Хиты продаж

Немецкий диско-фанковый проект Supermax был основан в 1976 году австрийским музыкантом Куртом Хауэнштайном. Группа была создана в сотрудничестве с австрийским продюсером Петером Хауке в городе Франкфурт-на-Майне. Пик популярности проекта пришелся на период с 1977 по 1983 годы, период активной студийной деятельности продолжался с 1977 по 1993 годы. Музыка коллектива сочетает в себе такие стили, как рэгги, соул, фанк, диско, джаз, элементы арт и хард-рока, этническую музыку и африканские ритмы.

Пятый студийный альбом "Supermax Meets the Almighty", вышедший в 1981 году, стал последним релизом группы, который был выпущен Warner Music Group. Трек-лист альбома включает 9 оригинальных композиций, которые были написаны лидером Supermax Куртом Хауэнштайном. Песни, разместившиеся на первой стороне пластинки, были записаны лично Хауэнштайном, которые исполнил партии всех музыкальных инструментов. К созданию композиций, находящихся на второй стороне винилового диска, были привлечены гитаристы Райнер Марц и Ханс Вильднер, клавишник Кристиан Колоновиц, барабанщик Юрген Цёллер, перкуссионист Петер Кох и духовая секция, состоящая из Мартина Дровера, Генри Ло и Малкольма Гриффита. Не смотря на то, что во времена оригинального релиза альбом провалился в коммерческом плане, сегодня среди поклонников коллектива "Meets the Almighty" считается одной из лучших студийных работ Supermax.

"Playing the Angel" - 11-й студийный альбом группы Depeche Mode. Впервые три песни Дэйва Гэхана вошли в альбом группы. Альбом достиг первого места более чем в 10 странах и вошел в десятку лучших в Великобритании и США.

Легендарный артист, легендарная площадка

После того как два года назад Дэвид Гилмур выпустил свой альбом "Rattle That Lock", ставший номером один, он, естественно, вывел свои новые песни на международные сцены.

В прошлом году певец и гитарист Pink Floyd дал два концерта в знаменитом Помпейском амфитеатре у подножия вулкана Везувий. С альбомом "Live At Pompeii" основные моменты этих двух блестящих выступлений доступны в 2017 году в виде живого альбома и концертного фильма, предлагающих впечатляющие звуковые и визуальные впечатления.

Помимо песен с его последних альбомов, в "Live At Pompeii" также вошли некоторые сольные композиции и классика Pink Floyd. Среди них "Wish You Were Here", "Money", "Comfortably Numb" и многие другие. Полный трек-лист можно найти ниже.

"Live At Pompeii" доступен как в виде двойного CD с 24-страничным буклетом, так и в виде двойного DVD или Blu-ray, а также в виде комплекта из 4-х пластинок с двумя обложками gatefold и 24-страничным буклетом в формате LP. Безусловной изюминкой является также двухчастный делюкс-бокс с двойным CD и двойным Blu-ray с дополнительными концертными выступлениями (Южная Америка 2015 / Вроцлав 2016), документальными фильмами о туре (Европа 2015, Южная Америка 2015, Северная Америка 2016, Европа 2016) и 72-минутным документальным фильмом BBC "David Gilmour: Wider Horizons". Делюкс-бокс также включает книгу в твердом переплете, буклет с фотографиями, путеводитель по Помпеям, четыре открытки и постер.

Легенда рок-музыки вживую на фоне захватывающих дух декораций: "Live At Pompeii" Дэвида Гилмура - это запись двух впечатляющих концертов.

Вышедший в 2001 г. под лаконичным названием "Ten New Songs" - это блестящий альбом канадского поэта Леонарда Коэна, который вместе со своим аранжировщиком и соавтором Шэрон Робинсон увековечил на компакт-диске часть глубокого личного жизненного опыта. Возможно, при первом прослушивании песни не раскрывают своей лирической силы, но после многократного прослушивания такие композиции, как "In My Secret Life", "A Thousand Kisses Deep" и "Boogie Street", предстают как вечные бриллианты в непревзойденном творчестве Коэна.

альбом "The Best Of Depeche Mode Vol. 1" был первоначально выпущен 8 ноября 2006 года. Он представляет собой сборник песен за 25 лет. Всего в него вошли 18 хитов группы, созданной вокруг Дэйва Гэхана. Среди них такие классические композиции, как "Personal Jesus", "Just Can't Get Enough", "Enjoy The Silence", "People Are People" и многие другие. Еще одной изюминкой является ранее не издававшаяся композиция "Martyr", которая была создана во время сессий "Playing The Angel" и вышла в качестве сингла на бест-офисе.

Немецкая певица SANDRA, без сомнения, является одной из самых успешных немецких поп-артисток за последние 25 лет. С полной уверенностью. И не только в Германии. Начиная с диско-хита 1985 года "Maria Magdalena", с которым она совершила международный прорыв и отметилась в чартах №1 в 21 стране (включая Испанию, Францию, Грецию, Турцию и весь скандинавский регион), SANDRA занимает прочное место в популярном музыкальном секторе практически во всех уголках нашей планеты.

Визуальная сторона "самого привлекательного хита немецкого поп-экспорта", ее красота, стиль, одежда, клипы, выступления на телевидении - все это, конечно, нельзя игнорировать, но прежде всего именно музыкальная составляющая обеспечила этот огромный и к тому же продолжительный успех: Звуковой мир, созданный продюсером (и многолетним мужем) Майклом Крету, написание песен Крету и его командой (включая Хуберта Кеммлера, известного как Хуберт Ках), которые точно попадали в точку и были в тренде, всегда драйвовая танцевальность, тонко проработанные баллады и, наконец, неповторимый голос SANDRA, который так идеально вписывался в эту поп-концепцию и задавал мелодичный тон. Песни SANDRA в типичном для Cretu звучании быстро стали безошибочной акустической визитной карточкой. (Кстати, в течение многих лет она также была голосом проекта Cretu "Enigma").

Сотрудничество SANDRA и Майкла Крету продолжалось, с небольшими перерывами, в течение 7 альбомов, многочисленных синглов и нескольких сборников до 2002 года и альбома "The Wheel Of Time". После этого она нашла новых классных коллабораторов в лице братьев-продюсеров и музыкантов Йенса и Тоби Гада (Бейонсе, Наташа Бедингфилд и др.) для своих последних лонгплеев "The Art Of Love" (2007) и "Back To Life" (2009) и различных синглов, выпущенных с них.

Недавно выпущенная "Платиновая коллекция", состоящая из 3 компакт-дисков, представляет собой срез всех ее песен, выпущенных на лейбле Virgin за почти 25 лет, начиная с вышеупомянутого мегахита "Maria Magdalena" и всех других хит-парадов, кавер-версии "Everlasting Love", дуэтов с DJ Bobo или Томасом Андерсом и заканчивая ее собственной композицией "Tête À Tête" - всего 40 песен на первых двух дисках. Третий диск имеет несколько особенностей: С одной стороны, он предлагает в общей сложности 11 ремиксов, большинство из которых появляются на CD впервые или являются крайне редкими (например, ремикс Stock / Aitken / Waterman на песню "Everlasting Love"!) С другой стороны, он содержит эксклюзивные данные доступа к специальному сайту, где можно найти различные бонусные материалы и, прежде всего, возможность бесплатно скачать еще 5 макси-треков! Вот это предложение, не правда ли?

Альбом Duets собрал 17 совместных работ, записанных в разное время, начиная с песни « It's Maybe Me » 1992 года с Эриком Клэптоном из саундтрека к фильму «Смертельное оружие 3 » и заканчивая новыми песнями, записанными с Мелоди Гардо, Зуккеро и Гаши.

Возвращение на металлический трон на максимальной скорости

Восемь, казалось бы, бесконечных лет прошло с тех пор, как Metallica выпустила свой последний студийный альбом. в 2016 году ожидание закончилось: "Hardwired...To Self-Destruct" - так называется новый, уже десятый по счету лонгплей этой металлической организации.

Джеймс Хэтфилд, Кирк Хэмметт, Роберт Трухильо и Ларс Ульрих за последние несколько месяцев записали в общей сложности двенадцать новых песен, общая продолжительность которых составляет более 80 минут. В их число входит и заглавная композиция "Hardwired... To Self-Destruct", которую группа представила в качестве первого сингла в августе.

Песня дает понять, что Metallica ничего не потеряла в скорости и жесткости спустя почти 35 лет после своего основания. Напротив: высокие скорости, стремительные барабаны и трэшевые риффы очень напоминают о ранних временах группы.

Во время записи "Hardwired...To Self-Destruct" за пультом находился старый знакомый продюсер Грег Фидельман (Slayer, Black Sabbath, Red Hot Chili Peppers). Он уже работал звукорежиссером в группе Metallica на альбоме "Death Magnetic", а также продюсировал совместный альбом "Lulu" (2011) с Лу Ридом. Новый альбом будет выпущен на собственном лейбле группы Blackened Recordings.

"Hardwired... To Self-Destruct" доступен в разных форматах: в виде стандартного двойного CD с 32-страничным буклетом и в виде 3-CD с дополнительным бонусным CD. Последний содержит песню "Lords Of Summer", а также дополнительные демо-версии риффов. Поклонники винила получат свои деньги за двойной 180-граммовый LP и делюкс-издание в бокс-сете. В него входят три цветных 180-граммовых LP, кнопки и фотопринты.

Долгожданное и самое важное металлическое возвращение года: со своим новым альбомом "Hardwired... To Self-Destruct" Metallica вновь претендует на трон жанра в 2016 году.

Рецензии

"В "Hardwired... To Self-Destruct" есть все, что нужно альбому Metallica, - дюжина сочных песен, под которые можно бить головой, подпевать, делать громче" (stereoplay, январь 2017 г.)

"Будь то бочкообразные риффы в "Dream No More" или сдвоенные партии в "Halo Of Fire" - возвращение тщательно стереотипизировано, но в невероятно пробивном качестве..." (Аудио, январь 2017 г.)

"Плохой и взрывной (...) Джеймс Хэтфилд и люди наконец-то снова высвобождают ярость внутри себя, сублимируя страхи в агрессию" (Stereo, февраль 2017 г.)

"Радует, что Metallica дала своим песням своим песням, как это было на их последнем альбоме песням достаточно времени, что в них снова есть что снова есть "настоящие" гитарные соло, что они по-прежнему играют хард-рок с грубой силой и без компромиссов - см. песни и без компромиссов - см. такие песни, как 'Spit Out The Bone' и 'Confusion' Как я уже сказал, ничего нового, но но проверенное и испытанное на высоком Уровне" (Good Times, февраль/март 2017 г.)

О альбоме Майлза Дэвиса "Kind Of Blue" сказано и написано так много, что обобщить всю необходимую информацию в рамках данного очерка практически невозможно. Можно просто перечислить некоторые факты (самый продаваемый джазовый альбом всех времен и народов). Можно было бы попытаться объяснить, почему это лучший джазовый альбом всех времен, но это сделает за вас сама музыка. Как сказал Билл Эванс в оригинальных примечаниях к альбому, перед записью группа не играла ни одного из этих произведений. Майлз Дэвис заложил темы перед записью, а группа импровизировала. Конечный результат получился хрупким и удивительным. Записанный во время двух сессий в 1959 году, "Kind of Blue" работает на многих различных уровнях и будет продолжать работать на протяжении многих лет.

Отзывы

ME/Звуки 3/98: "Есть несколько групп, которые сделали metal и до сих пор пытаются изменить жанр с помощью новых и до сих пор пытаются не дать жанру превратиться в посмешище жанра в посмешище новыми идеями и интеллектом поскольку 'Around The Fur', безусловно, одни из них один из них"

Альфред Шнитке (1934-1998) - одна из ключевых фигур отечественного музыкального искусства второй половины ХХ века. Его музыка представляет собой перекресток важнейших тенденций композиторского искусства того времени, она вобрала в себя все - или почти все, - чем отличался ХХ век, и этот сплав породил уникальный неповторимый стиль композитора. Несмотря на достаточно динамичную творческую эволюцию, порой радикально меняющую как эстетические ключевые моменты, так и принципы техники (период авангарда, полистилистика, "новая простота", период "тихой музыки", синтез стилей, поздний период), в стиле Шнитке всегда присутствуют неизменные и незыблемые тенденции - экспрессивность, смелость музыкального высказывания, острота контрастов (недаром его называли Достоевским в музыке).

Альфред Гарриевич Шнитке родился в городе Энгельсе, центре Республики немцев Поволжья, в семье журналиста и переводчика.

В 1946-1948 годах он жил с семьей в Вене, где его отец работал в немецкой газете "Österreichische Zeitung". Там мальчик получил первые музыкальные впечатления, стал брать уроки игры на фортепиано и начал сочинять. Этот период запечатлелся в памяти композитора на всю жизнь: его жизнь была пронизана влиянием Австрии и австрийской культуры, ее традициями, уходящими в далекие века (по выражению самого композитора, "звено, скрепленное чувством исторической цепи", "аура прошлого").

Вернувшись в Россию, Шнитке в 1953 году окончил Музыкальное училище имени Октябрьской революции (ныне Музыкальное училище имени Шнитке, филиал Московского государственного института музыки имени А.Г. Шнитке), затем продолжил обучение в Московской консерватории, которую окончил в 1958 году, а в 1961 году - аспирантуру. С 1961 по 1972 год он работал преподавателем Московской консерватории, где преподавал оркестровку, чтение партитур и контрапункт; по композиции у него был только один студент, так как в то время "авангардистам" Альфреду Шнитке и Эдисону Денисову не доверяли учить молодых композиторов в консерватории.

В годы советской власти музыка Шнитке не имела никакой официальной поддержки. Долгое время он был практически лишен возможности выехать за границу из-за своей позиции, не совпадавшей с мнением руководства Союза композиторов. С наступлением перестройки музыка Шнитке стала более известной и признанной не только в родной стране, но и за рубежом. В 1988-1990 годах прошел целый ряд фестивалей, посвященных его творчеству, - в Горьком, Мальме, Гетеборге, Стокгольме, Берлине, Лондоне. В конце 1980-х годов Шнитке часто выезжал за границу, с 1989 года вел класс композиции в Высшей школе музыки и театра в Гамбурге, а в 1991 году переехал в Гамбург. Тем не менее, композитор никогда не терял связи с родной страной, где он получил признание и любовь слушателей.

Альфред Шнитке - автор более 200 сочинений в самых разных жанрах. Его предпочтение крупномасштабных жанров связано с концептуальной и драматургической остротой и ощущением конфликтности музыкального мышления. На протяжении всей своей жизни он писал также музыку для кино и театра, что позволило сформировать тенденцию полистилистики и соединить в его музыкальном языке высокое и банальное как средство восприятия современного мира.

В музыке Шнитке сочетаются экспериментальные поиски нового и опора на глубокую традицию, острая выразительность звучания и неоромантическое начало. Композитор тесно связан как с русской культурой (Гоголь, Достоевский), так и с немецкой; он воплотил в своей музыке важнейшие черты русского и немецкого менталитета - возвышенную духовность, философский ум, сложный эмоциональный мир. Характерной чертой музыкального искусства XX века является диалог с прошлым, например, возрождение исторических жанров. Среди последних особое место занимает жанр concerto grosso. Это широко распространенный в эпоху барокко, в творчестве таких композиторов, как И.С. Бах и Гендель, тип концерта для оркестра и концертной группы солирующих инструментов. К этому жанру Шнитке обращался на протяжении всей своей жизни (Первый концерт гроссо, самый популярный из всех, был написан в 1977 году, а последний, Шестой, - в 1993 году, за пять лет до смерти композитора).

Concerto grosso №2 для скрипки, виолончели и симфонического оркестра (1981-1982) написан в технике полистилистики: основы барочного стиля сочетаются с музыкальным языком XX века. Четырехчастный цикл построен по принципу контраста. Во вступлении солирующая виолончель (позже к ней присоединяется скрипка) излагает основную лейтмотивную тему сочинения - это своего рода личные размышления, собственный голос композитора. Она прерывается веселой моторной музыкой - здесь наиболее очевидны аллюзии на барочный концерт, хотя диссонансные вкрапления напоминают о современности (прием "затирания" стилистической модели).

Вторая часть - пассакалья, представляющая вариации на басовую тему (жанр, также характерный для эпохи барокко). В ней сочетаются вековая семантика жанра (от Баха до Шостаковича) и индивидуальная экспрессия, поднимающая эту музыку до высот подлинной трагедийной стихии. Это "ядро" произведения эмоционально наиболее раскрыто, оно подвержено враждебным вторжениям и заряжено внутренними конфликтами. Музыка "Пассакальи" относится к лучшим страницам творчества Шнитке. Третья часть, в которой происходит возвращение в мир образов первой части, содержит те же барочные моторные качества, энергичный мажорный характер музыки и активно прогрессирующий тип развития. В кульминации звучит тема пассакальи, а завершается часть драматическим разрывом.

Четвертая часть (которая следует за третьей без перерыва) представляет собой послесловие, общее подведение итогов всего, что было до нее. Она построена исключительно на материале темы вступления. Отголоски других тем (пассакальи, мотивов барочного концерта и похоронного хорала) не меняют характера их звучания - светло-созерцательного и катарсического.

Кантата "История доктора Иоганна Фауста", написанная в 1983 году, - одно из самых значительных сочинений Альфреда Шнитке. Тема Фауста вообще является преобладающей в его творчестве. Кантата стала своеобразным итогом размышлений композитора над проблемами добра и зла, вины и искупления от нее жертвенностью, смерти и духовного бессмертия - всего того, что создает особую атмосферу его музыки: в ней живет дух высокой трагедии. Первоначально композитор задумал оперу на основе второй части "Фауста" Гете, но вскоре обратился к "Фольксбуху" Иоганна Шписа, написанному в 1587 году.

Фигура Фауста оказалась чрезвычайно привлекательной для композитора - как квинтэссенция той религиозно-философской тематики, которая волновала его на протяжении всей жизни. На эту тему уже через одиннадцать лет, за четыре года до своей смерти, Шнитке создал оперу, в которой музыка кантаты стала третьим актом.

В качестве либретто для своей "Кантаты" Шнитке взял последние главы "Фольксбуха", повествующие о конце жизни Фауста. Текст настолько хорошо подошел к задуманной им музыке, что он не изменил ни одного слова; был использован оригинальный немецкий текст (мировая премьера состоялась в Вене: кантата была написана по заказу Венского концертного общества, в честь 125-летия Венской вокальной академии), а для исполнения в России брат композитора, известный поэт и переводчик Виктор Шнитке, сделал эквиритмический перевод. Сам по себе жанр кантаты уже подразумевает эпоху барокко, однако это произведение больше напоминает ораторию, точнее, определенный тип "Страстей" или "антистрастей", по терминологии композитора, "негативных страстей". Даже распределение партий в целом соответствует "Страстям": рассказчик (евангелист) - тенор, Фауст (антагонист Христа) - бас, а хор выполняет двойную функцию - участника действия и комментатора событий.

Фигура Мефистофеля находится на расстоянии от остальных персонажей. Решение композитора в данном случае весьма оригинально: Мефистофель предстает в двух образах - "сладкоголосого соблазнителя" (контратенор) и "сурового карателя" (контральто).

Кантата состоит из 10 эпизодов:
1. Пролог. "Вот рассказ о суровой, страшной смерти доктора Фауста" (хор). 2. Близок час. "Когда истекли 24 года..." (рассказчик, Мефистофель, хор). 3. Прощание Фауста с учениками и друзьями. "Все идут в таверну и садятся за стол..." (хор, рассказчик). 4. Исповедь Фауста. "Многоуважаемые, возлюбленные господа, друзья мои..." (Фауст, хор, рассказчик). 5. Плач друзей Фауста. "Раз уж так вышло, и нет иного исхода..." (хор, рассказчик). 6. "Ложное утешение" (о Фаусте от Мефистофеля). "О, мой Фауст, что это за слабость сердца?..." (Мефистофель - обе партии, в два голоса). 7. Смерть Фауста. "Когда, после двенадцати, к часу ночи..." (Мефистофель, хор) 8. После смерти Фауста. "Те же магистры, бакалавры, студенты..." (Рассказчик, хор). 9. Эпилог (хор) 10. Заключительный хорал (продолжение кантаты, назидание потомкам). "Так бодрствуйте, бдите! Непрерывно ваш кусачий враг, дьявол жаждет жертв!" (четыре солиста, хор).

Кульминация кантаты - сцена преодоления Мефистофелем Фауста. Как ввести ее в музыку? Это поставило композитора перед проблемой. Сначала композитор решил воссоздать этот эпизод с помощью экспрессивной, диссонирующей музыки, что вполне соответствует эстетике XX века. Однако вскоре он понял, что не достигнет нужного эффекта. Вот как он сам об этом рассказывает: "Для того чтобы передать атмосферу адской бездны, необходим новый стилистический тип очернения, в частности, шокирующий стилистический контраст. Для этого я использовал ритм танго" "Популярный песенный стиль - хорошая маска для всякой дьявольщины, средство обволакивания души, поэтому я не вижу другого способа изобразить зло в музыке, кроме как добавить элемент народного стиля"

Этот эпизод производит на слушателя самое сильное впечатление. Часы бьют двенадцать. И с последним ударом появляется Мефистофель-убийца, каратель. Популярная певица (первоначально на эту роль планировалось пригласить Аллу Пугачеву) с микрофоном проходит через весь концертный зал, поднимается на сцену и одновременно поет популярную мелодию. Контраст между элементарной мелодией и пугающим натуралистическим текстом, описывающим самые страшные подробности гибели Фауста, поразителен. Это, в частности, то, что композитор в определенный момент назвал "приниженностью и банальностью".

Концертная судьба этого сочинения была непростой. После первой же репетиции (с Аллой Пугачевой) концерт был запрещен. Так получилось, что мировая премьера "Фауста" состоялась в Вене, и только через четыре месяца, 23 октября 1983 года (после многочисленных ходатайств и несмотря на непрекращающиеся препятствия) - в Москве; позднее, в 1984 году, он был показан в Ленинграде (в последнем спектакле, уже с Раисой Котовой в роли Мефистофеля-наказателя).

(мелодия. su)