Фирма CPOSE

Информация о продукте:

Искусство фуги" Иоганна Себастьяна Баха, "вершина абстрактного, архитектурного композиторского искусства" (Эдвин Фишер), предстает перед нами в интерпретации Берлинского квартета саксофонов в необычной и неожиданно восхитительной форме.

Бах оставил цикл фуг, начатый, вероятно, в 1747 или уже в 1749 году, без указания инструментовки и, за редким исключением, без обозначений. Он также не завершил его, вероятно, из-за двух операций на глазах в начале 1750 года и, наконец, из-за своей смерти 28 числа того же года. Единственными источниками, которыми мы располагаем, являются части партитуры в виде берлинского автографа (рукопись Прусской государственной библиотеки и различные нотные листы, написанные рукой самого Баха), различные экземпляры первого издания (предположительно 1750-53 гг.) и одностраничный список исправлений, подготовленный Карлом Филиппом Эмануилом Бахом после Сменда; документы, которые были преданы забвению до момента их повторного обнаружения Вольфгангом Грэзером в 1924 году и первого исполнения произведения в 1927 году.

Создается впечатление, что Баха уже не волновало, как будет тонально реализовано его последнее целостное сочинение - итог всего его фугального искусства. Даже название сочинения, добавленное к автографу чужой рукой, не является подлинным. Ничего не известно и о происхождении варьированной темы, времени ее создания и возможных связях с предшествующим "Музыкальным приношением". Первоначально господствовало убеждение, что Бах написал "Искусство фуги" для клавишного инструмента, для клавесина (клавикорда) или органа (вальха) (см., например, Leonhardt: "Kunst der Fuge"). Leonhardt: "Kunst der Fuge, последнее клавесинное произведение Баха"), тем не менее, после повторного открытия Грэзера неоднократно исполнялась для самых разных инструментов, особенно в форме струнного квартета и камерного оркестра: в каталоге представлены самые разнообразные интерпретации, от клавишных, струнных и деревянных духовых инструментов до медных. Возможно, Бах имел в виду все из них или ни одну из них. С уверенностью можно утверждать лишь то, что представленная здесь квартетная версия не существовала в его воображении, поскольку используемый здесь духовой инструмент - "саксофон" по имени бельгийского инструментальщика Адольфа Сакса - был разработан лишь спустя почти 100 лет после его смерти и запатентован в Париже в 1846 году.

Слушатель имеет возможность сам оценить, насколько саксофон, а точнее, члены большого саксофонного семейства (сопрано), (тенор), альт и баритон, собранные в квартете, подходят для исполнения провидческой музыки Баха. Изначально задуманный строителем как связующее звено между деревянными и духовыми инструментами, саксофон вскоре стал использоваться в камерной музыке. Ранним примером является квартет саксофонов Жана-Батиста Сингели 1857 года, но инструмент также нашел свое применение в военной музыке, а в 1920-х годах - в джазе, где он до сих пор играет центральную роль. Как джазовый инструмент он известен многим слушателям. Менее известен тот факт, что саксофон, помимо камерной музыки, эффективно использовался в концертной, оперной и балетной литературе, например, в "Le dernier roi de Juda" (1845) Кастнера, Мейербера, Бизе, Массне или у Дебюсси (Рапсодия), Глазунова (Концерт ми-бемоль) и многих других, от Прокофьева до Кодали, Хиндемита, Вилла-Лобоса, Гершвина и Равеля (Болеро). Рихард Штраус использовал квартет саксофонов в своей "Symphonia domestica". Можно найти и примеры самостоятельных саксофонных квартетов. Поэтому не вызывает сомнений, что характерное звучание саксофонов как нельзя лучше подходит для освещения полифонического чуда "Искусства фуги". Квартет саксофонов, заметим здесь, позволяет "освежить новую интерпретацию" (Дюмлинг).

Фридеман Граф (баритон-саксофон) переложил произведение для саксофонного квартета и представляет его публике вместе с Детлефом Бенсманном (сопрано-саксофон), Кристофом Гризе (тенор-саксофон) и Клаусом Кречмарски (альт-саксофон), воодушевленный успехом многочисленных исполнений произведения в Берлине, Гейдельберге, Франкфурте, Кельне, Бремене, Дюссельдорфе, Будапеште и других городах. В начале 1980-х годов Фридеман Граеф уже переложил части "Искусства фуги" для квартета саксофонов. в 1986 году по заказу Петерскирхе во Франкфурте-на-Майне (кантор Райнхольд Финкбайнер) он сделал аранжировку всего произведения, которое показалось ему более подходящим для того, чтобы проследить линии контрапунктической полифонии с помощью голосов и особых тембров четырех выбранных саксофонов и интерпретировать их в сольном и в то же время камерно-музыкальном ключе:

"Идея аранжировки "Искусства фуги" Баха имела для меня несколько источников:

1) позднеромантическая литература для саксофонного квартета в значительной степени ориентирована на мелодику и менее привлекательна для исполнителей на более низких инструментах. Однако наш квартет состоит из четырех амбициозных солистов. Таким образом, равенство всех голосов в фуге привносит в ансамблевое произведение "социальный" аспект. Возможно также, что Бах хотел сделать акцент на мелодичности раннего предклассического периода, написав последовательно контрапунктическое произведение - в то время этот стиль уже вышел из моды.

2) Для струнного квартета, а значит, и для квартета саксофонов, "Искусство фуги" является ключевым произведением с точки зрения коммуникативной артикуляции, динамического баланса и ритмического взаимодействия. Поэтому подход к этому произведению имеет и педагогическую составляющую.

3) Я дополнительно акцентировал ритмические структуры с помощью разложений и распределений, провоцируя интенсивную коммуникацию, которая для меня является важным, почти необходимым качеством камерной музыки. В некоторых контрапунктах есть окончания, которые являются более чем четырехчастными. Я композиционно изменил эти пассажи так, что они стали возможны для четырех саксофонов. Квартет саксофонов также обеспечивает настолько богатое обертонами звучание, что октавные параллели становятся ненужными" (Фридеман Граф).

Порядок расположения 14 фуг и 4 канонов идиосинкразичен и отличается от предложенного Грэзером, на котором основывалось его первое публичное исполнение произведения в камерной форме 26 июня 1927 года в лейпцигской Томаскирхе. Порядок расположения отдельных частей по замыслу И.С. Баха достоверно не известен: это порядок рукописей или порядок различных оттисков первого издания, который, возможно, был (совместно) определен гравером нот; каково значение ссылки на "другой основной план", отмеченной на обороте последнего листа Четверной фуги; соответствует ли замыслу Баха одно из многочисленных позднейших переложений, вносил ли Вильгельм Фридеман Бах исправления при заказе имения? Мы не знаем этого наверняка. Это оставляет на усмотрение каждого отдельного аранжировщика ту желанную свободу действий, которой так много разных аранжировщиков воспользовались, и которая особенно ярко проявилась в данном переложении. Расположение фуг основано на концертной ситуации. Для облегчения восприятия слушателем была выбрана последовательность, максимально разнообразная, но в то же время обеспечивающая внутреннюю целостность произведения.

Благодаря субъективному выбору темпа, громкости и артикуляции каждый блок получает свою внутреннюю драматургию. Каждому отдельному контрапункту инструментарий придает настроение, которое поддерживает эту драматургию и дает слушателю возможность следить как за гармоническими и мотивными структурами соответствующих фуг, так и за особенностями саксофонных голосов в развитии этих структур. Последнее возможно благодаря динамичному, но в то же время строгому стилю музицирования без легато и вибрато. В данной версии ductus ведет сначала к четырем простым четырехчастным основным фугам, но в другом порядке, а именно: Contrapunctus 3 с инверсией темы перед Contrapunctus 2 с его ритмическими изменениями. В отступление от Грезера и Вальха следуют канонические фуги 15, 16 и 17, первая из которых исполняется в октаву всеми четырьмя инструментами, вторая - сопрано и тенор-саксофоном, третья - альт- и баритон-саксофонами. В третьем блоке выдвигаются четыре полифонические фуги: сначала тройные фуги № 8 и 11, в которых три голоса Контрапункта 8 распределяются между всеми четырьмя инструментами, что дает здесь особый пример сольной ансамблевой игры. Затем следуют двойные фуги: сначала № 10 с инверсией главной темы, изложенной в Контрапункте 5, затем № 9 с новой темой и ее объединением с главной. Контрфуги следуют в порядке инверсии по величине, чтобы через двухчастный канон для сопрано и баритона привести к двум четырехчастным зеркальным фугам. В этом блоке особо следует выделить Contrapunctus 7, где передача расширения основной формы и инверсии по отдельным голосам сгущается до идеального музицирования и вместе с тем - до презентации особых тембров всех четырех инструментов. Особенно убедительны в музыкальном оформлении зеркальные фуги, особенно Contrapunctus 13a и b, которые дают возможность последовать (сопрано) и альту в строгом диалоге с баритоном, а затем с тенором. Наконец, все четыре инструмента объединяются в четверной фуге, которая обрывается на третьей теме B-A-C-H, в том месте, где на последней странице автографа имеется рукописное дополнение, возможно, от Карла Филиппа Эмануила Баха: "NB Ueber diser Fuge, wo Der Nahme B A C H im Contrasubject angebracht worden, ist der Verfaßer gestorben". Здесь загадочное произведение как бы раскрывается в своей основе; интерпретация достигает здесь своей кульминации и завершения.

Так вместе с голосом тенор-саксофона затихает монументальная фуга Баха, сочинение, которое первоначально было написано, возможно, еще на последнем этапе здоровья Баха, т.е. между 1747 и началом 1750 года, в качестве ежегодного подарка для "Корреспондентского общества музыкальных наук". Бах был принят в Академию, основанную Мизлером фон Колофом, в 1747 году и выполнил обязательство ежегодно приносить в дар по меньшей мере одно произведение в течение первого года - сочинение "Einige canonische Veränderungen über Vom Himmel hoch". Таким образом, была выдвинута идея, что настоящее фуговое сочинение было начато после посещения Бахом Потсдамского дворца, т.е. параллельно с "Музыкальным приношением", и процветало до тех пор, пока жалоба на глаза не положила конец работе.

Рецензии

Rheinische Post, 15/4/93: "Тот, кто хоть раз слышал, как замечательный берлинский квартет саксофонов играет "Искусство фуги" Баха, сразу же отбросил все сомнения по поводу этого диковинного инструментария. Ансамбль играет с такой ловкостью и красотой звука, что кажется, будто старый Бах передал свое одобрение из Элизиума"
Fanfare (USA) 9/94: "Прекрасные, чуткие музыканты. Великолепно записанное исполнение с прозрачностью и детальностью"
Rondo 04/2018: "Подобную более чем убедительную версию представил Берлинский квартет саксофонов в 1990 г. С помощью сопрано, альт, тенор и баритон-саксофонов музыканты превратили "Искусство фуги" в чрезвычайно гармоничную мешанину голосов и настроений, где мелькают даже заимствования из джаза и минимализма Майкла Наймана."

Органные произведения Пахельбеля в объемном звучании II

Мы открыли нашу новую полную запись органных и клавесинных сочинений Иоганна Пахельбеля, самого значительного композитора южногерманской органной традиции, сразу на 5 CD - и все CD в объемном звучании с первоклассными органистами за разными органами, и пресса была в восторге. "Здесь все на высоте! Этот проект имеет все шансы стать одним из самых значительных на сегодняшний день" (Toccata 01 / 2015). Два компакт-диска второго тома также основаны на новом собрании и развитии сохранившегося фонда. Расположение пьес в записи изначально основано на последовательности переложений хоралов в издании. В результате получились программы с тематическими акцентами: Рождество, Страсти, Пасха, псалмы, катехизические песни. Вокруг хоралов группируются произведения различных жанров: Токкаты, фуги, фуги Магнификата, циаконы и фантазии. Новая запись приглашает всех слушателей заново открыть для себя мастерство и многогранность клавирного композитора Пахельбеля.

Информация о продукте

Органные произведения Пахельбеля в объемном звучании, том 2

Мы открыли нашу новую полную запись органных и клавесинных сочинений Иоганна Пахельбеля, самого значительного композитора южногерманской органной традиции, пятью дисками в объемном звучании с участием лучших органистов, играющих на различных органах, - и пресса была в восторге: "Здесь все идеально! У этого проекта есть задатки одного из самых значительных на сегодняшний день" (Toccata 01 / 2015). Два компакт-диска, входящие в состав тома 2, также основаны на новом собрании и издании сохранившихся нотных материалов. Порядок следования произведений в записи изначально соответствует последовательности хоральных установок в музыковедческом издании. В результате получились программы с особым тематическим акцентом: рождественские, страстные, пасхальные, псалмовые и катехизические песнопения. Вокруг хоралов сгруппированы произведения, представляющие различные жанры: токкаты, фуги, фуги "Магнификат", чаконы, фантазии. Эта новая запись - приглашение слушателям во всем мире заново открыть для себя многогранность Пахельбеля как клавирного композитора.

Чистый восторг: полные симфонии Шпора в объемном звучании теперь в доступном бокс-сете

Вряд ли кто-либо из композиторов инструментальной музыки, кроме Бетховена, получил в первой половине XIX века столько внимания и признания, как Луи Шпор. После смерти Бетховена в марте 1827 года широкие круги европейской музыкальной общественности считали его величайшим из ныне живущих композиторов. "Кто еще теперь будет писать симфонии?" - риторически вопрошал в 1828 году видный музыкальный критик Фридрих Рохлиц: Шпор должен был продолжить начатое Бетховеном. Уже в то время симфонии Шпора можно было воспринимать как абсолютную противоположность бетховенской симфонии: Если в симфониях Бетховена господствует гениальный произвол, то в симфониях Шпора - классическая упорядоченность. Как бы то ни было, Шпор занимал важное место в концертной жизни своего времени и поэтому заслуживает переоценки. Говард Гриффитс записал полное собрание симфонических сочинений Шпора с Радиофилармонией НДР для cpo, используя новое критическое издание. То, что при этом состоялась мировая премьера 10-й симфонии, которую Шпор изъял из обращения, - замечательный побочный эффект! "Один из самых важных проектов лейбла cpo", - писал klassik-heute. com после выхода 4-го тома нашего издания всех симфоний Шпора, которое получило высокую оценку и по другим параметрам.

Информация о продукте

Совершенно захватывающее - Полное собрание симфоний Шпора в объемном звучании теперь доступно по специальной цене в бокс-сете

В первой половине XIX века Луи Шпор как композитор инструментальной музыки уступал по степени внимания и признания только Бетховену. После смерти Бетховена в 1827 году он рассматривался широкими слоями музыкальной общественности как величайший из ныне живущих композиторов. В 1828 году ведущий музыкальный критик Фридрих Рохлиц риторически вопрошал: "Кто еще должен теперь писать симфонии?" Шпор должен был продолжить начатое Бетховеном. Однако уже тогда симфоническая музыка Шпора была признана абсолютной противоположностью типу бетховенской симфонии. Если в творчестве Бетховена господствует гениальная музыкальная вольность, то у Шпора - классический порядок. Но неважно - он был ведущей фигурой в концертном мире своего времени и потому заслуживает новой оценки. Говард Гриффитс записал полное симфоническое творчество Шпора для cpo с Филармоническим оркестром Радио NDR на основе нового критического издания партитур. После того как Шпор снял с производства Симфонию № 10, здесь она наконец-то получила прекрасную мировую премьеру! После выхода 4-го тома нашего общепризнанного полного издания его симфоний klassik-heute. com написал: "Один из самых значительных проектов лейбла cpo!"

Рецензии

klassik.com 09/11: "Запись звучит очень естественно и может раскрыть все свое великолепие, особенно в формате SACD"

FonoForum 10/11: "Запись сыграна с большим темпом, энергичной артикуляцией и приятным шероховатым звуком, заставляющим вспомнить об оригинальном дробном звучании."

klassik-heute.com 09/08: "Эта тщательность здесь вновь оказалась уместной, поскольку, очевидно, к тонкому богатству нюансов и "бидермайеровскому" драматизму его Второй симфонии (1820) или филигранным переливам так называемой "английской" Восьмой 1847 года нужно относиться как к превосходному вину: Не пригубить, а дать ему подышать, чтобы ароматы раскрылись и заполнили пространство. Тогда лучшие вещи Луи Шпора - большая часть его концертов, во многом изысканная камерная музыка и симфонии - будут не только приятными, но и очень вкусными"

klassik-heute.com 12/07: "Серия начинается с Третьей симфонии - серьезного, весомого произведения, плотно выстроенного и мелодически восхитительного, которое совершенно захватывающе слушать в новой записи под управлением разностороннего англичанина Говарда Гриффитса"

Kurier am Sonntag (Австрия) 12/07: "Прекрасное, очень хорошо реализованное начало полной записи"

Münsterländische Volkszeitung 12/07: "Самая первая запись последней, десятой симфонии Шпора. Хриплое, почти ломкое старинное произведение в ми-бемоль мажоре, очень концентрированное и остроумное, полное неожиданных поворотов, но без малейшей тенденции к потворству. Как будто композитор хотел показать, как бы продолжалась симфония после Моцарта и Гайдна, если бы Бетховен так бессовестно все не перемешал..."

klassik-heute.com 10/2013: "Один из самых важных проектов оснабрюкского лейбла cpo. Особенно четвертая симфония "Die Weihe der Töne" превосходит по своей ощутимой программности Бетховена и даже Берлиоза и, таким образом, указывает прямо вперед на Листа, Вагнера и Штрауса.но прежде всего Шпор реализовал в Четвертой симфонии свои собственные модели идей и формы, которые сегодня кажутся захватывающе современными и которым следует уделять гораздо больше внимания в контексте романтизма. Поэтому очень удачно, что эти шедевры во всех отношениях образцово представлены в издании cpo. Кроме того, замечательно ярко изображен оркестр"

klassik.com 10/2013: "Восхитительная запись"

Pizzicato. lu 12/2013: "Это объемное издание очень хорошо сделано. В нем представлены три великолепно сыгранных произведения. Прозрачная, красочная и энергичная игра Радиофилармонии НДР - именно то, что нужно этой музыке для оптимального воздействия на слух"

klassik-heute.com: "Действительно, симфонии №№ 7 и 9 - одни из самых интересных и сложных творений Майстера Шпора. В звуковом отношении звукорежиссеры NDR проделали отличную работу, что является выдающимся достижением, особенно в сложной многослойной оркестровке Седьмой симфонии.вступительный текст также безупречен и содержит массу полезной информации - неудивительно, ведь он вновь написан Бертом Хагельсом, редактором издания партитуры, которое теперь, надеюсь, будет исполняться во многих местах"

Ларс Ульрик Мортенсен и Месса си минор Баха Впечатляющая прозрачность сольного хора

Ведущий скандинавский ансамбль, культивирующий историческую исполнительскую практику
Concerto Copenhagen под руководством Ларса Ульрика Мортенсена сегодня считается одним из самых ярких и изобретательных оркестров в своей области, чья жизненная сила, чувство стиля и способность к общению стали безошибочной визитной карточкой. Поэтому мы решили выпустить Мессу си минор Баха на двух SACD-дисках (да еще и в высококачественном объемном звучании!) с этим выдающимся коллективом и высококлассными солистами. Месса си минор считается одной из самых высоких вершин в истории музыки. В данной записи размер оркестра соответствует тому составу, который был в распоряжении Баха, и настроен в более низком концертном тоне, который был распространен в то время. Однако использование сольных партий в большинстве хоральных частей является спорным. Это связано с различными, крайне противоречивыми теориями, начало которым положил в 1981 году американский дирижер и музыковед Джошуа Рифкин, считающий, что большинство хоровых произведений Баха предназначалось для сольных голосов. Клавесинист и дирижер Ларс Ульрик Мортенсен описывает эту идею как новый способ мышления, который "медленно, но верно меняет всю нашу концепцию тональной вселенной Баха и является, на мой взгляд, одним из наиболее важных современных открытий в исторической исполнительской практике". Он продолжает: "По сравнению с более традиционными, большими ансамблями, отношения между певцами и исполнителями полностью меняются, что неизбежно делает музыку гораздо более легкой и прозрачной. Певческие голоса "индивидуализируются", возникает более выраженный контраст между "индивидуальным" и "групповым", что вообще является чрезвычайно важным архитектоническим аспектом в вокальной музыке Баха. Это делает возможным и необходимым прояснение бесчисленных деталей, которые в противном случае были бы утеряны". Соответственно, в хоральных партиях солисты были усилены только одним певцом-рипиено. Слышимость и прозрачность просто захватывает дух!

Информация о продукте

Ларс Ульрик Мортенсен и Месса си минор Баха

Впечатляющая прозрачность с хором солистов
Concerto Copenhagen, ведущий скандинавский коллектив в области исторической исполнительской практики, под руководством художественного руководителя Ларса Ульрика Мортенсена сегодня считается одним из самых ярких и изобретательных оркестров в этой области. Жизнерадостность, чувство стиля и коммуникативный талант оркестра стали его визитной карточкой. В связи с этим мы решили выпустить Мессу си минор Баха на двух SACDS (к тому же в качественном объемном звучании) с участием этого выдающегося коллектива и высококлассных солистов. Месса си минор считается одним из выдающихся достижений истории музыки. В данной записи инструментальные размеры оркестра соответствуют размерам ансамбля самого Баха; здесь также используется привычный для его времени более низкий концертный шаг, являющийся эталоном настройки. Однако использование сольных голосов в большинстве хоровых номеров является спорным. Этот конфликт восходит к крайне спорным теориям, выдвинутым в 1981 году американским дирижером и музыковедом Джошуа Рифкиным, который считал, что большинство хоровых произведений Баха предназначалось для сольных голосов. Клавесинист и дирижер Ларс Ульрик Мортенсен называет эту идею новым подходом, который "медленно, но верно меняет все наши представления о тональной вселенной Баха и, на мой взгляд, относится к числу наиболее важных современных открытий в исторической исполнительской практике" Он продолжает следующим образом: "По сравнению с более традиционными, большими ансамблями, соотношение между вокалистами и инструменталистами полностью меняется, так что музыка обязательно становится гораздо более легкой и прозрачной. Вокальные партии "индивидуализируются", возникает более выраженный контраст между "индивидуальным" и "групповым", что вообще является чрезвычайно важным архитектоническим аспектом в вокальной музыке Баха. Поэтому становится возможным и необходимым высветить бесчисленные детали, которые в противном случае были бы утеряны" Соответственно, в хоровых номерах солисты в каждом случае усилены одним певцом-рипиено. Глубина и прозрачность звука поражают воображение!

Отзывы

klassik.com 12/2015: "Месса си минор Баха с Копенгагенским концертом: действительно удачная, живая заявка на размышления Рифкина о баховском хоре, конкретизированная Парротом. В то же время впечатляющее художественное и вокальное исполнение.в таком "полном" инструментарии результат звучит необычайно легко, структурно ясно, он обладает почти обескураживающей интенсивностью, если полностью погрузиться в густую сеть средних и нижних голосов. Это часто кажется мерцающе виртуозным, хотя и мотивированным удивительно интенсивной, точно не хоровой интерпретацией текста. Звуковой образ ясный, некоторого, безусловно, очень хорошо контролируемого размера, к тому же богатый яркими деталями"

Музыкальные драгоценности XV века

Stimmwerck уже получил высшую оценку от klassik-heute. de за компакт-диск cpo с "Немецкими церковными песнями". Исполнители проявили себя как "первоклассные интерпретаторы". Отличное понимание текста дополняется тонким музыкальным оформлением содержания" В очередной раз оживленный мюнхенский вокальный квартет Stimmwerck отправился в путь по интересным и малопроторенным тропам европейской музыкальной истории. Запись позднесредневековых мотетов и песен Брассарта, Мартини, Руле и Анонима из различных рукописных источников представляет собой обширный срез ранней вокальной музыки, в котором уникальным образом ощущается как жизнерадостность, так и глубокое благочестие той эпохи. Редко когда архаическое вокальное искусство было столь трогательным. Эти произведения были записаны в рамках научно-исследовательского проекта "Музыкальная жизнь позднего Средневековья в регионе Австрия (ок. 1340 - ок. 1520 гг.)" и позволяют музыкально прочувствовать эпоху, когда Габсбурги стали мировой державой, а Вена - городом музыки.

Информация о продукте

Музыкальные жемчужины XV века

За компакт-диск Deutsche Kirchenlieder cpo компания Stimmwerck также получила высшую награду от журнала klassik-heute. Исполнители проявили себя как "первоклассные интерпретаторы". Выдающаяся текстовая разборчивость дополняется нюансным музыкальным оформлением содержания" И вновь Stimmwerck, удивительно изобретательный мюнхенский вокальный квартет, отправляется в путь по захватывающим и неизведанным тропам европейской музыкальной истории. Представленная запись, включающая позднесредневековые мотеты и песни Брассарта, Мартини, Рулле и анонимных композиторов из различных рукописных источников, дает глубокий срез ранней вокальной музыки, в которой уникальным образом ощущаются радость жизни и глубокое благочестие той эпохи. Архаичное вокальное искусство редко бывает столь трогательным. Эти произведения, записанные в рамках музыковедческого проекта "Musikleben des Spätmittelalters in der Region Österreich (ca. 1340-ca. 1520)", посвященного позднесредневековой музыке, зафиксированной в австрийской сфере влияния, дают нам возможность прочувствовать в музыке ту эпоху, когда Габсбурги стали мировой державой, а Вена - столицей музыкального мира.

Отзывы

klassik.com 09/2015: "В итоге получился интересный научный труд с приятной музыкально-интерпретационной отдачей. Движениям стоит пожелать закрепления в репертуаре, хотя нет уверенности, что это действительно произойдет за пределами данного диска"

Информация о продукте:

Блестящий Шуман из Дании

Молодой швейцарский дирижер Симон Гауденц в последние годы заявил о себе прежде всего как интерпретатор классического репертуара. Его записи и концерты отличает свежий, непривычный подход на фоне исторически обоснованной исполнительской практики. В последние годы он сотрудничает с симфоническим оркестром города Оденсе (родина Х.К. Андерсена и Карла Нильсена!) в качестве главного приглашенного дирижера. Этот оркестр, который после Симфонического оркестра Датского радио в Копенгагене, безусловно, является одним из лучших в Дании, сразу же почувствовал, что с этим революционером за дирижерским пультом могут произойти необыкновенные вещи. Они остановили свой выбор на Шумане. И вот удача: никогда еще Шуман не звучал так свежо, так прозрачно, так аналитично, так захватывающе, словом, так интересно. И все это в объемном звучании и по такой непревзойденной цене....

Информация о продукте

Ослепительный Шуман из Дании

В последние годы молодой швейцарский дирижер Симон Гауденц заявил о себе, прежде всего, как интерпретатор классического репертуара. Свежий, новый подход на фоне исторически обоснованной исполнительской практики характеризует его записи и концерты. В это же время он сотрудничал с Симфоническим оркестром города Оденсе на острове Фюнен (родина Ганса Христиана Андерсена и Карла Нильсена!), выступая в качестве главного приглашенного дирижера. Этот оркестр, считавшийся одним из лучших в Дании наряду с Симфоническим оркестром Датского радио в Копенгагене, сразу почувствовал, что с этим революционером за дирижерским пультом можно совершить необыкновенные вещи. Было решено взять Шумана. И что же получилось: так свежо, так прозрачно, так аналитично, так увлекательно - словом, никогда еще мы не слышали такого захватывающего исполнения Шумана. И, в довершение всего, в объемном звучании и по такой беспрецедентной цене!

Отзывы

Кристоф Йетцшке в klassik-heute.com 06/2015: "Первое, что бросается в глаза, - это поистине вдохновляющее настроение игры Датского симфонического оркестра Оденсе. Куда бы вы ни прислушались, везде пульсирует страсть, которая (не перебарщивая) равномерно распределена в четких градациях буйства, интимности, тоски, но также и одержимости.я не побоюсь назвать эту запись пиршеством шумановской звуковой магии, чему, конечно же, способствуют и прекрасно сбалансированные и слаженные инструментальные группы.красноречивое и филигранное прочтение Шумана швейцарским композитором заставляет безраздельно владеть вниманием в каждый момент времени и убедительно в чисто звуковом отношении - это супер объемное звучание - даже на обычной стереосистеме. Для меня, наряду с упомянутой в начале записью Гардинера, это самое убедительное, что может предложить рынок звукозаписи в плане полных записей симфоний Роберта Шумана."
concerti 10/2015: "Этот двойной диск можно с уверенностью отнести к эталонным записям"
artistxite.de: "Очищенный от грязи и пыли: захватывающая, волнующая и захватывающая полная запись четырех симфоний Шумана. Слишком редко можно услышать "Весеннюю симфонию" и оптимистичную "Рейнскую симфонию" с такой энергией, жизнерадостностью и энергией.даже меланхолия, несомненно, являющаяся неотъемлемой частью амбивалентной личности и тонального языка композитора из Цвиккау, звучит лучше, драматичнее и достовернее, без затянутости, свойственной другим записям. Вывод: симфонии Шумана, освобожденные от балласта затянутости и излишне романтизированных жестов, - это захватывающая, волнующая и захватывающая музыка"
FonoForum 06/16: "Швейцарец Симон Гауденц может считаться большим сюрпризом в Первой симфонии. Он достигает удивительно интенсивного исполнения с датским оркестром. Легкий, решительный, дерзкий, затем снова мечтательный. С историческим подходом он передает элантовую жизненную силу этой музыки в стройной, приятно подвижной манере - юноша Шуман, чья Первая действительно предстает здесь как удар гения!"

Информация о продукте:

Видор Симфонии для органа соло op. 13

Шарль-Мари Видор - это имя является олицетворением французской органной музыки XIX века. Выдающийся органный мастер Кавайе-Колл взял его в ученики, а также рекомендовал на должность титулярного органиста Сен-Сюльпис. Видор быстро заявил о себе как композитор, а его 10 симфоний для органа соло до сих пор считаются non plus ultra виртуозной французской школы. Исполнителем первых, недавно записанных симфоний для органа соло вновь стал Кристиан Шмитт, пожалуй, самый выдающийся немецкий органист молодого поколения. Его запись симфоний для органа ор. 42, 3 и 69 была удостоена премии ECHO Klassik 2013. Симфонии op. 13 он исполняет на органе церкви аббатства Сент-Уэн, построенном Аристидом Кавайе-Коллем в 1888-1890 годах. Шарль-Мари Видор, по преданию, сказал, что этот инструмент - "орган Мишеля-Анжа". Аллюзия на художника-универсала Микеланджело вполне может означать, что Видор считал этот инструмент столь же универсальным, сколь и совершенным. Орган Сен-Уана - один из последних инструментов, построенных Кавайе-Коллем, он даже сохранился без изменений и поэтому имеет большое историческое значение. И это замечательно, что мы можем услышать эту музыку и орган в захватывающем объемном звучании.

Информация о продукте

Симфонии Видора для органа соло op. 13

Шарль-Мари Видор - это имя является синонимом французской органной музыки XIX века. Ведущий органный мастер Аристид Кавайе-Колл взял Видора под свое крыло еще в школьные годы и впоследствии рекомендовал его на должность титулярного органиста Сен-Сюльпис. Видор быстро заявил о себе и как композитор, а его десять симфоний для органа соло и сегодня считаются non plus ultra виртуозной французской школы. Кристиан Шмитт, безусловно, самый выдающийся немецкий органист молодого поколения, вновь выступает в качестве исполнителя нашего первого, только что записанного сольного опуса Органных симфоний. Его запись органных симфоний op. 42, 3 и 69 была удостоена премии ECHO Klassik в 2013 году. Симфонии op. 13 он исполняет на органе церкви аббатства Сент-Уэн, построенном Кавайе-Коллем в 1888-1890 годах. Шарль-Мари Видор, по преданию, назвал этот инструмент "органом Мишеля-Анжа" Ссылку Видора на художника-универсала Микеланджело следует понимать так, что он считал этот инструмент столь же многогранным, сколь и совершенным. Орган Сен-Уан был одним из последних инструментов, построенных Кавайе-Коллем, и даже сохранился без изменений, что придает ему большое историческое значение. К тому же он просто великолепен

Отзывы

BR 12/2014: "То, что Кристиан Шмитт извлекает из шедевра Кавайе-Колла здесь, между поэзией и безудержной, захватывающей мощью игры и красочными валерами, но при этом "трубит", колеблется между нежно-таинственной медитацией и удивительно величественно-виртуозным звуковым великолепием, и это захватывает дух!"

Информация о продукте:

Северогерманское органное барокко XIII

Помимо небольших полных органных произведений Давида Абеля, Иоганна Бэра, Якоба Бёльше, Петруса Хассе I и II, Вильгельма Каргеса, Иеронима Праэториуса III, Андреаса Веркмайстера и Мельхиора Вольтмана, 13-й том нашего издания органных произведений северогерманского барокко посвящен прежде всего полным органным произведениям Михаэля Праэториуса, который был исключительной фигурой среди немецких музыкантов на рубеже от позднего Возрождения к раннему барокко. Он был не только органным композитором выдающегося уровня, но и музыкальным консультантом и организатором, автором литургической музыки, отличающейся широтой выражения по форме и содержанию, а также достиг общерегионального значения как автор музыкальных трудов, которые актуальны и сегодня, и должен рассматриваться как первый действительно профессиональный немецкий музыковед. Эти немногие сохранившиеся органные сочинения позволяют считать М.П. одним из великих мастеров немецкого органного искусства, еще до эпохи влияния голландской клавирной музыки, например, Яна Питерсзона Свелинка, и новых музыкальных форм так называемой "seconda pratica" Монтеверди и многих других итальянских композиторов. Впоследствии они оказали значительное влияние на музыку MPC. Фридхельм Фламме использует эту интересную программу для портрета органа Кристофа Треутмана (1734-37) из монастырской церкви Святого Георгия в Граухофе близ Гослара.

Информация о продукте

Северогерманское органное барокко Том 13

Наряду с небольшими полными органными сочинениями Давида Абеля, Иоганна Бэра, Якоба Бёльше, Петруса Хассе I и II, Вильгельма Каргеса, Иеронима Праэториуса III, Андреаса Веркмайстера и Мельхиора Вольтмана, 13-й том нашего полного собрания органных сочинений северогерманского барокко посвящен прежде всего полному органному творчеству Михаэля Праэториуса (MPC), который был исключительной фигурой среди немецких музыкантов в период перехода от позднего Ренессанса к раннему барокко. Он был не только выдающимся органным композитором, но и выдающимся музыкальным консультантом и организатором, а также сочинителем литургической музыки, отличающейся большой выразительностью формы и содержания. Кроме того, он был широко известен как музыкальный писатель, значительный вклад которого в эту область ощущается и сегодня, и считается первым по-настоящему профессиональным немецким музыковедом. Немногочисленные сохранившиеся органные сочинения М.П. подтверждают его статус одного из величайших мастеров немецкого органного искусства, еще до эпохи влияния голландской клавирной музыки, например, Яна Питерсзона Свелинка, и новых музыкальных форм так называемой seconda pratica Монтеверди и многих других итальянских композиторов. Впоследствии эти композиторы окажут явное влияние на музыкальное творчество MPC. Фридхельм Фламме использует эту интересную программу для представления портрета органа Кристофа Треутманна (1734-37 гг.) в монастырской церкви Святого Георгия в Граухофе, близ Гослара.

Отзывы

klassik.com 12/2014: "Фридхельм Фламме убедительно играет на восхитительном органе. Именно три большие хоральные фантазии показывают, насколько властно Праэториус владел формой и содержанием: в разросшемся богатстве вариаций композитор создает сложное движение, богатое изяществом, черпая из пышного фонда XVI века, снова и снова встраивая новые элементы.органист Фридхельм Фламме движется по этой программной местности, характерной для серии, с сомнамбулической уверенностью: мануал и педаль у него безупречны, он разворачивает музыку технически идеально и непринужденно, даже в быстрых прогонах он кажется не напряженным.чтобы добиться такого успеха, нужно обладать глубоким пониманием и большим мастерством. Звучание также очень приятное. Из и без того высокого уровня серии органной музыки северогерманского барокко этот особенно удачный комплект, кажется, выделяется еще больше: программно абсолютно актуальный и великолепно сыгранный на интереснейшем инструменте"
ich-habe-gehoert. blogspot.de 05/2015: "Если вы интересуетесь северогерманской органной музыкой, вы не можете пропустить эту запись

Информация о продукте:

Северогерманское органное барокко XII

В двенадцатом томе наших органных произведений северогерманского барокко собраны все сохранившиеся произведения Маттиаса Векмана, которые действительно можно отнести к этому органу. Современный электрический двигатель нагнетателя полностью отсутствует; вместо него историческая система сильфонов приводится в действие мускульной силой двух линекетеров. Гибкая подача и взрыв ветра, а также соответствующие звуки сильфонов создают живой звуковой образ в ощущении исторической достоверности. Маттиас Векман, родившийся в Нидердорле, близ тюрингского имперского города Мюльхаузен, сын органиста и пастора Якоба Векмана, уже в 1628 году был капельмейстером в Дрезденской придворной капелле, которой руководил Шютц. Шютц также позаботился о том, чтобы Векман получил от курфюрста стипендию для получения глубокого органистического и композиторского образования у знаменитого органиста Петри Якоба Праториуса из Гамбурга. Музыка Векмана, как и музыка его последующего учителя Шютца, отличается необычайно интенсивной связью слова и звука (особенно в вокальной музыке) и доходит до пределов гармонии в своей контрапунктической сложности с тональной суровостью.

Информация о продукте

Северогерманское органное барокко Том 12

В 12-м томе нашего издания органных произведений северонемецкого барокко собраны все сохранившиеся сочинения Маттиаса Векмана, которые действительно можно отнести к органу. Современный электрический двигатель сильфона не использовался, а для приведения в действие исторического сильфонного устройства использовалась мускульная сила двух калькантов. Гибкая подача ветра, коэффициент силы ветра и соответствующие шумы, издаваемые сильфоном, позволяют получить яркую звуковую картину, отвечающую требованиям исторической достоверности. Матиас Векман, родившийся в семье органиста или пастора Якоба Векмана в Нидердорле, недалеко от тюрингского имперского города Мюльхаузен, уже в 1628 году был мальчиком-хористом в дрезденской придворной капелле под руководством Генриха Шютца. Именно Шютц позаботился о том, чтобы Векман получил стипендию от принца-курфюрста для основательной подготовки органиста и композитора у Якоба Праэториуса, знаменитого органиста церкви Святого Петра в Гамбурге. Музыка Векмана, как и его учителя Шютца, отличается необычайно интенсивной взаимосвязью слова и тона (прежде всего в вокальной музыке) и в своей контрапунктической сложности с тональными диссонансами граничит с гармонией.

Отзывы

klassik.com 07/2014: "Композиторских работ Векманна сохранилось сравнительно немного, но все, что известно о нем сегодня, отличается замечательным качеством. Несколько частей поразительно индивидуальны - по своим выразительным качествам, по восхитительной гармонической смелости, по ярким формальным формам. Вновь и вновь видно, что Векманн умел элегантно развернуть тональное великолепие. Фридхельм Фламме использует программу Векманна для создания замечательного портрета этого действительно интересного органа"

klassik-heute.com 08/2014: "В своей громкой антологии северогерманской органной музыки Фридхельм Фламме завершает десятку этой записью - и отмечает это знаменательное событие с первоклассным мастером, который ранее не был отмечен по достоинству в дискографии.великолепное звучание органа Иоганна Патрокла Мёллера, который, впрочем, несколько мягче по тембру, чем гамбургский инструмент Шнитгера, делает все возможное, чтобы этот диск обладал всеми качествами, которые должны сделать его любимым среди друзей органной музыки"

Трогательное музыкальное траурное произведение

Уникальным в истории музыки является случай, когда композитор столкнулся с темой умирания и смерти в трех совершенно разных текстовых моделях: в классической теме католического реквиема, в протестантской кантате, так сказать, на слова немецкой Библии и песенные стихи, и в стихотворении, которое он создал сам. Генрих фон Герцогенберг, которому cpo посвящает почти полное издание его сочинений, прошел через эту траурную работу. Если его Реквием был написан в 1890 году без особого повода, то два других произведения следует рассматривать как художественную реакцию на два болезненных удара судьбы: в 1894 году лучший друг Герцогенберга Филипп Шпитта скоропостижно скончался от сердечного приступа в возрасте всего 52 лет. Через год Герцогенберг сочинил его погребальный гимн для посвящения надгробия. Однако двумя годами ранее его постигла гораздо более тяжелая утрата: его любимая жена Элизабет скончалась от давней болезни сердца: ей было всего 44 года. Герцогенберг практически с головой ушел в работу, чтобы продолжить звуковое наследие своей жены. Он написал свою великую "Церковную кантату на праздник мертвых". Текст он составил сам из библейских слов и хоральных стихов. В такой личной форме она стала аналогом "Немецкого реквиема" Брамса. Макс Брух писал после премьеры: "Герцогенберг имел смелость выразить себя именно так, как он чувствовал в своем сердце, и эффект не пропал

Информация о продукте

Волнующая музыкальная печаль

Уникальный случай в истории музыки, когда композитор обратился к теме умирания и смерти на основе трех совершенно разных текстов: классической темы католической заупокойной мессы (Реквиема), произведения, которое лучше всего назвать лютеранской кантатой, опирающейся на немецкие тексты из Библии и строфы гимнов, и поэмы собственного сочинения. Генрих фон Герцогенберг, которому КПО посвящает издание, содержащее почти все его произведения, решил справиться с горем именно таким образом. Реквием он написал в 1890 году без особого повода, но два других его произведения представляют собой художественную реакцию на два личных и печальных удара судьбы. Филипп Шпитта, его лучший друг, неожиданно умер от сердечного приступа в 1894 году, когда ему было всего 52 года, и Херцогенберг написал "Погребальную песнь" для посвящения надгробного камня в следующем году. Двумя годами ранее Герцогенберг пережил гораздо более тяжелую утрату, когда его любимая жена Элизабет скончалась от хронической болезни сердца в возрасте сорока четырех лет. Чтобы увековечить музыкальное наследие жены, Герцогенберг погрузился в работу, написав грандиозную "Церковную кантату в память об умерших" (Kirchenkantate auf das Todtenfest). Тексты для нее он составил сам из библейских отрывков и строф гимнов. В таком индивидуальном виде она стала аналогом "Немецкого реквиема" Брамса. После премьеры Макс Брух писал: "Херцогенберг имел смелость выразить именно то, что он чувствовал в своем сердце, и эффект не преминул проявиться"

Рецензии

Concerti. de 08/2014: "Эта то спокойно-текучая, то гимнически-парящая, суггестивная музыка с эффектными деталями околдовывает слушателя. Громовой раскат ударных сотрясает слух, назидательная труба дает поразительное соло, струнные метают жгучие молнии. Хор и оркестр гармонично дополняют друг друга и заставляют эти произведения светиться"
klassik-heute 07/2014: "Монтевердихор Вюрцбурга под управлением Беккерта предстает как превосходный, очень плотный и контролируемый орган, сбалансированный во всех регистрах и звучащий очень молодо. Вместе с Тюрингенской филармонией Готы, которой, как сказано, предписано быть тонально скромной, поздние произведения Херцогенберга омываются восхитительно отстраненным светом, несколько назаретским настроением, что очень подходит этим произведениям."

Информация о продукте:

Северогерманское органное барокко XI

В 11-м томе нашего издания органных произведений северогерманского барокко представлены органные сочинения Кристиана Флора, Дитриха Мейера, Иоганна Декера, Маркуса Ольтера, а также все сохранившиеся органные произведения Дельфина Штрунка и его сына Николауса Адама Штрунка. Предположительно, Дельфин Штрунк родился как сын брауншвейгского органиста Иоахима Штрунка, однако об образовании Дельфина Штрунка практически ничего не известно. Помимо органиста, он активно работал как композитор для города Брауншвейга, но, к сожалению, кроме хороших отношений Штрунка с Генрихом Шютцем, о его северогерманских современниках известно мало, однако контакты более чем вероятны. Одним из самых ярких и разносторонних немецких музыкальных деятелей второй половины XVII века был, несомненно, его старший сын Николаус Адам Штрунк, который, благодаря широте своего композиторского творчества и заимствованию форм, испытавших итальянское и южногерманское влияние, внес новые элементы в северогерманскую школу своими 7 каприччио и 2 ричеркаре в "stile classico" или "antico", подобно тому, как это сделал несколькими годами ранее Маттиас Векманн при изучении клавирных сочинений Иоганна Якоба Фробергера.

Информация о продукте

Северное немецкое органное барокко, том XI

В XI томе нашего издания органных сочинений северогерманского барокко представлены полные сохранившиеся органные сочинения Дельфина Штрунка и его сына Николауса Адама Штрунка, а также сочинения Кристиана Флора, Дитриха Мейера, Иоганна Деккера и Маркуса Ольтера. О музыкальном образовании Дельфина Штрунка почти ничего не известно, но считается, что он был сыном брауншвейгского органиста Иоахима Штрунка. Он активно работал как органист, выполнял композиторские обязанности для города Брауншвейга, поддерживал хорошие отношения с Генрихом Шютцем. Вполне вероятно, что он общался и с другими северогерманскими музыкантами того времени, но достоверно об этом почти ничего не известно. Его старший сын Николаус Адам Штрунк был, бесспорно, одной из самых ярких и многогранных немецких музыкальных личностей второй половины XVII века. Широта его композиторского творчества и использование форм итальянского или южногерманского влияния в семи каприччио и двух ричеркарах в стиле классико или антико внесли новые элементы в северогерманскую школу, как это сделал несколькими годами ранее Маттиас Векманн, занимаясь клавирным творчеством Иоганна Якоба Фробергера.

Отзывы

klassik-com 04/2014: "Фридхельм Фламме, конечно же, доказывает свое выдающееся техническое мастерство, свое высоко дифференцированное искусство артикуляции, свое мануальное присутствие и в этой части серии, которая будет издана cpo. Фламме приобрел уникальный опыт и развил его на пути через непростой репертуар. Он обогащает знание северогерманского органного барокко с необычайным упорством. Кроме того, как всегда, здесь можно услышать прекрасные портреты очень интересных органов."