Зарубежная музыка на виниле

Все легенды когда-то начинаются, и именно с альбома «With His Hot and Blue Guitar» началась легенда Джонни Кэша. Переизданный в новом мастеринге к 70-летию лейбла Sun Records, дебютный альбом Кэша стал также первой долгоиграющей пластинкой, выпущенной Сэмом Филлипсом на этом легендарном лейбле. «Человека в чёрном» сопровождает группа Tennessee Two в таких классических хитах Кэша, как «Folsom Prison Blues», «Cry, Cry, Cry» и «I Walk the Line».

Это виниловое издание, приуроченное к 70-летию, содержит комментарии рок-критика и биографа Кэша Роберта Хилберна.

Лишь немногим артистам удаётся сразу же после выхода своего первого сингла продать миллионы пластинок и занять первое место в хит-параде, но именно это и произошло с Джинни С. Райли. Будучи кантри-дивой с пышной причёской, в мини-юбке и высоких сапогах, она в конечном итоге полностью отождествила себя с ролью вдовы Джонсон из своего международного хита «Harper Valley P. T.A.» Тома Т. Холла.

На самом деле Джинни вышла за рамки привычных стереотипов и прославилась как своей внешностью, так и своим пением, став полной противоположностью типичного образа кантри-певицы с благополучной семьёй, длинными платьями и оборками (что, по иронии судьбы, было именно тем образом, который она сама предпочла бы).

На протяжении десятилетий её пластинки исчезали, а песни почти не встречались на CD — этот уникальный сборник исправляет ситуацию: 56 треков на двух CD с записями для лейбла Plantation, сделанными в период с 1968 по 1970 год. Подборка из первых пяти альбомов: «Harper Valley P. T.A», «Yearbooks And Yesterdays», «Things Go Better With Love», «Country Girl» и «The Generation Gap», а также редкая песня с обратной стороны сингла, которая никогда не появлялась ни на одном альбоме.

«Sun Records' 70th Anniversary Compilation, Vol. 2 (Curated by Music Supervisors)» — это совместный проект Primary Wave и приглашенных музыкальных супервайзеров, а также второй сборник, посвященный 70-летию легендарного лейбла. Десять опытных музыкальных супервайзеров, работавших над такими проектами, как «Во все тяжкие» и «Тед Лассо», отобрали свои любимые треки из каталога Sun Records — с участием таких артистов, как Джонни Кэш и Рой Орбисон.

«Third Degree», его последний альбом, выпущенный лейблом Alligator, вышел в 1986 году. В записи альбома приняли участие несколько специальных гостей, а сам альбом представлял собой целый спектр блюзовых стилей. В записи приняли участие его давние коллеги по блюзу — Томми Шеннон и Дядя Джон «Ред» Тернер, а также Мак «Доктор Джон» Ребеннак. Джонни также исполнил две акустические сольные композиции на гитаре National Steel (впервые с 1977 года он играл на National в студии).

Джонни воплощал свою творческую мечту, записывая исключительно чистый блюз: его альбомы, выпущенные на лейбле Alligator, попали в рок-радиоэфир, а клип на песню «Don’t Take Advantage of Me» более шести месяцев транслировался на только что появившемся канале MTV. Однако каким бы коммерческим успехом ни пользовались альбомы Джонни, выпущенные на лейбле Alligator, его приверженность своим корням от этого ничуть не пострадала.

Рецензии

«Непревзойдённая энергия, безупречный подбор материала… великолепно… смелый, волнующий блюз» — BLUES & RHYTHM

Рецензии

«Welcome To My World» — это сборник некоторых из самых популярных песен Дэниела. Именно эти песни заложили основу его легенды… Незаменимый альбом для легиона преданных поклонников Дэниела Джонстона, а также идеальное введение для новых слушателей.

Включает несколько треков из распроданных альбомов, таких как «Laurie» и «Lennon Song».

Когда Чип Дэвис, создатель и основатель группы Mannheim Steamroller, появился на музыкальной сцене в 1975 году со своим первым альбомом «Fresh Aire», звучание его группы — уникальное сочетание акустической музыки, классики и современного рок-н-ролла — не поддавалось однозначной классификации. Вместо этого был придуман термин «New Age». Изначально придуманный Дэвисом как вымышленный ансамбль для более успешного продвижения альбома, «Mannheim Steamroller» быстро превратился в полноценную группу, и за этим последовали новые релизы. В рамках ставшей к тому времени легендарной серии «Fresh Aire» вышло в общей сложности восемь альбомов, каждый из которых получил золотой статус. За альбом «Fresh Aire 7» Дэвис даже получил премию «Грэмми».

Заключительный альбом серии «Fresh Aire», выпущенный в 2000 году, представляет собой хорошо сбалансированное сочетание синтезаторов и оркестра, ведь, как и на пятом и шестом альбомах, в записи «Fresh Aire 8» принимает участие Лондонский симфонический оркестр, который дополняет насыщенное звучание Mannheim Steamroller. Каждый альбом серии «Fresh Aire» посвящён определённой теме, и «Fresh Aire 8» не является исключением: он посвящён бесконечности и её связи со всеми гранями человеческой жизни, такими как любовь, искусство, философия, математика и, конечно же, музыка.

Впервые доступный в гибридном формате 5.1 Surround Sound, альбом «Fresh Aire 8» выходит в новом издании на SACD ограниченным и пронумерованным тиражом.

Второй LP калифорнийской рок-н-ролльной группы SPICE — расширяет их палитру «потрепанных» гимнов и поэтики зависимости за счет более мощного, висцерального звучания, выкристаллизовавшегося за годы, проведённые в «окопах» групп, распадов и крахов. «Viv» продолжает восходящую динамику, которую SPICE заложили своим одноимённым дебютным альбомом и выпущенным в 2021 году 7-дюймовым синглом «A Better Treatment».

«Viv» начинается с громкого удара барабана и демонстрирует SPICE в их бурной, закалённой жизнью лучшей форме, с грохочущими барабанами и риффами в стиле Ист-Бэй, которые вырываются наружу в лавине экстаза, сожалений и разбитых мелодий. Первый сингл альбома, «Any Day Now», демонстрирует поп-потенциал группы. Но то, что объединяет эти песни, несмотря на различия в энергетике и аранжировках, и зажигает слушателя, — это их особый чутьё к эмоциям. Сырость, отточенная до отчётов, приближающихся к правде, рождённых холодными утрами, неудачами и слишком многими неверными поворотами.

Просыпаться там, где не следует, жить жизнью, которую не знаешь. Микс, спродюсированный Джеком Ширли и сведённый и отмастеренный Сэмом Пура в Окленде, создаёт редкий баланс, при котором каждый элемент выделен, но при этом чётко различим, а голосам, струнным и ударным предоставляется пространство для параллельного развития.

Второй LP калифорнийской рок-н-ролльной группы SPICE — расширяет их палитру «повреждённых» гимнов и поэтики зависимости за счёт более мощного, висцерального звучания, выкристаллизовавшегося из лет, проведённых в окопах групп, распадов и развалов. «Viv» продолжает восходящую динамику, которую SPICE начали с одноимённого дебютного альбома и выпущенного в 2021 году 7-дюймового сингла «A Better Treatment».

«Viv» начинается с громкого удара барабана и демонстрирует SPICE в их бурной, закаленной жизнью лучшей форме, с грохочущими барабанами и риффами в стиле Ист- Бэй, которые взрываются лавиной отрешенности, сожаления и разбитых мелодий. Первый сингл альбома, «Any Day Now», демонстрирует поп-потенциал группы . Но то, что объединяет эти песни, несмотря на различия в энергетике и аранжировках, и зажигает слушателя, — это их особый чувство эмоций. Сырость, отточенная до разборок, которые приближаются к правде, рожденные холодными утрами, неудачами и слишком многими неверными поворотами. Просыпаться там, где не следовало бы, жить жизнью, которую не знаешь.

Микс, спродюсированный Джеком Ширли и сведённый и отмастеренный Сэмом Пура в Окленде, создаёт редкий баланс, при котором каждый элемент выделен, но при этом чётко различим, причём голосам, струнным и ударным предоставлен пространство для того, чтобы идти параллельными путями.

Стивен Маллиндер, соучредитель группы Cabaret Voltaire, на своём втором сольном альбоме, выпущенном на лейбле Dais, превратил свою характерную смесь минималистичного синтезатора, эксцентричных игр слов и «Wonky Disco» в увлекательную ритмическую сюиту, идеально подходящую для нашей эпохи эскалации:
Тик-тик-тик. Песни передают чувство временного дискомфорта, вызванного локдауном, с помощью более богатой палитры модульной электроники и стерео-струнных, а также воплощают двусмысленность и пластичность, представляя собой свободные системы из пронзительных электронных цепей и удушающего фанка. Записанный за несколько сессий в Meme Tune Studios в Корнуолле вместе с его постоянным соавтором Бенджем (он же Бен Эдвардс), Маллиндер не называет никакой другой эстетической предпосылки для этой коллекции, кроме «коровьего колокольчика в каждом треке и полного отсутствия реверберации» Начиная с первого кибернетического грува открывающего трека «Contact», пространственная динамика альбома дезориентирует и асимметрична, то холодная, то чувственная, то опиумная, то клаустрофобная.

Но на протяжении всего альбома ритм остаётся ориентиром, фундаментом, строительным блоком — даже мелодии носят ритмический характер». За более чем 40 лет творчества в сфере электронной музыки чувство тайминга и темпа у Маллиндера вылилось в редкое мастерство: плавное и текучее, но с необычными трениями. Оттенки техноидного детройтского индастриала («ringdropp», «Shock To The Body») переходят в авангардный панк-фанк («Guernica Gallery», «Galaxy», «The Trial»), IDM в стиле «Bad Trip» («Wasteland») и нервный вейпор-хаус («Hush»), балансируя на грани знакомых и чуждых ладов.

В лирическом плане альбом столь же ускользающий, богат аллюзиями и ассоциативной лингвистикой, в которой смешиваются понятия общественного шума, экологического упадка, высокомерия мира искусства и испытаний повседневной жизни. Но отсутствие чёткого значения остаётся главной музой Маллиндера: «Музыка должна привлекать тебя, тексты — заставлять задуматься. Большинство интерпретаций — это неверные интерпретации». Это музыка обратного отсчёта и упадка, мимолётных удовольствий и непрозрачного будущего, которая наблюдает за великим упадком и одновременно танцует на его пепле.
Река бессмертна и вечна; всё остальное — иллюзия:

«Я буду постоянным образом / Мерцающим, движущимся изображением, / Которое навсегда кружится в твоей голове, / Расколотое и в то же время удерживаемое воедино».

Стивен Маллиндер, соучредитель группы Cabaret Voltaire, на своём втором сольном альбоме, выпущенном на лейбле Dais, превратил свою характерную смесь минималистичного синтезатора, эксцентричных игр слов и «Wonky Disco» в увлекательную ритмическую сюиту, идеально подходящую для нашей эпохи эскалации:
Тик-тик-тик. Песни передают чувство временного дискомфорта, вызванного локдауном, с помощью более богатой палитры модульной электроники и стерео-струнных, а также воплощают двусмысленность и пластичность, представляя собой свободные системы из пронзительных электронных цепей и удушающего фанка. Записанный за несколько сессий в Meme Tune Studios в Корнуолле вместе с его постоянным соавтором Бенджем (он же Бен Эдвардс), Маллиндер не называет никакой другой эстетической предпосылки для этой коллекции, кроме «коровьего колокольчика в каждом треке и полного отсутствия реверберации» Начиная с первого кибернетического грува открывающего трека «Contact», пространственная динамика альбома дезориентирует и асимметрична, то холодная, то чувственная, то опиумная, то клаустрофобная.

Но на протяжении всего альбома ритм остаётся ориентиром, фундаментом, строительным блоком — даже мелодии носят ритмический характер». За более чем 40 лет творчества в сфере электронной музыки чувство тайминга и темпа Маллиндера выросло до уровня редкого мастерства: плавным и текучим, но с необычными трениями. Оттенки техноидного детройтского индастриала («ringdropp», «Shock To The Body») переходят в авангардный панк-фанк («Guernica Gallery», «Galaxy», «The Trial»), IDM в стиле «Bad Trip» («Wasteland») и нервный вейпор-хаус («Hush»), на грани знакомых и чуждых ладов.

В лирическом плане альбом столь же ускользающий, богатый аллюзиями и ассоциативной лингвистикой, в которой смешиваются понятия общественного шума, экологического упадка, высокомерия мира искусства и испытаний повседневной жизни. Но отсутствие фиксированного значения остаётся главной музой Маллиндера: «Музыка должна привлекать тебя, тексты — заставлять задуматься. Большинство интерпретаций — это неверные интерпретации». Это музыка обратного отсчёта и упадка, мимолётных удовольствий и непрозрачного будущего, которая наблюдает за великим упадком и одновременно танцует на его пепле.
Река бессмертна и вечна; всё остальное — иллюзия:

«Я буду постоянным образом / Мерцающим, движущимся изображением / Которое навсегда кружится в твоей голове / Расколотым и в то же время удерживаемым воедино».

«Ever Crashing», второй LP Кеннеди Эшлин, известной под псевдонимом SRSQ [произносится как «сир-скью»], представляет собой итог почти трёхлетнего путешествия в поисках души, сочинения песен и самопознания: «Во время записи этого альбома я обрела себя». Уже с первых хоровальных взлетов открывающего трека «It Always Rains» становится ясно, что этот сборник находится на восходящем уровне и демонстрирует артистку в самом расцвете творчества.

Каждая песня звучит как сингл, с гитарами, синтезаторами, струнными, живой ударной партией и морем потрясающего голоса Эшлин — балетного и сияющего. Треки блестят богатством деталей и зачастую состоят из до 100 отдельных дорожек, каждая из которых была написана и записана самой Эшлин — столь же грандиозное, сколь и потрясающее достижение в создании целого мира. Однако для неё этот процесс является неотъемлемой частью жизни и интуитивным — даже вопросом выживания.

Её сольный дебют 2018 года стал реакцией на трагический пожар на «Ghost Ship» в Окленде, в котором погиб её коллега по группе и лучший друг Кэш Аскью. Альбом «Ever Crashing» также был создан после того, как у неё диагностировали СДВГ и биполярное расстройство, что привело к глубоким личным переменам. Эшлин называет такие периоды потрясений своего рода музой, когда «песни начинают звучать во мне» и постепенно отзываются всё яснее и ярче. Когда мелодии и аранжировки обретают чёткие очертания, песни становятся словно сосудами, с помощью которых она может выплеснуть наружу бурные эмоции и избавиться от них: «Погружаясь в глубокое отчаяние и выныривая из него / пение спасает меня».

От роскошных баллад в финале («Dead Loss») до оркестровых, медленно разгорающихся песен-факелов («Abyss») и головокружительных шугейз-небес («Someday I Will Bask In The Sun») — альбом излучает ощущение болезненного величия и сбивающей с толку радости, насыщенное с трудом завоеванными триумфами и утраченными любовями, которые никогда не были забыты. Мелодии кружатся и нарастают в ослепительной акробатике, где-то между Кейт Буш и The Sundays, пронизанные эфирными подтекстами мерцающих теней.

«Ever Crashing», второй LP Кеннеди Эшлин, известной под псевдонимом SRSQ [произносится как «сир-скью»], представляет собой итог почти трёхлетнего путешествия в поисках души, сочинения песен и самопознания: «Во время записи этого альбома я обрела себя». Уже с первых хоровальных взлетов открывающего трека «It Always Rains» становится ясно, что этот альбом находится на высоком уровне и демонстрирует артистку в самом расцвете творчества.

Каждая песня звучит как сингл, с гитарами, синтезаторами, струнными, живой ударной партией и морем потрясающего голоса Эшлин — балетного и сияющего. Треки блестят богатством деталей и зачастую состоят из до 100 отдельных дорожек, каждая из которых была написана и записана самой Эшлин — столь же грандиозное, сколь и потрясающее достижение в создании целого мира. Однако для неё этот процесс является неотъемлемой частью жизни и интуитивным — даже вопросом выживания.

Её сольный дебют 2018 года стал реакцией на трагический пожар на «Ghost Ship» в Окленде, в котором погиб её коллега по группе и лучший друг Кэш Аскью. Альбом «Ever Crashing» также был создан после того, как у неё диагностировали СДВГ и биполярное расстройство, что привело к глубоким личным переменам. Эшлин называет такие периоды потрясений своего рода музой, когда «песни начинают звучать во мне» и постепенно отзываются всё яснее и ярче. Когда мелодии и аранжировки обретают чёткие очертания, песни становятся словно сосудами, в которых она может выплеснуть наружу бурные эмоции и избавиться от них: «Погружаясь в глубокое отчаяние и выныривая из него / пение спасает меня».

От роскошных баллад в финале («Dead Loss») до оркестровых, медленно разгорающихся песен-факелов («Abyss») и головокружительных шугейз-небес («Someday I Will Bask In The Sun») — альбом излучает ощущение болезненного величия и сбивающей с толку радости, насыщенное с трудом завоеванными триумфами и утраченными любовями, которые никогда не были забыты. Мелодии кружатся и нарастают в ослепительной акробатике, где-то между Кейт Буш и The Sundays, пронизанные эфирными подтекстами мерцающих теней.

Едва ли какие-либо другие коллективы в новейшей истории создали столь запутанное и алхимическое творчество, как Coil — дуэт Питера «Sleazy» Кристоферсона и Джона Бэланса.

От альбома к альбому и от этапа к этапу их записи исследуют запутанные глубины эзотерического индастриала, оккультной электроники и пропитанной наркотиками поэзии, при этом одновременно воплощая и деконструируя параллельные течения своих современников. Особенно плодотворным для дуэта был период конца 1990-х годов, когда они посвятили себя случайности, хаосу и совместной работе, что было ещё более усилено новейшими достижениями в области синтеза и сэмплирования.

Как уместно, что на пике этого долгого, опьяняющего десятилетия их расходящиеся ветви интерстициального ритуала сошлись воедино, дав жизнь одному из самых прославленных и галлюцинаторных творений Coil: «Music To Play In The Dark»: В Балансе и в огромном викторианском доме-студии Кристоферсона в прибрежном городе Уэстон-супер-Мэр они приступили к серии амбициозных сессий, в которых им помогали их ближайшие соратники — Тайпаульсандра и Дрю Макдауэлл. Хотя творческий процесс, по их собственному признанию, был «итеративным» и «немного затуманенным наркотиками», результаты оказались удивительно изобретательными и отлично реализованными. Они извиваются сквозь оттенки «Divination Dirge», «Wurmloch-Kosmik», «Noir-Lounge», зловещего юмора и «Black-Mass-Downtempo», ведомые загадочной лунной музой Бэланса, о которой он объявляет в открывающем треке: «Самое примечательное в этом альбоме спустя 20 лет после его выпуска — то, насколько он по-прежнему выглядит дерзким, обособленным и непредсказуемым.

Песни следуют собственной, насыщенной аллюзиями, изменчивой логике, которая превращается от микроскопических глюков и дыхательных волн до психоделических чародеев в широкоформатном исполнении и обратно, будучи одновременно сверхчувственной и межпространственной. Даже в рамках такого эклектичного каталога, как у Coil, «Music» представляет собой загадочную коллекцию заклинаний, пробуждающих желание, декаданса, джаза за ужином и рекомендаций по питанию, которая выходит далеко за пределы той готико-индустриальной двусмысленности, породившей подобное путешествие.

Альбом завершается медленным, звёздным шаффлом, погружённым в бурлящие волны спектральных текстур и высокие соборные клавишные, словно приближаясь к алтарю таинственного храма. Пока транс усиливается, поднимается голос Бэланса, превращающийся во всё более зловещий, газообразный туман, но он сопротивляется этим невидимым силам и полон решимости произнести последнюю проповедь: «Сквозь шипящие туманы истории / мечтатель всё ещё мечтает / мечтатель всё ещё мечтает».