своими давними партнерами по концертной деятельности и другими музыкантами, которые обеспечивают богатые гармонии и слои звука, этот альбом является настоящим ансамблевым проектом, подчеркивающим ее особый стиль Коул объясняет: "Я очень хотела, чтобы этот альбом передавал дух спонтанности. В то же время значительная часть звучания моей музыки заключена в аранжировках. Поэтому мы почти не репетировали заранее, и песни получились невероятно свежими, когда мы оказались в студии. Музыканты, с которыми я играю, играют неотъемлемую роль в создании песен, и я хотел услышать, как это звучит, когда свет включается для каждого из нас, и многие аранжировки появлялись в процессе игры.

То, что мы в итоге слышим на этой пластинке, - это момент, когда мы открываем для себя то, что нам нравится в песне, и то, что является сутью для меня" Холли Коул - не из тех артистов, которых можно отнести к категории "голубых". Ее дымчатый голос чувственен, ее аранжировки умны и сексуальны, а сама она и ее музыканты по-своему перерабатывают традиционные джазовые, поп- и кантри-стандарты, на этот раз особенно от авторов "Нового американского песенника", включая Марти Балина, Пегги Ли, Хэла Дэвида, Берта Бахараха и Джонни Мерсера. Ансамбль, который Холли собрала для создания и исполнения Dark Moon, состоит из давних соратников по живым выступлениям и записям: Аарон Дэвис (фортепиано), Джордж Коллер (бас), Давиде Диренцо (ударные) и Джон Джонсон (саксофон). А также блестящие бэк-музыканты, включая гитариста-виртуоза и движущую силу Кевина Брейта и двукратного обладателя премии "Грэмми" и основателя группы Bella Fleck and the Flecktones Говарда Леви на губной гармонике, и, наконец, чудесные трехчастные гармонии группы Good Lovelies в стиле Нэшвилла 1950-х годов.

Вместе они определяют абсолютное лучшее в "ансамблевой игре"! Первый сингл - "No Moon At All", быстрая, сексуальная версия трека, изначально записанного Пегги Ли, с прекрасным соло на губной гармонике Говарда Леви (2-кратного обладателя "Грэмми", друга и основателя Flecktones). "Dark Moon" доступен на Rumpus Room/Universal Music Canada на CD, 180-граммовом черном виниле, в стандартном и hi-res цифровом формате + ATMOS.

Холли Коул - известная канадская/международная джазовая вокалистка, начавшая свою карьеру в 1989 году с выпуска 4-песенного EP "Christmas Blues" на инди-лейбле Alert Music, за которым последовал ее дебютный альбом "Girl Talk" в 1990 году. в 1992 году она подписала контракт с лейблом Blue Note's Manhattan и выпустила альбом "Blame It on My Youth", который достиг платинового статуса в Канаде, был продан тиражом более 200 000 копий на международном уровне и был основан на успехе сингла "Calling You", который достиг первого места в чартах в Японии и стал номером один на альбоме. Следующий альбом, основанный на ее хитовом исполнении песни Джонни Нэша "I Can See Clearly Now" и сопровождающем ее видео, закрепил ее международный успех и подготовил почву для ее следующего релиза, получившего признание критиков, альбома Temptation, состоящего полностью из материала, написанного одним из любимых авторов песен Холли, Томом Уэйтсом.

Коул выпустила 12 альбомов, добилась мультиплатиновых продаж и получила множество наград, включая 2 премии Juno (из 8 номинаций) и 2 премии Gemini. Она также получила две японские премии Grand Prix Gold Disc Awards и престижную награду Монреальского джазового фестиваля имени Эллы Фицджеральд, став в один ряд с Аретой Франклин, Дайаной Кралл и Эттой Джеймс. В 2014 году она была удостоена звания почетного доктора Королевского университета. В 2019 году Холли Коул воссоединила оригинальное трио Холли Коул с Дэвидом Питчем на бас-гитаре и Аароном Дэвисом на фортепиано, чтобы отпраздновать 40-летие Международного фестиваля джаза в Монреале.

Они выступили в кабаре Lion d'Or в Монреале, и эти специальные выступления были записаны и вошли в альбом 2021 года "Montreal" К Рождеству 2022 года Коул выпустил ремастированную компиляцию своих рождественских релизов 1989 и 2001 годов с новым названием "Baby It's Cold Outside and I Have the Christmas Blues".

"Я неравнодушен к тишине, паузам, распаду, полным остановкам в музыке. В некоторых композициях я мог бы выделить отдельные разделы в паузах, но мне нравится идея вмораживания тишины или разрывов в ткань музыки. Заманчиво было представить весь альбом как один трек, один непрерывный кусок" - Стив Тиббетс

Прошло восемь лет с тех пор, как Стив Тиббетс подарил нам зажигательный электрогитарный альбом "A Man About A Horse" (ECM 1814). Теперь он возвращается с записью иного рода: альбомом, состоящим преимущественно из акустических звуков. Работа над "Natural Causes" проходила в период, когда Тиббетс переосмысливал некоторые фундаментальные аспекты своего искусства и ремесла - параллельно с ежедневным изучением Баха, Бартока и теории музыки. Близкое знакомство с этими гигантами вдвойне затрудняло его собственную работу. "Через несколько часов у меня закладывало уши... и я не хотел слушать электрогитару. Поэтому я остановился на 12-струнной Martin D-12-20 моего отца. Я хотел, чтобы все было просто. Я подумал, что, возможно, смогу найти голос в хорошо сыгранных однострунных линиях и сказать больше, используя меньше - как Султан Хан, возможно. Таков был замысел, хотя музыка обычно превращалась в сложные маленькие соборы"

Музыка Султана Хана стала для Тиббетса эталоном с середины 90-х годов и с того момента, когда он стал свидетелем откровенного концерта, на котором индийский мастер игры на саранги приехал в Миннеаполис. "С тех пор я беру за образец певучее, похожее на голос качество его саранги. За месяцы и годы игры на моей 12-струнке притерлись лады, и она стала звучать все более и более похоже на саранги. Сейчас лады почти плоские. Гитаре около 45 лет, и она имеет мягкое, выдержанное звучание. Я настраиваю эту гитару так, чтобы струны были в двойном ладу. Я настраиваю их в унисонах. Это позволяет найти (для меня) более "певучую" тональность в струнах одного лада. "

Гонги - еще один основной инструмент на "Natural Causes": "В этом альбоме повсюду звучат циклы гонга. Я жил в окружении циклов гонгов, когда работал по программе обучения за рубежом в Индонезии. В рамках наших программ студенты изучали музыку гамелан. Музыка в Индонезии звучит повсюду: на праздниках, храмовых церемониях, похоронах, рождениях, в священные дни календаря. Музыкальное сопровождение - это циклы гонга. Циклы гонга в таких песнях, как "Lakshmivana", запускаются с 12-струнной гитары, которую я подключил к миди-интерфейсу. Друг разрешил мне несколько часов записываться в его магазине гонгов в Пелиатане (к югу от Убуда, Бали), сэмплируя гонги и другие инструменты с металлическими клавишами на портативный DAT-рекордер, который я привез с собой в Азию. Я сэмплировал гонги, гамеланы, джубланги и другие металлофоны. Я сопоставил их с диатоническими шкалами, не обязательно отслеживая гитарные тона. Другими словами, гармоническая минорная гамма, сыгранная на гитаре, может вызвать мелодическую минорную гамму из семплера на 5 позиций выше. Иногда я создавал четыре или пять различных шкал, запускал их все с гитары, а затем создавал крошечные композиции или мотивы"

Марк Андерсон играл на барабанах на всех альбомах Тиббетса на ECM, но данный диск - первый после "Northern Song" 1981 года, на котором они играют вдвоем. Тиббетс: "Работа с Марком - это как работа с моими руками. Мне не нужно просить свои руки найти лады, они просто делают это. Марк такой же. Мы работаем вместе уже 32 года. Мне не нужно просить его сделать что-то конкретное или анализировать его подход. Он просто находит нужный барабан, мы тратим некоторое время на поиск голоса в инструменте с помощью микрофонов, а затем приступаем к работе. Была пара мелодий, где я думал, что мне действительно не нужна перкуссия, где, казалось, все стоит само по себе. Простота и все такое. Марк говорил: "Давай я попробую что-нибудь сделать" После этого я слушал его игру и удивлялся, как я мог подумать, что он не сыграет на этой конкретной песне"

Большую часть последних трех десятилетий Тиббетс был собственным продюсером звукозаписи: "Бывает трудно продюсировать самому... особенно когда и продюсер, и артист устали или у них нет идей. В такие моменты я старался записывать предельно сжатые фрагменты музыки: 5-10 секунд гитары, бузуки или калимбы. Иногда я доставал эти миниатюрные композиции и пытался создать из них ритмическую основу, каркас, начало или конец. Вторая песня, "Падре-яга", полна этих маленьких кусочков"

Общая цель - "простота и строгость" - не всегда проявлялась в методах работы: "Иногда я просто не могу перестать добавлять дорожки. Я хотел посмотреть, как это будет, если наложить двадцать или тридцать двенадцатиструнных инструментов на песню Майкла ["Gulezian", произведение, в значительной степени основанное на мелодии "Arcosanti" его коллеги-гитариста Майкла Гулезиана]. Звук был отличный. Прощай аскетизм!"

Свою роль сыграла и выборочная случайность: "Я накладывал базовую гитарную линию, что-то, что соответствовало моим представлениям о ясности и артикуляции, затем добавлял что-то столь же простое, например, линию бузуки. Затем я слушал только линию бузуки и добавлял калимбу. Затем я слушаю только калимбу и добавляю фортепиано. Этот поэтапный процесс продолжался дни, недели, годы, не поддаваясь контролю. Никаких сроков, верно? Потом я слушал все одновременно. Иногда в этом хаосе я находил 12-секундную секцию, которая звучала как четыре калимбы, пылко спаривающиеся с тремя гибридными гитарами-пианино. Я вырезал этот участок, откладывал его в сторону и развивал. Так появились композиции "Sitavana", "Ishvaravana" и "Kuladzokpa""

На одном из этапов Тиббетс включил в трек-лист акустическую версию песни Джими Хендрикса "Villanova Junction", но в итоге решил, что она не подходит для альбома. Впоследствии Стив выложил этот "осиротевший" трек на YouTube, и его можно послушать там до сих пор. Путь к "результату" на "Natural Causes" был, по собственному признанию Тиббетса, неблизким. Окончательная оценка художника: "Я испытываю настоящую любовь ко всему этому, подобную той, которую вы испытываете к приютившей вас трехлапой кошке. Вы не поведете своих детей в зоомагазин с намерением купить трехногую кошку, но если она подойдет к вашей двери, и вы ее покормите, то, возможно, со временем вы станете любить ее больше, чем обычную четвероногую. Вот так и здесь"

Комментарий для прессы:

Американский гитарист Стив Тиббетс создал этот неторопливый, мягко пульсирующий эмбиент из слоев акустических сэмплов и высокотехнологичных триггеров. Музыкальное мастерство на высоте, а сочетание фольклорных струн и сдержанной виртуозности согрето чувственным переливом классической индийской музыки. Майк Хобарт, Financial Times

На своем восьмом альбоме ECM... американский струнный артист неожиданно играет не совсем этническую музыку. На это Тиббетса вдохновили путешествия в Индонезию или Индию, звуки которых он волшебным образом интегрирует в свою эклектичную фолк-музыку. Путем овердубирования и совместно с ... Марком Андерсоном была создана многослойная, интенсивная звуковая картина из идеального студийного скрипача в сочетании с панорамными многослойными импровизациями. При этом он никогда не гонится за быстрыми поверхностными эффектами. Скорее, ... Тиббетс очаровывает тем, что я называю "мечтательным эмбиент-джазом", который проникает глубоко под кожу". Олаф Майкопф, Jazzthing

Херби Хэнкок добавил еще три рожка к своему и без того богато звучащему секстету для этого прекрасно аранжированного альбома, сочетающего в себе вкус альбома "Speak Like A Child" и квинтета Майлза Дэвиса. Главные солисты - Хэнкок, Джо Хендерсон и Джонни Коулз. Среди основных композиций - "The Prisoner", "I Have A Dream" и "Firewater" Бастера Уильямса.

На диск включены два альтернативных дубля, ранее выходившие в бокс-сете The Complete Herbie Hancock Blue note Sessions.

В записи участвовали: JOHNNY COLES, флюгельгорн; GARNET BROWN, тромбон; JOE HENDERSON, тенор-саксофон, альт-флейта: HERBIE HANCOCK, фортепиано, электропиано; BUSTER WILLIAMS, бас; ALBERT "TOOTIE" HEATH, барабаны; * HUBERT LAWS, флейта; JEROME RICHARDSON, бас-кларнет; TONY STUDD, бас-тромбон. ** JEROME RICHARDSON, флейта; ROMEO PENQUE, бас-кларнет; JACK JEFFERS, бас-тромбон.

Отзывы

В. Штифеле в Scala Nr. 3/98: "Великолепно, как ритм-секция Ритм-секция создает напряжение, а аранжировки Хэнкока аранжировки смакуют звуковые краски шести духовых Жемчужина акустического джаза" ГИД ПО АЛЬБОМАМ ROLLING STONE ***1/2

Нина Симоне считается настоящей легендой музыки, поэтому ее предстоящее введение в Зал славы рок-н-ролла в этом году уже давно назрело, но вопрос о том, была ли эпоха, определившая ее окончательный легендарный статус, спорным, поскольку она работала на лейбле Colpix. Когда она подписала контракт с лейблом, то сделала это с неожиданной оговоркой: ей была предоставлена практически полная свобода выбора материала.

"Я играла то, что хотела, и ничего больше", - писала Симона в своей автобиографии I Put A Spell On You о своей работе на Colpix. "Черт возьми, они не платили мне достаточно хорошо, чтобы говорить мне, что играть. В моих записях не было настоящего продюсера - только техник, который все настраивал, оркестровщик, который писал аранжировки, а все остальное я делала сама"

О том, какой выбор делала Симона, можно узнать из ее нового сборника THE COLPIX SINGLES, который уже поступил в продажу и название которого практически исчерпывает его содержание. Он доступен на CD и LP, причем CD содержит как А-, так и В-стороны этих синглов, расположенные на двух дисках. LP, напротив, содержит только А- и В-стороны, но не стоит заблуждаться: оба формата позволяют взглянуть на тот период в карьере Симоны, который не получил достаточной оценки за прошедшие годы.

Спустя девять лет после The Lily канадская блюзовая певица Лейла Зои и гитарист Хенрик Фрайшлейдер воссоединились и записали на Megaphon Tonstudio в Арнсберге новый совместный студийный альбом "The World Could Change"

Двенадцать новых песен образуют прочную звуковую основу для мощного и энергичного голоса этой выдающейся певицы, которая вдохновляет нас на новом альбоме не только аутентичным блюз-роком, но и проникновенными и нежными балладами. Гитара Фрайшлейдера своим неповторимым звучанием дарит мурашки по коже и уютное тепло, а проникновенный хаммонд-орган Морица "Mr. Mo" Фурхопа придает последний штрих.
Альбом, который можно услышать и почувствовать!

Отзывы

"Класс этого альбома держится на трех столпах: чудесном голосе Лейлы Зои, грандиозных струнных звуках Хенрика Фрайшлейдера и сдержанных органных звуках Морица Фуркампа" (Good Times, декабрь 2022 г. / январь 2023 г.)

Информация о продукте

Еще один пример того, что Гарленд прекрасно разбирается в мелодиях и обладает не менее похвальным талантом обрабатывать их в уникальном индивидуальном стиле. Трио, в котором старый товарищ Гарланда по Майлзу Дэвису Пол Чемберс (Paul Chambers) устанавливает новые стандарты игры на бас-гитаре, а барабанщик Артур Тейлор (Arthur Taylor) применяет свою отточенную кисть в "четверках" с Редом, радует песнями о погоде, которые актуальны независимо от времени года. (concordmusicgroup. com)

Покойный скрипач и композитор Майкл Галассо, чей сольный альбом Scenes является личным фаворитом лейбла, вернулся на ECM более двух десятилетий спустя с High Lines, многогранной работой, свидетельствующей о его любви к театру (как давний соавтор драматурга Роберта Уилсона), кино (он писал для Вонга Кар-вая, Мартина Провоста и многих других) и танцу. Эти занятия привели его во многие уголки мира, в том числе в Иран, где ритмы и мелодии нашли свое отражение во многих из представленных здесь работ. От саундтрека к фильму Secret Ballot (режиссер Бабак Паями) до обширной аккомпанирующей работы с Уилсоном - программа содержит множество точек соприкосновения в разнообразной карьере Галассо. Вместе с ветераном ECM Терье Рыпдалем на гитаре (который был привлечен по предложению продюсера Манфреда Айхера) и басистом Марком Мардером с барабанщиком Франком Колоном (который был привлечен по предложению Галассо) он открывает для себя новые контексты.

В то время как "Scenes" доказал, что Галассо достаточно способен плыть в лодке собственного изготовления, присутствие еще одного отличительного голоса в лице Рыпдаля приносит неоднозначные плоды. В то время как его атмосферный вклад в "Spheric" и "Fog and After" придает святость и тактильность обстановке, его гитара в качестве носителя мелодии в контексте таких композиций, как "The Other" и "Swan Pond", кажется чем-то второстепенным. С самой игрой все в порядке: Это чистый огонь Рюпдаля. Просто у него не всегда открыты глаза. С другой стороны, High Lines - это больше музыка, чем имена, стоящие за ней, и в этом отношении альбом в конечном итоге удался. Рассыпанный, как церемониальная соль на помосте для сумо, он открывает замедленный балет мощных тел в движении. Некоторые из этих жестов загадочны, другие - гипнотичны, третьи - напряженно кинематографичны. Среди последних - "Готический пляж", короткий пассаж, в котором сталкиваются скрипка и океанские волны. Каждый след на этом песке светится жизнью.

И действительно, четыре струны, передающие все это, - сердце и душа альбома. В некоторых треках Галассо играет мультитрекингом на тонких стержнях ("Iranian Dream" выделяется в этом отношении) и даже экспериментирует со звездными цифровыми задержками, как в "Boreal". Заблудившиеся путники из "Сцен" (например, "Chaconne") пересекают наш путь, покачиваясь и арпеджируя под метроном далеких ветров, а менее знакомые фигуры также продают свои товары по пути. Как следует из названия, это альбом пересекающихся красок, и в завершающей "Gorge Green" мы имеем их буйную смесь. Поэтому, наверное, не случайно, что именно здесь Рыпдаль достигает наибольшей согласованности целей, окончательно привязывая путешествие к предсказуемому пункту назначения.

Однако в химическом составе этих звуков таится элемент, не принадлежащий ни инструменту, ни музыканту. Это элемент, который активизирует музыку Галассо по собственной воле, желание, которое становится реальностью благодаря просьбе.

Майкл Галассо Скрипка
Терье Рыпдаль Гитара
Франк Колон ударные
Марк Мардер контрабас

Отзывы

Р. Кехль в Jazzthing 4-5/05: "Затхлые, темные, призрачные звуки, пилящие гитарные риффы Рюпдаля и скрипка Галассо, которой не нужно блистать, чтобы произвести впечатление. Ее сила часто возникает только в качающих, повторяющихся моментах Все несет в себе особую магию и переносит редко слышимую, вневременную эстетику. Что-то, чего в таком виде еще не было, этот последовательный нонконформизм"

После того, как Нильс Окленд аккомпанировал пианисту Кристиану Валлумрёду на двух альбомах "Sofienberg Variations" (записан в 2001 году) и "A Year From Easter" (2003), скрипач представляет "Monograph", свой первый альбом на ECM под собственным именем. В составе ансамбля Валлумрода Экланд произвел впечатление мастера формообразования, с легкостью переходя от скрипки Хардангера к скрипке или виоле д'аморе. На альбоме "Monograph" Экланд теперь играет свою собственную музыку, подчеркивая свою связь с богатой норвежской народной музыкальной традицией. Его сольные выступления столь же трогательны, сколь и впечатляющи.

Произведения Экланда производят впечатление прочно укоренившихся в почве норвежской народной традиции. Поэтому неудивительно, когда художник говорит, что его вдохновила "свобода, богатство вариаций и индивидуальность" народной музыки его родины. В качестве источников влияния он называет таких исполнителей скрипки Хардангер, как Кнут Хамре, Торлейв Бьоргум, Хильмар Александресен, Ханс В. Брими и Сигбьёрн Бернхофт Оса, а также произведения современных норвежских композиторов, таких как Арвид Гангсё и Оле Хенрик Мо. На самом деле, однако, музыка Экланда занимает свою собственную нишу между народной музыкой, свободной импровизацией и современной композицией.

Однако за свою карьеру Нильс Окленд приобрел музыкальный опыт, выходящий далеко за рамки этих областей. Экланд родился в 1961 году в Хаугесунде на западе Норвегии, учился в Рогаландской музыкальной академии и Норвежской государственной академии музыки. Он учился игре на классической скрипке у Терье Тённесена, первого скрипача Филармонического оркестра Осло (и известного слушателям ECM по участию в записях Терье Рыпдаля). Он учился играть на скрипке Хардангер у двух абсолютных мастеров норвежского национального инструмента: Кнута Хамре и Сигбьёрна Бернхофта Оса. А с Бьёрнаром Андресеном, басистом в ранних группах Рюпдаля, он также углубил свои знания в области импровизации. Затем, получив стипендию, Экланд поступил в Будапештскую академию музыки, а затем изучал музыку богемского композитора и скрипача Генриха Игнаца Франца фон Бибера (1644-1705) в Амстердаме у знаменитого Яна Виллема де Френда.

В течение шести лет Нильс Окленд был музыкальным директором Академии Оле Булла в Воссе, Норвегия, которую Сигбьёрн Бернхофт Оса основал в 1977 году как центр обучения норвежской народной музыке и народным танцам. Но Окленд никогда не ограничивался норвежской музыкальной традицией: в составе различных ансамблей он также играл танго, музыку синти и рома, музыку Балкан, камерную музыку и даже рок (Нильс и звукорежиссер "Монографии" Аудун Стрипе играли вместе в панк-группе Løver & Tigre в начале 80-х годов и с тех пор постоянно работают вместе). Частый гость - Нильс Окленд, который выступал на самых важных норвежских музыкальных фестивалях и во многих европейских странах, на Международном фестивале в Бергене, где он исполнил, в частности, "Концерт для скрипки Хардангер" Гейра Твейта.

На альбоме "Monograph" Нильс Окленд играет на трех разных скрипках Хардангер: двух современных, сделанных Сигвальдом Рорли и Гуннаром Рёстадом, и традиционной скрипке Хардангер, сделанной мастером Олафом Виндалом. Наиболее яркой особенностью скрипки Хардангер являются четыре (иногда пять на современных инструментах) резонирующие струны, которые проходят под грифом и создают обертоновое эхо. Традиционный стиль игры очень полифоничен, мелодическая партия сопровождается подвижной партией дрона.

Для пьес "Квеларта", "Па-де-де" и "Шлак" Окленд перешел на виолу д'аморе, сделанную Йозефом Хубером, которая имеет определенное сходство со скрипкой Хардангер. На самом деле, Окленд говорит, что виола д'аморе похожа на большую скрипку Хардангер. Для записи двух пьес "Seg" и "Nattsvermer" Окленд выбрал старинную скрипку 1700 года постройки. "Nattsvermer" - это норвежское название мотыльков (в просторечии их называют мотыльками), и в вызывающей звуковой картине, которой Нильс Окленд завершает свой концерт, он имитирует на своем инструменте трепетание крыльев этого животного. Помимо различных струнных инструментов, Экланд также использовал различные смычки для этих записей, от барочных смычков до копий старых смычков для скрипки Хардангер.

Репертуар "Монографии" включает сольные версии некоторых произведений, первоначально написанных Нильсом Оклендом для театра Хаугезанд. Запись была сделана при финансовой поддержке норвежского культурного фонда "Lyd og Bilde".

12 декабря 2015 года Фрэнку Синатре исполнилось бы 100 лет. В честь этого юбилея компания Sony Music выпускает делюкс-бокс-сет на 4CD "Frank Sinatra: A Voice on Air (1935 - 1955)", включающий 100 песен. Это впечатляющая компиляция редких радиозаписей и репетиционных съемок, любовно восстановленных с оригинальных мастер-лент и теперь блистающих идеальным hi-fi звучанием. В роскошно оформленный бокс-сет входит 60-страничный буклет с редкими фотографиями и другими находками, предисловие знаменитого певца и пианиста Майкла Файнштейна, а также эссе выдающегося историка Синатры Чарльза Л. Гранаты (продюсера бокс-сета) и старшей дочери Фрэнка Нэнси.

Frank Sinatra: A Voice on Air (1935 - 1955) - это первый официальный релиз, посвященный новаторским радиовыступлениям незабываемого певца. Бокс-сет дает прекрасное представление о первых 20 годах карьеры Синатры и его становлении как абсолютной суперзвезды, начиная с его первого выступления на радио в 1935 году ("S-H-I-N-E" с группой Hoboken Four) и заканчивая отрывками из его последней еженедельной передачи The Frank Sinatra Show в 1955 году.

Отзывы

"На четырех компакт-дисках представлено более 90 ранее не издававшихся треков, около половины из которых Половина из них - это композиции, которые Синатра никогда не записывал и никогда не записывался впоследствии. Они показывают его не только как певца, но и как артиста, партнера по скетчу и коммерческого представителя, вместе с лидерами оркестров томми Дорси, Гарри Джеймсом, Бенни Гудмана и Ирвинга Берлина, в качестве партнера по дуэту с дорис Дэй, Нэтом Кингом Коулом, Дороти Кирстен и Джонни Мерсером"
(Good Times, февраль / март 2016 г.)

"Команда ремастеров в лице Андреаса Мейера извлекла неосязаемое из старых фольгированных записей, ацетатов, шеллаков и старинных магнитных лент. Слушатели парового радио, возможно, никогда не слышали "Голос" в таком качестве в свое время" (Аудио, февраль 2016 г.)

После Джорджа Гершвина и Дюка Эллингтона биг-бэнд NDR вместе с британским аранжировщиком Колином Таунсом отдает дань уважения еще одному композитору столетия: 2 марта исполнилось бы 100 лет Курту Вайлю. Такие песни, как "Mack The Knife", "Lost In The Stars" или "Speak Low", не утратили своего качества и через 50 лет после смерти Вайля. Они и сегодня звучат в бесчисленных вариациях в исполнении великих джазовых интерпретаторов - от Луи Армстронга и Сонни Роллинза до Карлы Блей и Чарли Хэйдена.

Уже в начале 1920-х годов Курт Вайль категорически отвергал разделение легкой и так называемой "серьезной" музыки. В его репертуаре блюз или танго имели тот же статус, что и скрипичный концерт. Курт Вайль видел "ритм времени", в частности, в джазе и сознательно то и дело включал джазовые элементы в свои композиции. Вайль также умел знакомить слушателей со сложными темами, используя ясный и лаконичный музыкальный язык. Он сочетал песни, которые мог насвистывать каждый встречный, с высокими художественными и политическими стандартами. В Бертольте Брехте Вайль рано нашел единомышленника, который, как и он, жадно впитывал все стилистические влияния, чтобы создать на их основе нечто новое. Их совместная "Трехгрошовая опера" в 1928 году получила мировой успех и произвела революцию в музыкальном театре. После эмиграции Курт Вайль в середине 1930-х годов закрепился на Бродвее, где его, наряду с Гершвином, вскоре стали считать "отцом американской оперы". И в Нью-Йорке Вайль остался верен своему стремлению создать "качественное коммерческое искусство": музыку, которая хочет быть не просто кулинарным изыском, но при этом остается чувственной и понятной.

Композитор, аранжировщик и пианист Колин Таунс привнес в британский джаз глоток свежего воздуха. "Загадочно свингующий джаз", - восторженно писала о его музыке газета "The Guardian", а "Daily Telegraph" восторгалась: "Он - самое обнадеживающее пополнение на джазовой сцене". В свое время Таунс играл на клавишных с фронтменом Deep Purple Яном Гилланом, а затем стал одним из самых востребованных композиторов в кино и на телевидении. Его кредо: "Музыка не должна излучать уют - в ней должна быть энергия. Я всегда хочу довести все до крайности и увлечь за собой слушателей".

Это относится и к "куртам Вайля", которые Колин Таунс исполняет с бигбэндом NDR. песни "Mack The Knife", "Alabama Song", "My Ship" и "Surabaya Johnny" слились воедино в горько-сладких аранжировках со сменой темпа. Но 50-минутная работа не является типичным попурри из хитов.

"Я бы сравнил ее с комнатой, в которую вы входите, - говорит Таунс, - и слышите знакомые произведения со всех сторон - некоторые друг за другом, другие даже одновременно. Это путешествие в авантюрный звуковой мир: с одной стороны - прекрасные мелодии, такие как "Speak Low", а с другой - истории о мрачных парнях, об улыбчивых убийцах, таких как Макки Мессер - то, что казалось людям того времени весьма опасным". Музыка Вайля очень театральна, в ней есть красота и тьма. Я хочу отразить эти две стороны. К счастью, музыканты Биг-бэнда НДР придерживаются того же мнения, что и я: они уважают классику, но всегда находятся в поиске чего-то нового. Вместе мы отдадим дань уважения Курту Вайлю, но в то же время придадим его музыке современное звучание, понятное сегодняшним слушателям"

Поиск новых границ и искусство делать сложное популярным - вот что объединяет Колина Таунса с композитором Куртом Вайлем. "Если моя музыка достигает широкой аудитории, то это говорит не против, а за нее", - сказал однажды Вайль. Таунс улыбается и кивает.

Рецензии

Джазовая вещь № 35/00 В. Штифеле в Scala 4/00: "Колин Таунс ставит классику Курта Классику Курта Вайля по-новому" Б. Клостерманн в Stereo 8/00: "Внутри произведений с резкими перерывами, изменениями темпа, ускорениями, через дроблением тем и смещением фрагментов, как фрагментов переливающиеся звуковые образы, напоминающие калейдоскоп Для Биг-бэнда НДР Возможность для биг-бэнда НДР продемонстрировать свой формат как большого ансамбля, так и пула выдающихся солистов Солистов, таких как Ингольф Буркхардт, Клаус Штёттер, Райнер Винтершладен (трубы) или Петер Больте, Жюльен Аргуэллес, Кристоф Аргуэльес, Кристоф Лауэр (саксофон)"

Развлечения на высочайшем уровне импровизации
На протяжении более 30 лет Майкл Форманек пользуется репутацией одного из лучших и наиболее разносторонних бас-гитаристов в джазе. Теперь, с альбомом "The Rub And Spare Change", он представляет свой первый альбом ECM, который подтверждает эту репутацию во всех отношениях.

"Я вас беспокою?" - нахально спрашивал Майкл Форманек в названии своего последнего сольного альбома, который он выпустил в 1997 году на лейбле Screwgun своего друга и коллеги Тима Берна. Ответ тогда мог быть только один: Вовсе нет. Потому что, хотя на этом альбоме басист предстал полностью без сопровождения, он сумел привлечь своей музыкой не только публику, зацикленную на НЧ-динамиках. Своей невероятной техникой, новаторским духом, композиторским талантом и непоколебимым грувом он вдохновил и любителей музыки в целом. Все эти и многие другие навыки он вновь воплотил в своем новом сольном альбоме, записанном на этот раз для ECM: "The Rub And Spare Change".

Но басист не остался в одиночестве: для своего сольного дебюта на ECM он привлек в студию проверенных коллег, с некоторыми из которых он работает снова и снова на протяжении уже добрых двадцати лет. Форманек играет с альт-саксофонистом Тимом Берном с 1991 года, сначала в его собственном проекте Wide Open Spaces, а затем в печально известной авангардной группе Берна Bloodcount. Басист также работал в различных проектах с пианистом Крейгом Таборном и барабанщиком Джеральдом Кливером. Берн, Тейборн и Кливер, в свою очередь, не менее хорошо знают друг друга по совместным записям (Берн и Тейборн звучали, в частности, на последнем альбоме Дэвида Торна на ECM) и бесчисленным сессиям в Нью-Йорке.

"Определенно помогает то, что у нас уже есть долгая совместная история в различных сочетаниях", - говорит Майкл Форманек. "Таким образом, все уже знают сильные стороны других музыкантов, и это повышает фактор доверия в группе. Когда я пишу музыку, я обязательно учитываю особенности мастерства каждого участника группы. Я пишу произведения, которые, как я знаю, заставят музыкантов звучать великолепно. Но я также стараюсь познакомить их с новыми музыкальными направлениями. С другой стороны, Тим, Крейг и Джеральд, конечно же, музыканты, которые активно ищут вызовы. Они всегда хотят сделать сессию звукозаписи - независимо от того, что я ставлю перед ними, - уникальным событием по своему вкусу"

С тех пор как Майкл Форманек впервые привлек к себе внимание в 1977 году, будучи всего лишь 18-летним юношей, на концертном альбоме Арта Пеппера и в составе группы Тони Вильямса Lifetime, он приобрел блестящую репутацию: гибкого аккомпаниатора таких великих музыкантов, как Фредди Хаббард, Стэн Гетц, Чет Бейкер, Джерри Маллиган, Джо Хендерсон и Элвис Костелло, профессионального композитора, технически очень искусного басиста, великолепного бэндлидера и авангардиста с глубоким знанием истории джаза. С "The Rub And Spare Change", своим первым альбомом для ECM, он, возможно, достиг новой вершины в своей карьере. И на этот раз Форманека ничуть не утомляет, а развлекает наилучшим образом и на высочайшем уровне импровизации. (jazzecho. de)

Рецензии

"Он является одним из величайших контрабасистов современного джаза, но последняя его собственная запись была выпущена двенадцать лет назад. Тем более стоит приветствовать этот альбом, поскольку он показывает Михаэля Форманека не только как лидера, но и как оригинального автора песен." (stereo, 11 / 2010)