Фирма CPOSE

Виртуозные концерты для кларнета Франца Кроммера

Франц Кроммер до сих пор оставался в тени музыковедческих исследований. Только в 1997 году чешский музыковед Карел Падрта опубликовал подробный каталог его произведений с вводным биографическим разделом, который во многом впервые содержал результаты исследований, выходящие за рамки того, что было передано из XIX века. В своем творчестве Кроммер полностью сосредоточился на инструментальной музыке. Первый концерт Кроммера для двух кларнетов с оркестром ми-бемоль мажор op. 35 (Padrta III: 3), по-видимому, был очень популярен. Рецензент концерта, исполненного в Бреслау зимой 1803/04 года, написал в газете Allgemeine musikalische Zeitung: "Прекрасный концерт" и закончил свой отзыв восклицанием: "Если бы господин Кроммер дал нам больше таких концертов!". Особенность Концертино op. 38 заключается в его партитуре: оно написано для флейты, гобоя и скрипки как сольные инструменты и для рожков, альтов и басов в оркестровом tutti. Еще одно отличие от концерта - в структуре тех частей концертино, которые наиболее сопоставимы с концертными: это крайние части и средняя часть. Они имеют гораздо более свободную структуру и, даже если в них есть виртуозные пассажи, служат скорее для развлечения, чем для развития инструментального мастерства исполнителей.

Четыре времени года с волшебством флейты

Времена года" Антонио Вивальди - важная веха в музыке. С одной стороны, цикл прочно связан с эстетикой барокко, а с другой - уже движется в направлении стиля галант. В нашей новой записи произведения Вивальди были тщательно переложены для панпипы с оркестром композитором Карлосом Пино-Кинтаной. Большой задачей было сохранить и даже подчеркнуть полифонические элементы оригинальной сольной партии в новом инструментарии, тонко перенести технические характеристики скрипки на панфлейту, найти подходящие клавиши и сбалансировать возникающие контрасты и тональные краски между соло и тутти в духе concerto grosso. Аккомпанемент клавесина в качестве basso continuo, который в противном случае выступал бы только как сопровождение secco в длинных фразах и разделах, был опущен, что открыло новые возможности для фактуры полифонии и дало сольной партии панфлейты больше возможностей для выражения и музыкальности. И вот, пожалуйста: концерты звучат так, как будто они были написаны для панфлейты. В этом, конечно, есть и заслуга нашей исполнительницы Андреа Чира, которая играет на исторической панфлейте "Най" с неповторимым тембром. Непревзойденный звуковой опыт!

Отзывы

Журнал о культуре Seuilletonscout 12/2022: "Захватывающая новая запись. Чистое музыкальное удовольствие, полное бодрости, вдохновения и позитивных сюрпризов. Андреа Чира добилась здесь не только сбалансированной и увлекательной звукозаписи, но и личного художественного заявления. Она представляет широкую музыкальную палитру Вивальди уверенно и с поразительным богатством интерпретационных средств. Лирические, экспрессивные, танцевальные или бурные элементы приводят к непревзойденному единству. Ее исполнение искренне, выразительно и чрезвычайно нюансировано. Неожиданное открытие, которое не должен пропустить ни один любитель музыки"

"Музыкант румынского происхождения, живущая сейчас в Вене, в совершенстве овладела игрой на бамбуковых дудочках и опробовала их действие во многих художественных контекстах. Многие из ее проектов, включая мюзиклы, получили большой отклик. Записав барочную виртуозную музыку Антонио Вивальди, Андреа Чиро достигла нового уровня художественной зрелости и заявила о себе как о мастере игры на этом инструменте" (klassik-heute.de)



Времена года с магией флейты

Времена года" Антонио Вивальди - важная веха в музыке. С одной стороны, цикл прочно связан с эстетикой барокко, а с другой - уже движется в направлении стиля галант. В нашей новой записи произведения Вивальди были тщательно переложены для панфлейты с оркестром композитором Карлосом Пино-Кинтаной. Большой задачей было сохранить и даже подчеркнуть полифонические элементы оригинальной сольной партии в новом инструментарии, тонко перенести технические характеристики скрипки на панфлейту, найти подходящие клавиши и сбалансировать возникающие контрасты и тональные краски между соло и тутти в духе concerto grosso. Аккомпанемент клавесина в качестве basso continuo, который в противном случае выступал бы только как сопровождение secco в длинных фразах и разделах, был опущен, что открыло новые возможности для фактуры полифонии и дало сольной партии панфлейты больше возможностей для выражения и музыкальности. И вот, пожалуйста: концерты звучат так, как будто они были написаны для панфлейты. В этом, конечно, есть и заслуга нашей исполнительницы Андреа Чира, которая играет на исторической панфлейте "Най" с неповторимым тембром. Непревзойденный звуковой опыт!

Информация о продукте

Четыре времени года с магией флейты
Времена года" Антонио Вивальди - важная веха в музыке. С одной стороны, цикл прочно укоренен в эстетике барокко, с другой - уже движется в направлении стиля галант. В нашей новой записи произведения Вивальди были тщательно переложены для пан-флейты с оркестром композитором Карлосом Пино-Кинтаной. Большой задачей было сохранить и даже подчеркнуть полифонические элементы оригинальной сольной партии в новом инструментарии, тонко перенести технические характеристики скрипки на пан-флейту, найти подходящие клавиры и сбалансировать возникающие контрасты и тембры между соло и tutti в смысле concerto grosso. При этом клавесин в качестве basso continuo, который в противном случае выступал бы только в качестве secco сопровождения в длинных фразах и разделах, был опущен, что открыло новые возможности для полифонической ткани и дало солирующему голосу пан-флейты больше возможностей для выражения и музыкальности. И вот, пожалуйста, концерты звучат так, как будто они были написаны для пан-флейты. В этом, конечно, есть и заслуга нашего переводчика Андрея Чира, который играет на исторической пан-флейте "Най" с неповторимым тембром. Ни с чем не сравнимое звуковое впечатление!

Отзывы

"Музыкант румынского происхождения, живущая сейчас в Вене, отточила свою игру на бамбуковых дудочках и опробовала их действие во многих художественных контекстах. Многие ее проекты, включая мюзиклы, получили большой отклик. С этой записью виртуозной музыки Антонио Вивальди в стиле барокко Андреа Чиро достигла нового уровня художественной зрелости и заявила о себе как о мастере игры на этом инструменте" (klassik-heute.de)

Мощные квартеты Антона Рубинштейна

Как Антону Рубинштейну удалось в итоге создать обширное творчество, охватывающее все жанры, помимо потрясающей концертной и гастрольной деятельности пианиста, - одна из непостижимых особенностей его жизни, которую определяла железная трудовая этика. За свою насыщенную событиями жизнь он создал более десятка опер, шесть симфоний, ораторию и балет, около 200 песен, бесчисленное количество сольных и концертно-оркестровых фортепианных сочинений, а также камерную музыку для различных составов с фортепиано и без него. А еще он сочинил десять струнных квартетов, два из которых теперь изданы на cpo. Квартет Рейнхольда, состоящий из музыкантов оркестра Лейпцигского Гевандхауса, создал их во время своей жизни в Лейпциге и мощно интерпретировал. Два произведения 1 и 3 из op. 47, оба в минорном ключе, с одной стороны, тонко связаны мотивно, а с другой - мыслимо по-разному оформлены. Особенно яркие триольные мотивы, оживающие в побочных партиях, изысканные трансформации мотивов, всплески фортиссимо с ярко выраженной оркестровой звучностью - таковы характерные черты квартетного стиля Рубинштейна, в котором яркое завершение 1-го квартета все же затмевается гигантским, виртуозным, гармонически и формально смелым завершением 3-го квартета.

Информация о продукте

Мощные квартеты Антона Рубинштейна

Как Антону Рубинштейну удалось в конце концов создать обширную коллекцию, охватывающую все жанры, и при этом совершить головокружительные концертные и гастрольные туры в качестве пианиста - это то, что относится к числу непостижимых моментов его жизни, отмеченной неутомимым трудовым подвигом. За свою насыщенную жизнь он создал более десятка опер, шесть симфоний, ораторию, балет, около двухсот песен, бесчисленные произведения для фортепиано соло, для фортепиано в концертном стиле и с оркестровым сопровождением, камерную музыку для различных составов с фортепиано и без него. Кроме того, он написал десять струнных квартетов, два из которых сейчас издаются на cpo. Рубинштейн написал эти произведения во время своей жизни в Лейпциге, и квартет Рейнхольда, участники которого являются музыкантами оркестра Гевандхауса в Лейпциге, предлагает их мощную интерпретацию. Два квартета №№ 1 и 3 в минорных тонах из op. 47, с одной стороны, тонко связаны между собой мотивно, а с другой - очень сильно отличаются по замыслу. Особенно яркие триольные мотивы, оживляющиеся во второстепенных сегментах, изысканные мотивные трансформации, фортиссимо всплески абсолютно оркестровой мощи - все это характерные черты квартетного стиля Рубинштейна. А что может превзойти впечатляющее завершение первого квартета? Гигантское, виртуозное, гармонически и формально более смелое завершение третьего квартета, вот что!

Отзывы

klassik-heute.com 10/2020: "Изысканные образцы музыки в классическом духе Феликса Мендельсона-Бартольди. Квартету Рейнхольда, состоящему из музыкантов Лейпцигского оркестра Гевандхауса, удается сделать очень красиво звучащую запись, которая придает этим привлекательным произведениям нужное напряжение, не наделяя их искусственно "русской душой".интонация и взаимодействие в этих технически сложных квартетах безупречны, что доставляет удовольствие при знакомстве с этим незнакомым репертуаром. Запись отличается и цветом, и прозрачностью, а завершает ее прекрасное вступление к произведениям"

Торжественные натуральные концерты для трубы

Помимо классических и открытых концертов для трубы Йозефа Гайдна и Иоганна Непомука Гуммеля, в музыкальную эпоху, называемую сегодня "классической", существовали и другие сольные концерты для трубы. Однако эти концерты были написаны еще не для клавишной, а для бесклавишной натуральной трубы - инструмента, на котором игрок в принципе может исполнять только ноты натурального тонального ряда. Венгерский трубач Криштьян Ковац интерпретирует концерты Иоганна Матиаса Шпергера, Иоганна Стамица и других на барочной трубе с 4 отверстиями в сопровождении ансамбля L'arpa festante. Праздничные концерты для трубы, в которых литавры выразительно усиливают tutti оркестра. Эта запись призвана привлечь внимание к искусству игры на кларнете, которое давно забыто. Необходимым условием для этого является игра на оригинальных инструментах, позволяющих очень близко подойти к звуковому замыслу композитора. По сравнению с современными вентильными инструментами натуральная труба эпохи барокко имеет гораздо более длинный корпус, что обусловливает богатый обертонами звуковой спектр. Записанный здесь репертуар в свое время исполнялся весьма привилегированными и специализированными трубачами, чье мастерство позволяло им имитировать артикуляцию и легкость человеческого голоса в регистре кларино.

Информация о продукте

Праздничные концерты для трубы с натуральными инструментами

Наряду с признанными классиками концертной литературы для трубы Йозефом Гайдном и Иоганном Непомуком Гуммелем в музыкальную эпоху, известную сегодня как "классицизм", были написаны и другие сольные концерты для трубы. Эти концерты были написаны не для трубы с клапанами, а для натуральной трубы без клапанов - инструмента, на котором исполнитель в принципе может воспроизводить только тоны натурального гармонического ряда. Венгерский трубач Криштьян Ковац, играющий на четырехдырочной барочной трубе в сопровождении богатого нюансами ансамбля L'arpa festante, интерпретирует праздничные концерты для трубы Иоганна Матиаса Шпергера, Иоганна Стамица и других, в которых литавры выразительно усиливают tutti оркестра. Цель настоящей записи - привлечь внимание к давно забытому искусству игры на кларнете. Использование оригинальных инструментов, позволяющих приблизиться к музыкальному замыслу композитора, является здесь весьма существенным условием. Корпус натуральной трубы эпохи барокко гораздо длиннее, чем у современных вентильных инструментов, поэтому в результате получается богатый обертонами звуковой спектр. Записанный здесь репертуар в свое время исполняли лишь несколько самых привилегированных и специализированных трубачей, чье мастерство позволяло им имитировать артикуляцию и легкость человеческого голоса в регистре кларино.

Рецензии

Toccata 09/2020: "Ковац считает Концерт ми-бемоль мажор некоего Иоганна Отто одним из самых сложных в трубной литературе эпохи барокко и классицизма. Его игра технически впечатляет: поразительно, как он справляется с трудностями и заставляет сольные партии звучать так, что кажется, будто он делает это с легкостью.стилистически его интерпретация также абсолютно убедительна, а ансамбль l'arpa festante находится на том же высоком уровне. С любой точки зрения, этот диск - один из самых интересных и важных, появившихся на рынке в последнее время"

Заключение издания Видора

Шарль-Мари Видор - это имя является олицетворением французской органной музыки XIX века. Выдающийся органный мастер Кавайе-Колл взял его в ученики, а также рекомендовал на должность титулярного органиста Сен-Сюльпис. Видор быстро заявил о себе и как композитор, а его 10 симфоний для органа соло до сих пор считаются non plus ultra виртуозной французской школы. Кристиан Шмитт, вероятно, самый выдающийся немецкий органист молодого поколения, уже тогда был подходящим интерпретатором первых четырех органных симфоний Видора. А до сих пор отсутствующие симфонии Шмитт исполняет на органе церкви аббатства Сент-Уан, построенном Аристидом Кавайе-Коллем в 1888-1890 годах. "Une orgue à Michel-Ange" - так, по преданию, сказал об этом инструменте Шарль-Мари Видор. Аллюзия на художника-универсала Микеланджело вполне может означать, что Видор считал этот инструмент столь же универсальным, сколь и совершенным. Орган Сен-Уана - один из последних инструментов, построенных Кавайе-Коллем, он даже сохранился без изменений и поэтому имеет большое историческое значение. И это замечательно, что мы можем услышать эту музыку и орган в захватывающем объемном звучании. Формально мало что меняется в пятой и шестой симфониях. Обе они по-прежнему состоят из пяти частей и лишь местами адаптируются к "классическим" оркестровым симфоническим форматам. Богатая палитра звуков органа, достигающая кульминации в величественном tutti, играет более весомую роль, чем в оркестре. Видор, кажется, поставил в центр своих органных симфоний представление его бесконечно сочетаемых звуков в контексте самых разнообразных форм. Совсем другой Видор выступает в поздних органных симфониях. Альберт Швейцер назвал их (1906) "переходными произведениями". Они органные и в то же время смело оркестровые по замыслу. В то же время в них все сильнее проявляется аскетизм, который Видор затем возвращает к сакральному искусству в двух последних симфониях [№ 9 и № 10]" Швейцер, протестант, имел в виду окончательное возвращение Видора к литургическим источникам, особенно к григорианскому пению.

Информация о продукте

Заключение об издании Видора

Шарль-Мари Видор - это имя олицетворяет французскую органную музыку XIX века. Прославленный органный мастер Кавайе-Колл способствовал карьере Видора, когда тот был еще студентом, и рекомендовал его на должность титулярного органиста в Сен-Сюльпис. Видор быстро приобрел известность как композитор, а его десять симфоний для органа соло и сегодня считаются non plus ultra виртуозной французской школы. Выпуск Кристианом Шмиттом первых четырех органных симфоний Видора сразу же продемонстрировал, что этот музыкант, считающийся самым выдающимся немецким органистом молодого поколения, является их конгениальным интерпретатором. Теперь Шмитт интерпретирует остальные шесть симфоний на органе церкви аббатства Сент-Уэн, построенном Кавайе-Коллем в 1888-1890 гг. Говорят, что Видор назвал этот инструмент "Une orgue à Michel-Ange" - отсылка к художнику-универсалу Микеланджело, которую можно интерпретировать так, что для него этот орган был столь же многогранным и совершенным. Орган St-Ouen был одним из последних инструментов, созданных Кавайе-Коллем. Поскольку он сохранился без изменений, он имеет большое историческое значение. А возможность услышать эту музыку и орган в эффектном объемном звучании делает прослушивание великолепным. В формальном отношении в пятой и шестой симфониях меняется не так много. Обе они по-прежнему состоят из пяти частей и лишь в некоторых пассажах адаптируются к "классическим" оркестровым симфоническим форматам. Богатая звуковая палитра органа, приводящая к величественному tutti, играет более важную роль, чем в оркестре. В своих органных симфониях Видор, по-видимому, придает главное значение представлению бесконечно сочетаемых тонов органа в контексте самых разных форм. Другой Видор говорит с нами в своих поздних органных симфониях. Альберт Швейцер назвал их (1906) "переходными произведениями". Они предназначены для органа и в то же время смело оркестровы по своему замыслу. Но в то же время на первый план все больше выходит аскетический элемент, тот самый аскетический элемент, который затем в двух последних симфониях [№ 9 и 10] вернул Видора к сакральному искусству" Здесь протестант Швейцер имел в виду окончательное возвращение католика Видора к литургическим источникам, в частности, к григорианскому пению.

Отзывы

klassik.com 03/2019: "Цикл Видора на века. Те, кто слушает три гибридных SACD с открытым сердцем, будут снова и снова ошеломлены, особенно в режиме объемного звучания, звуковым богатством, которое звучит"

klassik-heute.com 02/2019: "Слушая три компакт-диска этой второй части всех органных симфоний Шарля-Мари Видора на лейбле cpo, не перестаешь удивляться тому, как композитор постоянно придумывает новые и удивительные мелодии, ритмы, композиционные приемы, смешения тональных красок, настроения и оттенки.а если у вас мощная стереосистема с усилителем баса, то включите ее на полную мощность - когда соседи далеко. Тогда возникает звуковой шторм, который просто захлестывает. То, что звукорежиссер может передать этот звуковой шторм так, что структурирует помещение, делает его третьим героем этой серии дисков"

Грациозная мандолина II

После "Mandolino e Violino in Italia" вышел "Mandolino e Fortepiano" с успешной мандолинисткой Анной Торге, которая очаровывает прежде всего своей удивительно кантабильной, тонко артикулированной, мелодически и гармонически осознанной игрой, что крайне редко встречается на щипковых инструментах" (Neue Musikzeitung 05 / 2018). В подборке произведений, представленных на новом диске, звучит четырехаккордная мандолина. Изящное и чуткое звучание инструмента создавали струны с кишечной, медной и серебряной обмоткой, по которым ударяли пером или плектром из коры. в 1804 году Иоганн Непомук Гуммель написал торжественную и изящную Большую сонату, которая сегодня может считаться последним великим произведением так называемого классического расцвета мандолины. Соната Габриэле Леоне перенесет слушателей в звуковой мир галантно-чувственной эпохи и продемонстрирует высокоразвитое искусство игры того времени. Связи европейских аристократических домов привели к распространению и популярности мандолины во всех странах континента. Так, в Национальной библиотеке в Лиссабоне хранятся несколько сонат для мандолины и фортепиано португальского композитора Порту Фелициану. А молодой Бетховен, очарованный красотой и изяществом игры на мандолине графини Йозефины Клари-Альдринген, также написал восхитительные произведения для мандолины и клавишного инструмента.

Информация о продукте

Мандолина Шарм II

Вслед за Mandolino e Violino in Italia мы выпускаем Mandolino e Fortepiano с признанной мандолиной-виртуозом Анной Торге, которая "вызывает восхищение прежде всего своей удивительно кантабильной, тончайше артикулированной, мелодически и гармонически интеллектуальной игрой, что крайне редко встречается на щипковых инструментах" (Neue Musikzeitung 5 / 2018). Для исполнения произведений, представленных на этом диске, используется мандолина с четырьмя курсами. Изящное и чувствительное звучание инструмента создавалось с помощью кишечных, медных и посеребренных струн, которые перебирались пером или плектром из коры. В 1804 году Иоганн Непомук Гуммель написал торжественную и изящную Большую сонату, которая сегодня может считаться последним большим произведением того периода, который называют классическим зенитом мандолины. Соната в исполнении Габриэле Леоне перенесет слушателей в звуковой мир стиля galant sensitive и продемонстрирует высокоразвитое исполнительское мастерство этого периода. Связь мандолины с сетью знатных европейских семей привела к ее распространению и популярности во всех странах континента. Например, в Национальной библиотеке Лиссабона хранятся сонаты для мандолины и фортепиано португальского композитора Порту Фелициану. Даже молодой Бетховен, привлеченный красотой и чарующей игрой на мандолине графини Йозефины Клари-Альдринген, написал восхитительные произведения для мандолины и клавира.

Отзывы

klassik-heute.de 12/2018: "Торге и Хамбицер преподносят богатую пищу с исключительным вкусом, формируя музыку с большим духом, великолепной игрой и очень естественной, никогда не искусственной музыкальностью.современный рояль, вероятно, сплющил бы этот нежный щипковый инструмент, который может предложить гораздо больше, чем народное гудение, к которому его часто сводят. Самым большим сюрпризом на этом диске являются произведения Бетховена, который - слушайте и удивляйтесь - также писал для этой комбинации. В последнем случае ценитель слушает с благоговением - и убеждается"

Reger & Weinberger Vol. 5

Наше успешное издание Регера наконец-то может быть продолжено, и критики по-прежнему более чем восторженно отзываются о предыдущих выпусках, а журнал Musik & Theater даже утверждает: "Эти записи - одни из лучших на сегодняшний день в области органной музыки Регера" И вот пятый том снова с двумя SACD в лучшем объемном звучании. В центре внимания - пьесы из его монологов op. 63, op. 65 и op. 57. Двенадцать пьес op. 65, написанные в 1902 году, принадлежат к сборникам с небольшими органными сочинениями Регера. В отличие от крупных репрезентативных органных сочинений, "пьесы", не обладающие значительным обаянием, предназначены для использования в церковных службах, по крайней мере, частично, но прежде всего для менее опытных органистов, что, однако, не должно служить основанием для недооценки их сложности. Пьеса № 7 (Прелюдия), например, - одна из слишком малоизвестных жемчужин огромного творчества Регера. Короткая, динамически совершенно сдержанная B-часть - это пленительное по красоте хоральное движение, которое также завершает прелюдию с альтернативной гармонизацией и в fff.

Информация о продукте

Регер и Вайнбергер Том 5

Наше успешное издание Регера продолжается в этом месяце, в то время как критики еще не перестали восторгаться предыдущими релизами этой серии. Журнал Musik & Theater даже высказал мнение: "Эти записи - одни из лучших на сегодняшний день среди релизов органной музыки Регера" Том 5 вновь содержит два SACD-диска, предлагающих самое лучшее объемное звучание. В центре внимания - пьесы из "Монологов" Регера op. 63, op. 65 и op. 67. Двенадцать пьес op. 65 стоят в ряду его антологий, состоящих из более коротких органных произведений. В отличие от крупных полнометражных органных сочинений, эти "пьесы", не лишенные значительной привлекательности, хотя бы в некоторых частях предназначались для использования в религиозных службах и прежде всего для органистов с более скромными навыками, что не означает недооценки их только из-за степени сложности. Например, Пьеса № 7 (Прелюдия) стоит в ряду слишком малоизвестных жемчужин в огромном творчестве Регера. Короткая, динамически полностью приглушенная партия В представляет собой хоровую фактуру пленительной красоты, а завершается Прелюдия альтернативной гармонизацией и в fff.

Отзывы

klassik-heute.com 09/2018: "Нет необходимости много говорить об органичности интерпретатора. Вайнбергер играет с опытом и знанием зрелого исполнителя и заставляет музыку Регера сиять без экстравагантности, но с блестящим чувством жеста и выразительности этой музыки. Вывод: единственная запись, с которой стоит познакомиться, несмотря на то, что на рынке уже есть несколько полных записей"

kulturradio.de 09/2018: "Для знатоков Регера, а также для новичков этот двойной диск предлагает прекрасное знакомство с его разнообразным творчеством для органа"

Информация о продукте:

Целомудренный Иосиф в лапах декаданса

В 1913 году во время выступления в Берлине Рихард Штраус увидел "Русский балет" Сергея Дягилева и был настолько "очарован", что согласился сочинить для этого необычного коллектива балет-пантомиму "Легенда об Иосифе". Либреттист Гуго фон Гофмансталь также уже знал "Русские балеты" как "почти безграничное наслаждение чистым чувственным восторгом". История легенды об Иосифе не была для Штрауса новой, ведь Библия и Восток уже послужили материалом для "Саломеи". Кроме того, этот материал предлагает еще одну вариацию на старую штраусовскую тему: любовь между пожилой женщиной и молодым мужчиной. Госпожа Потифар принадлежит к показно-знойному миру богатства и власти и испытывает сексуальное влечение к неиспорченному юноше-пастуху, "еще не встречавшемуся с женщиной", танцору и мечтателю. Штраус использует все возможности позднеромантического оркестра для создания пышного звукового мира Востока. Но вместо смешанного звучания он теперь делает ставку на жесткие контуры. Это музыка, полная ясности, духовной остроты и непосредственности выражения.

Информация о товаре

Целомудренный Иосиф в тисках декаданса

В 1913 году во время выступления в Берлине Рихард Штраус увидел "Русский балет" Сергея Дягилева и был настолько восхищен им, что заявил о своей готовности сочинить для этого необыкновенного коллектива балет-пантомиму "Легенда Иосифа". Либреттист Гуго фон Гофмансталь также познакомился с "Русским балетом" как с "практически неограниченным наслаждением чистой чувственной радости" История легенды об Иосифе не была для Штрауса новой, поскольку Библия и Восток уже давали ему материал для "Саломеи". Более того, сюжет предлагал еще одну вариацию на старую тему Штрауса: любовь между пожилой женщиной и юношей. Жена Потифара принадлежит к роскошному знойному миру богатства и власти и испытывает сексуальное влечение к неиспорченному мальчику-пастуху, танцору и мечтателю, который "еще не был с женщиной вместе" Для изображения роскошного звукового мира Востока Штраус использует все возможности позднеромантического оркестра. Однако вместо того, чтобы создать смешанное звучание, он делает ставку на жесткие контуры. Это музыка, полная ясности, душевной остроты и непосредственности выражения.

Рецензии

klassik.com 06/2014: "Рихард Штраус использовал все возможности позднеромантического искусства оркестровки для этой балетной композиции, которая до сих пор производит впечатляющее впечатление своей сложностью и звуковыми агломерациями"
klassik-heute.com 08/2014: "Первоклассное солидное исполнение, в котором не только оркестр, дирижер и звукорежиссерская команда могут выгодно представить себя, но и которое позволяет нам не отрываясь следить за огромной детальной работой Штрауса"

Симфонии "Берлиоза XVIII века"

Увлекательная стилистическая сокровищница История музыки по-прежнему преподносит сюрпризы и открытия, которые неожиданно заставляют обратить внимание на ранее почти забытого композитора: Франц Игнац Бек - как раз такой случай. Симфонии этого "Берлиоза XVIII века" настолько безумно нестандартны и смелы, что даже сегодня можно только удивляться "современности" современной парижской публики, которая была практически у его ног. Бек предстает как прогрессивный и индивидуальный "ударник и барыга" в самом прямом смысле этого слова, открывающий выразительные возможности своего времени далеко в будущее. Из Мангейма через Италию Бек добрался до Марселя, где его симфонии стали подлинными центрами знаменитых парижских "Духовных концертов" и разошлись многочисленными тиражами. Теперь мы выпускаем наши записи 6 симфоний op. 3 и op. 4, 1-3 в доступном бокс-сете на 3 CD в блестящей и очень насыщенной интерпретации La Stagione на старинных инструментах под управлением Михаэля Шнайдера.

Информация о продукте

Симфонии "Берлиоза XVIII века

Увлекательная стилистическая находка История музыки не перестает таить в себе сюрпризы и открытия, выдвигая на первый план почти забытого композитора: Франц Игнац Бек - как раз такой случай. Симфонии этого "Берлиоза XVIII века" настолько нетрадиционны и смелы, что даже сегодня можно только удивляться "современности" обожавшей его парижской публики. Бек предстает как истинный прогрессист и индивидуалист в стиле "Бури и натиска", проецирующий выразительные ресурсы своего времени далеко в будущее. Из Мангейма Бек отправился через Италию в Марсель, где его симфонии стали главным событием на знаменитых парижских "Духовных концертах" и выдержали несколько изданий. Мы объединили в привлекательном по цене боксе из трех компакт-дисков наши записи шести симфоний op. 3 и №№ 1-3 op. 4 в совершенной и интенсивной интерпретации ансамбля La Stagione на старинных инструментах под руководством Михаэля Шнайдера.

Отзывы

klassik-heute.de 7/2004: "Опус 3, опубликованный в 1762 году, демонстрирует близость к музыкальному Sturm und Drang. Эта музыка становится по-настоящему захватывающей благодаря тому, что она в значительной степени отказывается от клише и формальной последовательности и вместо этого тщательно, иногда даже неожиданно, обрабатывает мотивный материал. Для La Stagione Frankfurt это лучшая возможность "сделать неслышимое слышимым".он подходит к делу темпераментно и энергично, виртуозность освежает, поскольку она совершенно непритязательна, а основная творческая установка остается камерно-музыкальной прозрачной и отзывчивой при всем ее симфоническом величии. Убедительные музыкальные удовольствия". klassik.com 9/2004: "Резкие динамические и музыкальные контрасты, созданные Беком, становятся заметными, выводя на первый план огромную моторную и ритмическую энергию композиций. CPO, вероятно, один из самых интересных немецких лейблов" FonoForum 9/1996: "Шнайдер заставляет симфонии Бека звучать прерывисто, с резкими изменениями экспрессии, громкости и тембра, так что слушатель следит за каждым мотивом, каждым оркестровым ударом, каждой мелодией, словно наэлектризованный.la Stagione Frankfurt доказывает, что эта музыка может быть настолько изысканной по звучанию, настолько зажигательной по ритму и настолько волнующей по экспрессии, что ей ни в коем случае не нужно стесняться сравнения с Моцартом или Бетховеном. Звучание: прозрачное, большие динамические контрасты, четкие контуры" Coburger Tageblatt 21.8.1996: "Очаровательная стилистическая сокровищница. Композитор-ударник и суетник, чья музыка очаровывает своим напряженным стремлением к самовыражению. Стилистически чувствителен и исполнен с блестящей виртуозностью" FonoForum 1/2007: "В очередной раз восхищает бескомпромиссность музыкального языка Бека, его современность, обдуманный отказ от галантных увлечений. Немногие сочиняли в это время такие "большие", такие "симфонические" произведения в смысле Гайдна, и уж точно не во Франции. Шнайдер и его великолепно играющий оркестр - гаранты захватывающего исполнения, прекрасно исполненных андант, сердечных менуэтов и энергичных аллегро." klassik.com 6/2007: "Решение лейбла выпустить последнюю запись из серии "Бек" на SACD, а не на CD, как в случае с шестью симфониями op. 3, также способствует успеху записи, поскольку чистый звук записи позволяет еще более отчетливо проявиться нюансам интерпретации. Слушайте и удивляйтесь"

Информация о продукте:

Оратория в современном первом исполнении

Одаренный ученик Бетховена Фердинанд Рис никогда не был совсем неизвестен, но только в последние годы cpo, а также Герман Макс с большим успехом проводят кампанию за новое открытие этого проникновенного позднего классициста и романтика. Его первая оратория "Победа веры" (Der Sieg des Glaubens), которая вновь звучит впервые с 1829 года, прославляет торжество "кротких верующих". Рисс написал это произведение по заказу Нижнерейнского музыкального фестиваля в Ахене в 1829 г. Литератор Иоганн Батист Руссо (1802-1867, не путать с его французским однофамильцем Жаном-Батистом Руссо), пользовавшийся большим уважением в Рейнской области, полностью отказался от постоянного сюжета в произведении и вместо него развернул философское рассуждение о силе веры и милости Божьей. Появляющиеся фигуры как бы обезличиваются. Они отличаются, по сути, только своей принадлежностью к большой группе верующих или малой группе неверующих. Рис учитывает это обстоятельство, создавая много впечатляющих хоровых и ансамблевых движений, неоднократно разделяя хор верующих на женский и мужской хоры. Арии опираются не столько на виртуозность, сколько на интенсивную интерпретацию текста, ориентированную на поток языка. То же самое можно сказать и о хоровых партиях, которые часто скрашиваются эффектной, гармонически восхитительной оркестровой партией. Премьера в Ахене имела ошеломляющий успех для Фердинанда Риса, о чем он вскоре "с большой радостью" сообщил своему брату Йозефу в Лондон: "Моя оратория была принята так, что весь дом задрожал - это самое великое и действенное произведение, которое я написал, но я не мог себе представить такого приема, все было просто великолепно, и повсюду царило настоящее ликование"

Информация о продукте

Современная премьера оратории

Талантливый ученик Бетховена Фердинанд Рис никогда не был полностью забыт, но только в последние годы cpo и Герман Макс с большим успехом посвятили себя возрождению этого энергичного позднего классициста и романтика. Его оратория Der Sieg des Glaubens ("Триумф веры"), впервые звучащая здесь с 1829 года, прославляет торжество "верующих с мягким сердцем" Рисс написал это произведение в ответ на заказ композиции для музыкального фестиваля на Нижнем Рейне в Ахене в 1829 г. Иоганн Батист Руссо (1807-67 гг.), уважаемый в Рейнской области литератор (не путать с одноименным французским поэтом Жаном-Батистом Руссо), в этом произведении обошелся без постоянного сюжета, а развил философское рассуждение о силе веры и милости Божьей. Можно сказать, что состав персонажей обезличен. Они отличаются друг от друга только тем, что принадлежат к большой группе верующих или к малой группе неверующих. Рис подчеркивает этот аспект в своем произведении множеством впечатляющих хоровых и ансамблевых номеров, неоднократно разделяя хор верующих на женский и мужской. Арии опираются не столько на виртуозность, сколько на интенсивную интерпретацию текста в соответствии с речевыми оборотами. Нечто подобное относится и к хоровым номерам, которые часто приправлены эффектной, гармонически привлекательной оркестровой партией. Премьера в Ахене имела ошеломляющий успех для Фердинанда Риса, который вскоре после этого "с огромной радостью" написал своему брату Йозефу в Лондон: "Моя оратория была принята так, что весь зал дрожал - это самое великое и эффективное произведение, которое я написал, но я не мог себе представить такого приема; все были в полном восторге, и повсюду царило настоящее ликование"

Отзывы

FonoForum 07/2013: "Прекрасное размышление о вере... В музыкальном отношении эта запись полностью удалась. Хор Рейнского канторея точно отрепетирован, Маленький концерт исполняется с энергией и безупречной координацией между струнными и виртуозными духовыми"

Информация о продукте:

Музыка тишины из Каринтии

"Мужской квартет поет в пустой церкви, к которому присоединились два музыкальных товарища и друга - Вольфганг Пушниг на саксофоне и Марко Тамайо на гитаре... Музыкальным началом и точкой кристаллизации CD под названием "voces quietis" стала Каринтия - родина мужского квартета schnittpunktvokal, состоящего из трех братьев и баса. Среди почти неуправляемого количества записанных старинных народных песен на немецком и словенском языках (их число исчисляется тысячами) можно найти трогательные духовные песни смиренного благочестия. Кредо schnittpunktvokal - предлагать развлечения на самом высоком уровне. Квартет - это как инструмент. Натренированные голоса также - и прежде всего - проявляют себя в концертных залах и церквях. Все началось в конце 1980-х годов, когда семья свободно пела вместе. Сегодня критики восторгаются "идеальным интонированием, необыкновенной гармонией вибрато", пением "как будто из одного голоса". Погрузитесь в собственную атмосферу, исполненную с ощутимым сочувствием. Также имеется специальный бонусный CD: Переиздание с рождественскими песнями Каринтии - конечно же, со шниттпунктом.

Информация о продукте

Тихая сторона Каринтии

"Мужской квартет поет в пустой церкви; к ним присоединяются два музыкальных товарища и друга - Вольфганг Пушниг на саксофоне и Марко Тамайо на гитаре" Точкой отправления и кристаллизации этого диска под названием voces quietis стал австрийский регион Каринтия - родина мужского квартета schnittpunktvokal, состоящего из трех братьев и одного бас-гитариста. Среди огромного количества традиционных народных песен, передаваемых на немецком и словенском языках (их число исчисляется тысячами), есть трогательные священные песни смиренного благочестия, которые ждут своего открытия. Участники квартета schnittpunktvokal стремятся предложить развлечение на самом высоком уровне. Квартет подобен инструменту. Голоса этих квалифицированных певцов звучат в концертных залах и церквях как нельзя лучше и чище. Все началось в конце 1980-х годов во время свободного совместного пения в домашней семейной обстановке. Сегодня критики восторгаются "идеальным интонированием, необыкновенным вибрато в унисон, ансамблевым звучанием, как будто исходящим из одного голоса" Это ваш шанс окунуться в уникальную атмосферу, переданную со слышимым энтузиазмом всех участников. В качестве бонуса прилагается специальный CD: переиздание рождественских песен Каринтии - разумеется, в интерпретации schnittpunktvokal.

Отзывы

klassik-heute.com 02/13: "Редко какой альбом так убедительно передает впечатление, что музыка, собранная на нем, искренне волнует сердца музыкантов, как "voces quietis", новая пластинка австрийского вокального квартета schnittpunktvokal.в двух квартетах Франца Шуберта эта сонастройка действительно становится событием: четыре голоса объединяются в магическую (органную) однородность, только этот орган может говорить, и таким образом каждый слог, каждая буква, скажем, в "Могиле и луне" превращается в звук"

Моравский композитор и скрипач Пауль Враницкий, наравне с В.А. Моцартом, был одним из самых влиятельных и популярных композиторов австрийской столицы около 1800 года. Он был очень плодовитым композитором, чьи произведения распространялись по всей Европе; особую известность ему принесла "Зингшпиль Оберон, король эльфов" - первая "опера-призрак", имевшая большое значение. Успехи также побудили его отказаться от богословской карьеры и полностью посвятить себя музыке. С 1787 г. он был членом оркестра Бургтеатра, директором которого впоследствии стал. Его судьбоносная "мирная" симфония "Grande Sinfonie caractéristique pour la paix avec la Republique francoise" op. 31, которую он сам объяснил в приложении с помощью программных названий, пользовалась большой популярностью при многих аристократических дворах, о чем свидетельствует широкое распространение ее тиражей. Это торжество самых разнообразных тональных красок. Картина боя и - quasi как idée fixe - снова и снова цитаты из марша: Враницкий разворачивает здесь захватывающую звуковую панораму. Симфония op. 52 - одно из последних его сочинений в этом жанре и, в отличие от Симфонии op. 31, имеет довольно веселый и легкомысленный характер с поразительно плотной мотивной фактурой. Для интерпретации этих сочинений нам удалось привлечь Филармонический оркестр NDR под управлением Говарда Гриффитса.

Информация о продукте

Картины "Битва и мир
Около 1800 года Пауль Враницкий, моравский композитор и скрипач, родившийся в один год с Моцартом, был одним из самых влиятельных и популярных композиторов в австрийской столице. Это был необычайно плодовитый композитор, чьи произведения были известны во всей Европе, а особую известность ему принесла его опера-зингшпиль "Оберон, король эльфов" - первая значительная опера о призраках. Музыкальные успехи побудили его отказаться от первоначальной теологической карьеры и полностью посвятить себя музыке. В 1787 г. он стал членом оркестра Бургтеатра, а затем его руководителем. Его мирная симфония Grande Sinfonie caractéristique pour la paix avec la Republique française op. 31 пользовалась большой популярностью при знатных дворах (о чем свидетельствует широкое распространение печатных изданий), а все ее значение он изложил в пояснительном тексте с программными заголовками. Она отличается богатой палитрой тональных красок, включает батальную картину и (почти как идею) повторяющиеся маршевые цитаты, создающие слуховую панораму высочайшего напряжения. Симфония op. 52 - одно из последних сочинений Враницкого в этом жанре; в отличие от Симфонии № 31, она обладает более ярким и беззаботным характером и гораздо более плотной мотивационной тканью. Для интерпретации этих сочинений мы привлекли Филармонический оркестр NDR под управлением дирижера Говарда Гриффитса.

Рецензии

klassik.com 03/07: "Мелодическая изобретательность Враницкого, эффектно сопоставляемые ритмы и эффективно используемый оркестровый аппарат не могут не произвести эффект. Как обычно бывает в случае с cpo, звуковое оформление на редкость удачно, а информативный текст в сопроводительном буклете подробно знакомит с историей произведения. Это делает открытие увлекательным, особенно с музыкой такого качества"

О содержании компакт-диска:

Естественное событие
Зигмунд фон Хаузеггер - один из музыкантов начала ХХ века, который, подобно Феликсу Вайнгартнеру или Вильгельму Фуртвенглеру, запомнился потомкам как выдающийся дирижер. Франкфурт, Гамбург, Мюнхен (Филармония) были его основными местами работы в качестве главного музыкального руководителя, он дружил с Регером, Штраусом и Пфицнером. Уроженец Граца, он также сочинял, хотя и не так усердно, как Вейнгартнер. Помимо множества вокальных сочинений, особенно песен, он написал две оперы, симфонические поэмы "Барбаросса" и "Виланд из Шмида" и - безусловно, главное свое произведение - огромную "Симфонию природы" для большого (в прямом смысле этого слова) оркестра и финального хора на слова Гете 1911 года. И странно: если ошеломленно (по забывчивости) слушать этот гигантский шедевр, то на ум приходят не вышеупомянутые имена, а третий дирижер-композитор, написавший в своем Komponierhäusl на Аттерзее сопоставимые музыкальные кредо. Это открытие - и я говорю об этом с гордостью - равносильно природному феномену!

Информация о продукте

Чудо природы
Зигмунд фон Хаузеггер - композитор начала ХХ века, который, подобно Феликсу Вайнгартнеру или Вильгельму Фуртвенглеру, запомнился потомкам как выдающийся дирижер. Франкфурт, Гамбург и Мюнхен (филармония) были основными местами его карьеры в качестве главного музыкального руководителя, а среди его друзей числились Регер, Штраус и Пфицнер. Уроженец Граца также сочинял, хотя и не так усердно, как Вейнгартнер. Среди его сочинений множество вокальных произведений, в том числе песен, две оперы, симфонические поэмы "Барбаросса" и "Виланд из Шмида", а также, безусловно, главное произведение - масштабная "Симфония природы" 1911 года для полного состава оркестра (причем "полный" здесь означает именно это) и заключительного хора на текст Гете. И, как ни странно, когда слушаешь в недоумении (что такое произведение вообще могло быть забыто) этот гигантский шедевр, на ум приходит имя не упомянутого выше, а другого композитора-дирижера (Густава Малера), написавшего сопоставимые музыкальные исповеди веры в своем композиторском домике на озере Аттер. Эта находка - и я говорю об этом с гордостью - сама по себе является чудом природы!

Рецензии

Classicstoday.com: "Если вы поклонник Малера, Штрауса или позднего романтизма в целом, этот диск просто необходим. Настоящее открытие"
klassik.com 03/08: "Оглядываясь назад, кажется немыслимым, что это пятидесятисемиминутное произведение безумия не было записано раньше. Как богато тонально и возмутительно звучит "Симфония природы" Хаузеггера! По продуманности наслоения оркестровых пластов и фигур, по количеству внезапных смен настроения и великолепных падений это произведение соперничает по сложности с Седьмой симфонией Малера"
klassik-heute.com 04/08: "Колоссальное произведение, отличающееся большой оригинальностью и суггестивностью. В трех могучих частях здесь отдается дань уважения природе как выражению вечной творческой силы, становящейся и уходящей в драматическом развитии, кульминацией которого является триумфальный гимн на основе текста Гете. Великолепные силы WDR Köln под управлением финна Расилайнена впечатляюще выдвигают все это на первый план, а техника проделала отличную работу."

Информация о продукте:

Времена года "со многими инструментами" и "а-ля Гвидо

В исполнительской практике XVIII века соответствующий инструментарий был определен гораздо менее точно, чем это кажется возможным сегодня. Правила партитур имели лишь относительное значение, то есть существовала явная возможность замены одного инструмента другим, добавления частей ad libitum или их удаления - в зависимости от обстоятельств, имеющихся инструментальных ресурсов или традиций и вкусовых предпочтений, сложившихся в том или ином месте. Кроме того, музыкальные издатели были заинтересованы в выпуске таких стандартных жанров, как трио-соната или скрипичный концерт со струнными и basso continuo, которые отвечали ожиданиям преимущественно любительской аудитории. Внимание издателей было явно сосредоточено на тех произведениях, которые могли быть коммерчески востребованы как в силу их партитурности, так и в силу их доступности. Поэтому в печатных изданиях XVIII века не было ничего необычного в том, чтобы представить гибкий инструментарий с целью охвата как можно большей аудитории.

Инструментальная нотация Антонио Вивальди, особенно для струнных, отличается необычной для того времени точностью. Основное внимание уделялось деталям выразительности, динамике, артикуляции и фразировке. В то же время эта же нотация предоставляет исполнителю возможность той или иной модификации или альтернативы, что, по общему признанию, не является противоречием: скорее, это говорит о чувствительности композитора к физическим и телесным качествам звука, о его стремлении сделать тембр структурным компонентом произведения. Оба аспекта отражают осознание того, что запись партитуры - это творческий процесс, допускающий определенные вариации в определенных пределах и способный тем самым открыть новые смысловые уровни.

Если Вивальди не предлагал таких вариантов, то его современники, безусловно, их предлагали. Известно, в частности, что Иоганн Георг Пизендель адаптировал многие концерты к практике, распространенной в дрезденском придворном оркестре. Особенностью этого саксонского оркестра была большая доля духовых инструментов, для которых Вивальди также написал несколько произведений (в том числе превосходный "Концерт для дрезденского оркестра" RV 577).

Независимо от источников, сегодня Le quattro stagioni в любом случае являются концертами для скрипки, струнных и basso continuo. Однако с исторической точки зрения можно представить себе и другое - что они исполнялись ансамблем, подобным знаменитой Дрезденской капелле, т.е. с большим количеством духовых инструментов. Поскольку композитор в предисловии к своей "Cinento dell armonia e dell inventione op. Vlll (Амстердам, 1225), посвятивший его богемскому графу Венцелю фон Морзину (который, как мы узнаем, был знаком с четырьмя концертами "очень давно"), особо отмечает "качество чрезвычайно виртуозного оркестра", нельзя исключать, что именно этот виртуозный оркестр из сердца Европы исполнял концерты - причем в инструментах, отличающихся от первопечатного издания и старых рукописей, хранящихся у кардинала Пьетро Оттобони.

С этой точки зрения содержание и выразительный диапазон "Времен года" буквально приглашают добавить к ним несколько духовых партий в соответствии с вивальдиевским "concerti con molti istrumenti": весной - два рекордера (гобои) и рожки, а также фагот, летом - два рекордера и фагот, осенью - два гобоя, два рожка и фагот. Для зимы Вивальди выбрал ключ фа минор, который он использовал еще только один раз для струнного концерта (RV 143). Этот ключ не слишком подходит для духовых инструментов, что позволяет в данном случае придерживаться оригинальной инструментовки. Погружение сольных секвенций в более пышную и разнообразную фактуру, обусловленное аспектом "molfi istrumenti", снижает бремя живописных представлений, ложащихся исключительно на солирующую скрипку и струнные, а палитра тембров передает ощущение еще более реалистичного исполнения - например, через пение птиц на флейтах или конкретизацию стилизованных композитором моделей: например, звучание пасторальной волынки в заключительной части "Весны" и фанфары рожка в финале "Осени".

О том, насколько удались "Времена года", можно судить, в частности, по многочисленным подражаниям, которые вызвал этот необычный концертный цикл. Одно из первых подражаний можно найти в "Армонических схемах к "Четырем временам года" op. lll Джованни Антонио Гвидо, о жизни и музыкальной деятельности которого имеются лишь скудные и, более того, неточные сведения. Вероятно, он был выходцем из Генуи. Прожив и проучившись некоторое время в Неаполе, он в 1702 году отправился в Париж, где до 1728 года на службе у герцога Орлеанского приобрел неплохую репутацию скрипача и композитора.

Во Франции, на родине иллюстративной и подражательной музыки, "Времена года" Антонио Вивальди имели немедленный и продолжительный успех. Поэтому не исключено, что версальское издание "Scherzi armonici" Гвидо появилось не ранее 1733 года, что подтверждает Кес Влаардингербрук. Несомненно, Вивальди оставил свой след в этом произведении: Композиция, посвященная Луи де Ноайлю, графу Айенскому, сопровождается программными стихами, а содержание и тематика во многом повторяют структуру вивальдиевского шедевра. Так, весной звучат стремительные потоки, поют птицы и танцуют пастухи; летом мы слышим кукушку и сильную бурю; сбор винограда, сон опьяненных и охота на оленя - тема осени; зимой объявляются северные льды, а ветры сражаются друг с другом.

Сочинения Гвидо представляют собой сюиты с разным количеством коротких частей (от пяти до тринадцати), состоящие из одно- или двухчастных танцев или рондо. В печатном издании представлены только партии для трех скрипок, виолончели, контрабаса (клавесина) или виолы, но в авертисменте есть и дополнительные инструментальные указания на флейты (гобой) и бас-альты (клавесин). Публикация говорит о многогранном сосуществовании итальянских и французских стилистических приемов, хотя колористические эффекты этих живописных переложений отнюдь не достигают того же уровня изобретательности, что и жестикуляционная, фантазийная музыка Вивальди. Как уже отмечалось, оба произведения посвящены примерно одним и тем же темам, и - в силу временной близости - в риторических кодах, повлиявших на их исполнение, также прослеживается явное сходство. Основное различие между двумя композиторами заключается в том, как они обращаются с мотериалом. В "Временах года" Вивальди с живостью пьесы и суггестивной силой фрески показаны "дионисийские" и "панические" ощущения человеческого существования в природе, не останавливаясь на особенно противоречивых, болезненных и пугающих аспектах. Именно эти аспекты присутствуют и во "Временах года" Гвидо, но здесь они приглушены, смягчены, имитированы - подобно тому, как придворный шут тривиализирует трудности бытия, превращая их в посмешище.

Чезаре Фертонани
Перевод: Экхард ван ден Хооген

И снова "Времена года"?

С тех пор как в 1940 году "Времена года" стали вновь представляться публике, этот цикл достиг самого большого и продолжительного успеха, который только можно себе представить. Дело дошло до того, что остальные восемь концертов Cimento dell' Armonio e dell lnventione превратились в настоящее шоу.

Если в XVIII веке было создано множество переложений и транскрипций для самых разных инструментов, то успех "Времен года" за последние шестьдесят лет совпал с развитием индустрии звукозаписи.
На сегодняшний день не существует действительно полного каталога всех сделанных записей, число которых может достигать нескольких сотен. Но о размерах дискографии можно судить по тому, что почти все великие скрипачи, лучшие молодые виртуозы и множество специализированных оркестров хотя бы раз принимали вызов этих произведений. Нет недостатка в солистах и ансамблях, которые за эти годы представили не одну интерпретацию концертов.

Помимо этих интерпретаций, которые мы можем назвать просто "традиционными" - независимо от того, исполнялись ли они на оригинальных инструментах или на современных, - существует множество версий для самых разных инструментов. Так, на протяжении многих лет мы слышали варианты "Времен года", например, с участием духовых или симфонических оркестров, с сольной партией в исполнении флейты, магнитофона, гитары или даже арфы.

Эти концерты вдохновляли многих композиторов "встречного слова" - не в последнюю очередь потому, что некоторые инструменталисты искали новый репертуар. В недавнем прошлом, кроме того, состоялся необычный и впечатляющий контакт между концертами "Prete rosso" и аргентинцем Астором Пьяццоллой, которого Вивальди вдохновил на создание "Estaciones Portenas" ("Времена года в Буэнос-Айресе").

в Японии "Времена года" делят первое место в хит-параде классической музыки с Девятой симфонией Бетховена. В церквях и дворцах Венеции каждый день проходят новые, качественно отличающиеся друг от друга представления. Более того, недавнее исследование показало, что первая часть "Весны" используется в телефонных очередях чаще, чем любое другое музыкальное произведение!

Все это должно было убедить нас не только не записывать десятые "Времена года", но и дать этим четырем произведениям референсный отдых. Но мы не смогли устоять перед Cimento, возможно, именно потому, что здесь такое богатство конкурирующих сопоставлений, как в научном плане, так и в плане интерпретации.

Несмотря на абсолютное уважение к нотному тексту и велениям исполнительской практики, нам захотелось попробовать в новой записи, можно ли адаптировать сохранившиеся версии скрипичных концертов, входящих в "Четыре линии года", к чрезвычайно сложному стилю вивальдиевского Concerto con molti istrumenti. Достигнутая таким образом "реконструкция" или "переписывание" явилась результатом сравнения всех доступных нам концертов, в которых Вивальди использовал большой сольный духовой инструмент, и представляет собой попытку как можно более добросовестно следовать оригинальной композиционной технике этих произведений.

В весеннем концерте солируют скрипки (гобои), рожки и фагот; летом мы решили расширить инструментарий за счет скрипок и фагота; осенью солируют гобои и рожки, а также фагот; зимой мы ограничились чисто струнным инструментарием - не в последнюю очередь из-за тона фа минор, который Вивальди никогда не использовал в своих концертах "con molti stromenti".

В этой записи мы постарались создать нотный текст, максимально приближенный к оригиналу, сравнив рукописные источники из Манчестера и Генуи с изданием, напечатанным в Амстердаме. Другим фундаментальным вкладом стало сравнение с современными изданиями Э. Селфридж-Филда, П. Эверетта и К. Хогвуда. Хогвуда.

кроме того, мы включили в издание редко звучащие "Скерци армоничи" с сопра "Четырех стаджиони дель Анно" генуэзского композитора Джованни Антонио Гвидо. Эти пьесы - явные подражания и идеальное свидетельство "французской манеры", на которую здесь перенесены вивальдиевские модели. Инструментарий этой сюиты, вероятно, не случайно схож с нашей вивальдиевской "реконструкцией": вновь в дополнение к струнным используются рекордеры (гобой) и фагот.

Федерико Гульельмо
Перевод Экхардта ван ден Хоогена

Отзывы

FonoForum 05/04: "Результат получился убедительным: в "Весне" гобой подменяет волынку, в "Лете" рекордеры в разных регистрах имитируют горлицу и золотого снегиря, фанфары "Осени" разумно звучат в исполнении охотничьих рожков; только "Зима", с ее морозным и нетипичным для ветра тоном фа минор, остается за одними струнными.однако L'Arte dell'Arco работает с партитурой, а не против нее, уточняя только то, что в ней есть, а в остальном культивируя стиль интерпретации, отличающийся естественной радостью игры и воспитанным вкусом. Бис - одноименный цикл Джованни Антонио Гвидо, написанный под влиянием Вивальди, - добавляет репертуарной ценности этой очень интересной записи"
klassik.com 09/04: "Исключительно восхитительный эксперимент, результатом которого можно любоваться на этом образцово отредактированном компакт-диске в потрясающе реалистичных звуковых картинах. Эти концерты редко ставились в более увлекательной, яркой, выразительной и поэтичной манере"

О содержании компакт-диска:

Изабель ван Кеулен играет Петтерссона

"Человек пытается найти свою внутреннюю реальность, он бежит от внешней реальности, где представление о человеке стирается за счет идеологий. В этом ночном пейзаже ... звучит песня, исполняемая скрипкой с благородным тембром, несущая на себе отпечатки пальцев человека, одинокого существа, ищущего искупления от угрожающего внешнего коллектива" Эти слова принадлежат Аллану Петтерссону и относятся ко 2-му скрипичному концерту 1977/79 г. Как и во всех других своих произведениях, Петтерссон здесь стремится к передаче голой информации, к описанию сошедшего с рельсов машинизированного мира, в котором человек используется в лучшем случае как маленький винтик в колесе. Это требует почти гипертрофированного оркестрового аппарата, в котором индивидуальность, солирующий инструмент, может быть потеряна. После премьеры в 1980 году Петтерссону с неохотой удалось создать переработанный вариант, который легче воспринимается на слух.

Информация о продукте

Изабель ван Кеулен в исполнении Петтерссона

"Человек пытается найти свою внутреннюю реальность, он бежит от внешней реальности, в которой идея человека стирается в угоду идеологиям. В этом ночном пейзаже... звучит песня, исполняемая скрипкой с благородным тембром, песня с отпечатками пальцев человека, одинокого существа, ищущего спасения от угрожающего внешнего коллектива" Автор этих слов - Аллан Петтерссон, написавший их для своего Скрипичного концерта № 2 1977-79 гг. Как и во всех других своих произведениях, здесь Петтерссон стремится к передаче информации в чистом виде, к описанию механизированного мира, в котором человек нужен не более чем маленький винтик. Такая музыка требует почти гипертрофированного оркестрового аппарата, в котором личность, солирующий инструмент, находится под угрозой заглушения. После премьеры в 1980 году Петтерссон боролся за создание новой версии, отличающейся большей прозрачностью. Наша запись с Изабель ван Кеулен 1999 года - поистине судьбоносный музыкальный час - одновременно документирует премьеру этой второй версии.

Отзывы

"Премия Pizzicato Supersonic за февраль 2007 года"
klassik-com 02/07: "Огромная концентрация, с которой ван Кеулен исполняет почти часовой тур-де-форс, впечатляет своей последовательностью и снова и снова удивляет культивированным чувством звука, с которым она формирует сложную скрипичную партию"