Фирма Challenge

В XVII и XVIII веках семья Бахов с её многочисленными ветвями занимала особое место в музыкальной жизни Средней Германии. На протяжении нескольких десятилетий её члены были гарантами высокого музыкального качества при многочисленных княжеских дворах, а также в церковных и городских учреждениях. К числу самых известных произведений Баха, созданных в Кётене, относятся шесть инструментальных концертов, которые капельмейстер посвятил в марте 1721 года маркграфу Кристиану Людвигу Бранденбургскому, отчего и возник используемый сегодня название «Бранденбургские концерты». Стилистически эти произведения относятся к так называемому «групповому концерту», который был особенно популярен в Германии. В этом концертном жанре различные сольные инструменты сочетаются друг с другом, благодаря чему в рамках одного концерта возникают самые разные тембры. В «Бранденбургском концерте № 5» ре мажор (BWV 1050) сольные партии исполняют поперечная флейта, скрипка и клавесин. «Бранденбургский концерт» № 3 соль мажор (BWV 1048), напротив, полностью посвящён струнным инструментам. Три скрипки, три альта и три виолончели образуют трихоральную структуру над континуо. Весной 1723 года Бах был наконец назначен кантором церкви Святого Фомы. На этой новой должности Бах отвечал прежде всего за сочинение и руководство церковной музыкой. Несмотря на такую рабочую нагрузку, в годы пребывания в Лейпциге Бах находил время и для занятий инструментальной музыкой, в том числе для сочинения концертов. Скрипичный концерт ля минор (BWV 1041) сохранился в виде партитур, датируемых примерно 1730 годом, которые Бах, почти наверняка, сочинил для своего лейпцигского Collegium musicum. Старший сын, Вильгельм Фридеманн, широко считается «любимым сыном» Иоганна Себастьяна Баха, за карьерой которого тот следил с особой отцовской любовью и заботой. Свою первую должность он получил в 1733 году в качестве органиста в церкви Святой Софии в Дрездене. Симфония фа мажор (Fk 67) Вильгельма Фридемана Баха для струнного оркестра была написана, по всей вероятности, во время его пребывания в Дрездене. Младший на четыре года брат Фридемана, Карл Филипп Эмануэль, также получил музыкальное образование у своего отца. Именно дипломат и меломан Готфрид ван Свитен в 1773 году побудил Баха сочинять новые симфонии, в которых композитор мог полностью дать волю своему творчеству, «не обращая внимания на трудности, которые неизбежно возникнут при исполнении». Они отличаются риторической динамикой, сильными контрастами и зачастую причудливыми мотивами и свидетельствуют о неудержимом творческом богатстве их создателя.

«Пандемия едва ли помогла развеять уныние среди исполнителей. Но эти месяцы для многих оказались также временем самоанализа и художественного возрождения; искусство стало питательной почвой для духовного роста, и так было и для меня; именно так и возникла работа, которую вы можете услышать на этом альбоме. В конце концов, у меня было много времени, чтобы каждый день посвящать этому проекту по несколько часов, причём в тихой обстановке, где музыка Баха звучала ещё умиротворяюще! Первым произведением, с которого я открываю этот альбом, является соната, которую я составил из трёх сонат Баха для скрипки соло. Хотя соната из шести частей и противоречит музыкальной традиции, с музыкальной точки зрения я считаю это очень удачным решением.

Вскоре после этого я обратил свой жадный взор на ранние произведения для органа и клавесина. «Хроматическая фантазия» символизирует для меня раннего Баха — композитора, находившегося под сильным влиянием фантастического стиля своего кумира и предшественника Дитериха Букстехуде.
Фантазия BWV 922, в целом, казалась более сложной задачей. Я хотел дать волю своему творчеству, чтобы адаптировать фактуру так, чтобы максимально точно передать гармоническую сложность и захватывающий ход развития музыки.

Однако до этого я уже приступил к переработке самого известного органного произведения Баха — «Токкаты и фуги». В целом я бы назвал хорошей идеей избегать фуг в том, что я собираюсь делать, но эта оказалась для меня относительно простой.
Моя аранжировка Партиты BWV 1013, пожалуй, самая простая из всех моих транскрипций Баха. Мне нужно было лишь транспонировать её в тональность, которую я счёл более подходящей для моего инструмента. Я исполняю её на изогнутом сопрано-саксофоне Buescher 1924 года с подходящим мундштуком Buescher. Использование исторических саксофонов может привести к более лёгкому и прозрачному звучанию.
Тот же аргумент применим и к Прелюдии и аллегро из BWV 998, которую я записал на прямом альт-саксофоне Buescher 1927 года выпуска.»

Первый виолончельный концерт Сен-Санса и концерт Лало — оба являются произведениями позднего французского романтизма, и не случайно оба написаны в минорных тональностях
Исполнение Майи Богданович пронизано её славянскими корнями и подчеркивает страстный и трагический характер обоих произведений.
Это яркое и неповторимое исполнение дарит совершенно новый взгляд на два знаменитых произведения и, прежде всего, создает ощущение, будто вы присутствуете на живом концерте.

Шарль-Камиль Сен-Санс оказал особое влияние на свою эпоху как один из величайших представителей французского романтизма. В 1872 году Сен-Санс написал свой первый концерт для виолончели с оркестром, который относится к тому творческому периоду, когда композитор посвятил себя изучению выразительных возможностей этого инструмента. Сен-Санс, известный традиционной формой своих сочинений, написал концерт в трех частях, однако дал дирижеру возможность спланировать исполнение таким образом, чтобы оно плавно протекало как единое целое, состоящее из трёх отдельных частей, чего он добился за счёт переплетения схожих тематических материалов внутри частей, в основном на уровне оркестровой трансформации.

«Allegro appassionato» Сен-Санса, написанное для виолончели с оркестром, безусловно, является одним из самых прекрасных произведений романтического виолончельного репертуара. Это произведение было написано в 1876 году. Считается, что оно было сочинено с намерением исполнять его в качестве «биса».
Композитор Эдуард Лало (1823–1892), современник Сен-Санса, является ещё одной интересной фигурой французского романтизма. Концерт для виолончели ре минор сегодня пользуется большой популярностью у виолончелистов во всём мире. Лало сочинил его в 1877 году в сотрудничестве с бельгийским виолончелистом Адольфом Фишером, которому он и посвятил это произведение, и который ещё в том же году с большим успехом впервые исполнил его. Хотя в произведении явно не используются испанские народные мелодии, ритмические и мелодические особенности музыкального материала позволяют уловить темпераментный дух этой страны.

Интересное сотрудничество между Эриком Влойманом и Ravelli Brass. Первый «настоящий» альбом Эрика Влоймана в стиле брасс.

«Итак, вот мы здесь, и я действительно горжусь тем, что могу представить вам наш CD «Joyful Noise», который стал результатом великолепного сотрудничества и слияния различных музыкальных течений. В 2021 году лейбл Challenge Records предоставил мне возможность разработать концепцию и спродюсировать новый CD. До этого я уже завершил проект с септетом Ravelli Brass и выдающимся ударником Ари де Боером. Мои корни уходят в мир духовых оркестров, и я действительно хотел раскрыть эти корни. Разве не было бы замечательно записать CD с этим септетом, имеющим классическое образование?
Мой предыдущий опыт работы с Holland Baroque и Calefax Reed Quintet показал мне, что мой собственный свободный подход к музыке может очень хорошо и мощно сочетаться с классическим стилем. Марсель Ландман из Challenge Records тоже счел эту идею великолепной, и мы приступили к работе. Конечно, для этого проекта нам нужна была музыка, и это оказалось небольшим «вызовом»! У меня было достаточно композиторских идей, но искусство аранжировки было для меня совершенно новым миром. Это превратилось в процесс «обучения на практике», и в ходе этого обучения мне посчастливилось получить помощь от нескольких моих очень опытных коллег-аранжировщиков. Я выражаю искреннюю благодарность бас-тубисту Дику Болту, трубачу Томасу Гертсу и тубисту Бернарду Хуннекинку.
На наших концертах вживую сложилась отличная химия, и в начале 2022 года мы приступили к записи в зале «Vereeniging» в Неймегене. Все это приключение привело к выпуску этого CD, и я действительно горжусь своим первым настоящим альбомом для духового ансамбля. Это стало возможным благодаря Challenge Records, чудесному звучанию духовых инструментов Ravelli Brass, конечно же, Ари де Боеру и фонду Cantus Firmus Concertproducties. Надеюсь, что и вы воспримите эту музыку как «Joyful Noise»!» — Эрик Влоймас

• Наряду с Чиком Кориа и Китом Джарреттом Энрико Пьеранунци является одним из величайших джазовых пианистов своего поколения.
• Трио Энрико Пьеранунци с Итальянским филармоническим оркестром и Микеле Корчелла.
• Интерпретация музыки композитора и пианиста Джона Льюиса.

Энрико Пьеранунци родился в 1949 году в Риме и на протяжении многих лет является одним из важнейших и самых известных представителей международной джазовой сцены. Как пианист, композитор и аранжировщик он записал более 80 альбомов под собственным именем, в которых представлены различные форматы — от фортепианного соло до трио, от дуэта до квинтета. Его формирующие годы были связаны как с классическим, так и с джазовым фортепиано. Его лирический подход быстро вывел его в начале 1970-х годов на вершину европейской сцены. В 1984 году он основал трио с Марком Джонсоном и Джои Бароном — первую из нескольких выдающихся групп с участием американских музыкантов; это трио было названо «одним из лучших трио современности».

Пьеранунци сотрудничал на концертах и в студии с такими артистами, как Чет Бейкер, Ли Кониц, Пол Мотиан и Джои Барон. Пьеранунци четыре раза признавался журналом «Musica Jazz» артистом года. Кроме того, в 1997 году он стал лауреатом французской премии «Django d'Or» в номинации «Лучший европейский музыкант», а в 2014 году — немецкой премии «Echo Jazz Award» в номинации «Лучший международный клавишник

». Своей музыкой Пиеранунци выступал на самых престижных международных фестивалях по всему миру. Он также регулярно выступает в ведущих нью-йоркских клубах, прежде всего в Village Vanguard, где он стал первым итальянским музыкантом, записавшим три концертных альбома, которые почти полностью состоят из композиций самого Пиеранунци.

Он не только записал несколько альбомов, но и написал большое количество композиций, многие из которых стали настоящими международными стандартами, такими как «Night Bird», «Don't Forget The Poet», «Fellini's Waltz».

Многие из этих произведений вошли в престижные сборники «New Real Books», издаваемые в США компанией «Sher Music».

Рецензии

В конце 2019 года, после встречи с представителями Challenge Records в Амерсфорте, где мы обсуждали мой альбом «Ever Open Door», они посоветовали мне связаться с Джаспером Сомсеном. В тот вечер я ужинал с ним и Раймондо Мели Лупи в Амстердаме; именно он занимался мастерингом моих предыдущих записей и организовал эту встречу.

Джаспер произвёл на меня впечатление энтузиаста и целеустремлённого молодого человека и, как я позже убедился, послушав его на нескольких записях, — выдающегося и творческого басиста, который теперь стал моим другом и коллегой.

Мы договорились записать альбом. Джаспер подобрал остальных музыкантов, и были согласованы даты записи на студии MotorMusic в Бельгии. Но тут разразилась пандемия Covid-19! Записи то и дело откладывались в 2020 и 2021 годах, хотя в это время мы обсуждали, какие композиции подойдут, а Джаспер писал черновые аранжировки. Его выбор Марселя Сериезе на ударных и Ханса Вруманса на фортепиано был вдохновляющим — они изобретательные, чуткие музыканты, и играть с ними — одно удовольствие!

Наш репертуар состоит из композиций с яркими мелодиями из жанров фолк, джаз, рок, поп, а также собственных композиций Джаспера и меня. Я предложил сыграть три композиции Supertramp, поскольку значительная часть моей музыкальной жизни связана с творчеством Рика Дэвиса и Роджера Ходжсона. Впервые я услышал «Don’t Ever Leave Me» в исполнении Кита Джарретта. Это такая красивая, короткая и трогательная мелодия, что мы решили сыграть четыре версии и использовать их в качестве «опор» для нашей музыки. Если вам эта музыка понравится хотя бы наполовину так, как нам понравилось её исполнять, значит, наше признание в любви удалось!

Второй альбом квартета Майка Краля выйдет в 2023 году на лейбле Challenge Records и поражает неповторимым звучанием и чётко узнаваемым собственным стилем. Кроме того, в некоторых композициях можно услышать игру великого гитариста Курта Розенвинкеля.

Таких молодых музыкантов, как 31-летний трубач Майк Краль, в Германии приходится искать с помощью лупы. А тот, кто его найдёт, с удивлением обнаружит, что лишь немногие молодые немецкие джазовые музыканты звучат в настоящее время более оригинально, искусно и многогранно. Кралю не нужны популярные шоу-эффекты, чтобы вывести публику из сдержанности, — ему достаточно лишь его инструментального виртуозного мастерства и ярких, многогранных композиций. Ведь он находится в «In-Between Flow». Неудивительно, ведь во время учебы в Дрездене и Эссе он учился у таких выдающихся педагогов, как Тилль Брённер и Райан Карнио.

Тем не менее Краль не копирует ни одного из своих кумиров, а, что удивительно, уже давно выработал свой неповторимый звук и четко узнаваемый собственный стиль. Третий этап карьеры Майка Краля, выходящий сейчас, носит именно этот загадочный титул «In-Between Flow», что можно примерно перевести как «промежуточное течение». Этим он имеет в виду непрерывное развитие человека. Как и в природе, его дух может расширяться, раскрываться и созревать до нового состояния. Там он на время останавливается, пока новые импульсы не инициируют очередной переход. Этот переход может быть болезненным, изнурительным, энергозатратным или длительным, но также вполне интересным и захватывающим.

Такие «промежуточные течения», то более тонкие, то более резкие, а также периоды удовлетворенности и безмятежности, вдохновили молодого альпиниста на создание восьми увлекательных композиций для этого альбома. Пианист Константин Крамер, басист Якоб Кюнеманн и барабанщик Фабиан Рёш, а также в качестве гостей в Slosetta, No Claim Claim и Ms Ludgate — знаменитый гитарист Курт Розенвинкель — составляют идеальный ансамбль для мелодических и мотивных историй Краля, которые отличаются такой простой ясностью и лаконичностью, что их сложные структуры почти никому не бросаются в глаза.

Краhl любит встраивать свою то нежную, то переполненную энергией трубу в современный, но никогда не произвольный грув. Он приглашает слушателей в тонко сконструированные, едва уловимые, почти певучие эмоциональные «американские горки», в которых печаль, радость, одиночество, ожидание, колебания, сомнения и обретение новой смелости соседствуют бок о бок. Майк Краль и его товарищи дают незаметный, но запоминающийся урок того, как принять постоянно меняющийся поток перехода из одного состояния в другое. Что означает: расти, учиться и просто развиваться в следующем состоянии, пока процесс не начнётся заново, оставаясь в потоке: «In-Between Flow».

В его музыке открытые просторы и тишина финской Арктики переплетаются с макаматами арабского мира, ритмическим богатством Африки и Индии, а также импровизационным духом американского джаза.

Он ищет новый музыкальный синтаксис, который ставит под сомнение культурные дихотомии, исследуя общие черты между культурами и одновременно признавая их различия. «Пока я пишу эти строки в июле 2022 года на своём балконе, прошло более 9 лет с момента выпуска моего дебютного альбома «un | ان» и более 11 лет с момента записи. Время, прошедшее с тех пор, было для меня лично бурным периодом, полным поворотов — уединения, размышлений, осознания, переоценки, терапии, триумфа, проб и ошибок — в плену многолетнего творческого кризиса, заставившего меня усомниться в том, смогу ли я когда-нибудь снова сочинять. Хотя у меня было огромное желание высказаться, я чувствовала, что потеряла свой голос — или, возможно, никогда его и не имела.

Со временем во мне всё сильнее затягивался постоянный узел, но я не понимала, что его вызвало и как его можно развязать. В 2018 году, встряхнутый столкновением двух перемен, я вдруг увидел старые шаблоны в новом свете — их привычное присутствие я ощущал большую часть своей жизни, но до того момента никогда не осознавал, чем они на самом деле были. После третьего витка я наконец обрёл смирение, чтобы сдаться, и когда начал анализировать и сталкиваться с самим собой, постепенно стал открывать для себя новые ответы — и задавать новые вопросы. Затем наступила пандемия Covid-19, и мир остановился. Как и многие из нас, охваченные новой, зловещей тишиной, я уединился в своём внутреннем мире. Я начал возвращаться к наброскам идей, накопленных мной на протяжении многих лет, и, наконец, совсем-совсем постепенно, начала рождаться новая музыка». Юсси Реййонен

Выросший в Финской Лапландии, Иордании, Танзании, Омане и Ливане и проживший большую часть своей взрослой жизни в Соединённых Штатах, гитарист и исполнитель на уде Юсси Реййонен на протяжении всей своей жизни впитывал звуки, достопримечательности, ароматы и оттенки культур Северной Европы, Ближнего Востока, Африки и Америки, что нашло отражение в его композиторском и исполнительском стиле.

В качестве руководителя, соавтора, композитора или аранжировщика он сотрудничал с многочисленными артистами первой величины, в том числе с Джеком ДеДжонеттом, Пепе де Лусия, Хавьером Лимоном, Дэвидом Фючински, Саймоном Шахином, Бассамом Саба, Марселем Халифе, Арто Тунчбоячияном, Дэйвом Веклом, Яжи Го, Луи де Мьёлем / Мэттом Гарсткой (из Animals as Leaders), Хюсну Шенлендиричи и New York Gypsy All-Stars, а также многими другими.

Как педагог Юсси продолжает поощрять и стимулировать транскультурный диалог и обмен мнениями, выходящие за рамки границ и дисциплин, за пределы чистой политики идентичности.
За 13 лет, прожитых в Бостоне и Нью-Йорке, он выступал на престижных фестивалях и в таких заведениях, как Линкольн-центр и Библиотека Конгресса, а также в Финляндии, Швеции, Латвии, Швейцарии, Германии, Франции, Нидерландах, Ливане и Канаде.

Дебютный альбом Юсси «un | أن», номинированный на Independent Music Award и охарактеризованный журналом Guitar Player как «необыкновенная музыка», вышел в 2013 году на его лейбле unmusic и был встречен критиками с большим восторгом. Его долгожданный следующий альбом «Three Seconds | Kolme Toista» — обширная сюита для нового транскультурного ансамбля из девяти музыкантов под его руководством — объединяет музыкантов из Иордании, Ирака, Палестины, Турции, Японии и США (которые, среди прочего, выступали с Херби Хэнкоком, Роем Хейнсом, Теренсом Бланшаром, Данило Пересом, Саймоном Шахином, Snarky Puppy и Йо-Йо Ма). Альбом вышел в октябре 2022 года на лейбле Challenge Records.

Помимо своей деятельности в качестве лидера, он является соруководителем Sawaari — квинтета, исследующего связь между индийскими ритмами, арабских макамат и трансовой музыки Северной Африки и Южной Италии, сотрудничает со швейцарской певицей Габриэлой Мартиной, является членом New York Arabic Orchestra и продолжает свою педагогическую деятельность в США и Европе.

В его музыке открытые просторы и тишина финской Арктики переплетаются с макаматами арабского мира, ритмическим богатством Африки и Индии, а также импровизационным духом американского джаза.

Дебютный альбом Юсси, номинированный на Independent Music Award и охарактеризованный журналом Guitar Player как «необыкновенная музыка», вышел в 2013 году на его лейбле unmusic и был встречен критиками с большим восторгом.
Его долгожданный следующий альбом «Three Seconds | Kolme Toist» — длинная сюита для нового транскультурного ансамбля из девяти музыкантов под его руководством, объединяющего музыкантов из Иордании, Ирака, Палестины, Турции, Японии и США (которые, среди прочего, выступали с Херби Хэнкоком, Роем Хейнсом, Теренсом Бланшаром, Данило Пересом, Саймоном Шахином, Snarky Puppy и Йо-Йо Ма).

В его музыке открытые пространства и тишина финской Арктики пересекаются с макаматами арабского мира, ритмическим богатством Африки и Индии, а также импровизационным духом американского джаза.
Он ищет новый музыкальный синтаксис, который ставит под сомнение культурные дихотомии, исследуя общие черты между культурами и одновременно признавая их различия.

Выросший в Финляндской Лапландии, Иордании, Танзании, Омане и Ливане и проживший большую часть своей взрослой жизни в Соединённых Штатах, гитарист и исполнитель на уде Юсси Реййонен на протяжении всей жизни впитывал звуки, достопримечательности, ароматы и нюансы культур Северной Европы, Ближнего Востока, Африки и Америки, что нашло отражение в его композиторском и исполнительском стиле.

В качестве руководителя, соавтора, композитора или аранжировщика он сотрудничал с многочисленными артистами первой величины, в том числе с Джеком ДеДжонеттом, Пепе де Лусия, Хавьером Лимоном, Дэвидом Фючински, Саймоном Шахином, Бассамом Саба, Марселем Халифе, Арто Тунчбоячияном, Дэйвом Веклом, Яжи Го, Луи де Мьёлем / Мэттом Гарсткой (из Animals as Leaders), Хюсну Шенлендиричи и New York Gypsy All-Stars, а также многими другими.

■ С Джейсоном Палмером, Булутом Гюленом, Лейтом Сидиком, Насимом Алатрашем, Утаром Артуном, Кайлом Майлзом, Кейтой Огавой, Вансилом Купером и Луисом Бакке