Джаз и Блюз

С самого начала своей истории компания ECM Records пропагандирует импровизационную музыку Крайнего Севера. Теперь ее и без того обширная "нордическая панорама" еще более расширилась благодаря дебютному альбому трио, состоящего из трех молодых норвежцев. Их тонкая, серьезная, оригинальная музыка свидетельствует о глубоком знании достижений скандинавского джаза, но в то же время заглядывает за его пределы. No Birch" (название отсылает к известному стихотворению шведской писательницы Карин Бойе) отличается спокойным авантюризмом, предлагая связь между тем, что можно назвать постфельдмановским, квазисублиминальным импульсом конкретных направлений новой музыки, с одной стороны, и развитием свободной игры, восходящей к смелому использованию пространства Полом Блеем, с другой. Любая из этих тенденций может привести музыканта к осознанию того, что отсутствие звука может быть столь же мощным и возбуждающим, как и его присутствие, и, действительно, Wallumrød Trio не боится заходить за грань тишины.

Внутренняя динамика группы обусловлена умелым балансом музыкальных предпочтений ее участников. Если говорить упрощенно, то Валлумрод - "джазовый" музыкант, Хенриксен ставит во главу угла свободную импровизацию, а перкуссионные краски Кьоса Сёренсена отражают его приверженность к современной композиции. Пожалуй, именно присутствие последнего быстрее всего определяет оригинальность трио.

Кьос Сёренсен, родившийся в 1965 году, - старший участник группы и музыкант, признанный сегодня ведущим классическим перкуссионистом Норвегии. Он учился в Осло, Банффе и Версале, а затем занимал должности главного перкуссиониста в Бергенском филармоническом оркестре, Симфоническом оркестре Ставангера и Оркестре Норвежского радио. В его сольном репертуаре - произведения Ксенакиса, Штокхаузена, Лахенмана, Донатони, Воланса, Денисова и многих других. Вместе с альтистом Гро Лёвдалем Кьос Сёренсен разработал импровизационный язык для сопровождения современного танца, который недавно был продемонстрирован в балете Ploss в Осло, а также часто работает с известным французским перкуссионистом Жаном-Полем Друэ.

Трубач Арве Хенриксен родился в 1968 году, учился в консерватории Тронхейма и с 1989 года работает как свободный музыкант. Он играл со многими музыкантами, знакомыми слушателям ECM, включая Йона Балке (членом оркестра Magnetic North Orchestra которого он также является), Андерса Йормина, Эдварда Весала, Йона Кристенсена, Аудуна Клейве, Нильса Петтера Молвера, Мишу Альперина, Аркадия Шилклопера, Марка Дюкре, Бьорна Кьеллемира и струнный квартет Cikada, а также Стена Санделла, Фроде Гьерстада, Питера Фрииса Нильсена и многих других скандинавов, приверженцев свободной импровизации. Джазовый журналист Роальд Хельгхейм: "Хенриксен - спонтанный и импульсивный игрок. За мягким, красивым звучанием трубы на No Birch скрывается извергающаяся сила"

Лидер/пианист Кристиан Валлумред, 1971 года рождения, вырос в Конгсберге, где начал играть на фортепиано в 12 лет, аккомпанируя хорам в местной церкви. (Ощущение церковного режима в пьесе "Береза", которая в четырех вариациях представлена на новом альбоме, возможно, в какой-то мере связано с этим происхождением, хотя есть и сходство с творчеством Кенни Уилера). Ранний интерес к джазу привел его к таким учителям, как Эгил Капстад, пианист, вдохновленный Биллом Эвансом, известный во всем мире по своей работе с Карин Крог. В 1990-1992 годах Валлумред изучал джаз в консерватории Тронхейма, где сотрудничал со многими норвежскими импровизаторами, включая Нильса Петтера Молвера, Пера Йоргенсена, Йона Кристенсена, Аудуна Клейве, Торе Брунборга, Бугге Вессельтофта и других. С 1993 года он также является участником большого ансамбля под руководством гитариста Йона Эберсона.

Со времени учебы в Тронхейме Валлумрод все больше занимался композиторской деятельностью, сочиняя материал для каждой группы и проекта, в которых он участвовал. В 1994 году он и его коллега клавишник Столе Сторлоккен были привлечены к написанию музыки для 30-го Конгсбергского джазового фестиваля. В настоящее время Кристиан Валлумред делит свое время между тремя трио, работая, помимо состава, представленного на альбоме No Birch, с группой Close Erase (с басистом Ингебригтом Х. Флатеном и барабанщиком Пером Оддваром Йохансеном) и трио Rosseland / Wallumrød / Eick (с певицей Элин Росселанд и басистом Йоханнесом Эйком).

Отзывы

К. Липпегаус в Stereo 6/98: "Это трио - настоящее открытие Открытие"

Спонтанное взаимодействие между музыкантами просто феноменально. Барабаны Мотиана имеют дело с текстурой и цветом, и он часто намекает на ритмы, которые далеки от центра, но каким-то образом наносят авторитетный отпечаток на музыку. Гитарные колокольчики Фризеля с замечательной сдержанностью, и он никогда не прибегает к этому несколько напряженному стилю электрогитары, которым больше всего славится. Между тем, саксонские змеи Ловано с роскошной легкостью окружают мелодии. С 1950-х годов Мотиан играет на ключевых сессиях, в том числе с Биллом Эвансом, Китом Джарретом и Джери Алленом. У меня есть комната над ней, которая извлекает выгоду из этого наследия, развивая совершенно новый голос. Блестящая запись. Ричард Вулфсон, ежедневный телеграф

Товарный знак барабанщика в его подходе к времени и пульсу был бы достаточен для того, чтобы убедиться, что сам по себе, а сочетание инструментов служит для того, чтобы подчеркнуть воздушность, абстрактность большей части музыки. Ухо быстро адаптируется к отсутствию твердого заземляющего устройства, и их взаимодействие не менее чем увлекательно, независимо от того, применяется ли оно на стандартах или оригинальном материале. Иногда эффект достигается почти тройным контрапунктом, когда все одновременно играют мелодию. Романтика Ловано контрастирует и дополняет просторную, нетрадиционную гитару Frisell, в то время как Мотиан вплетается вокруг и под обоими плеерами, завертывая музыку в решетку сильных, но нежных ударных инструментов. Кенни Мэтьюсон, Джазззвиз..

В некоторых музыкальных композициях настолько уравновешенна, что она просто излучает свет. Даже в самые бурные моменты из множества дисков, сделанных трио Пола Мотиана, есть фирменное сияние, которое дает вам понять, что изящество подпитывает творчество под рукой. ... Будь то интерпретация Бродвея или пробуждение Телонического монаха и Билла Эванса, их эксцентричная версия свинга и сложное понятие взаимодействия были основаны на гибкой геометрии, которая позволяет каждому участнику иметь право голоса в этом уравнении. Миниатюры с мотивом на новом диске еще более утончены. Хорошо продуманная симметрия придает этой сложной музыке молниеносность, и в сочетании с некоторыми жуткими и отражающими мелодиями она создает не имеющую аналогов на современной джазовой сцене форму мечтательной абстракции. Джим Мэнни, DownBeat

Пол Мотиан, Билл Фриселл и Джо Ловано достигли уровня магии, который кажется невероятным. ... Тот факт, что Пол Мотиан - не только исключительный перкуссионист, но и талантливый композитор, еще раз подтверждает здесь. Рольф Томас, Джазовый театр

Мотиван считается самым музыкальным из всех барабанщиков, как композитор, он почти так же важен, как перкуссионист. Самое главное его качество - почти исчезнуть - только на первый взгляд победа скромности. По правде говоря, она реализуется через то, что она вызывает, побуждает и провоцирует в своих партнерах. Они воспринимают его, как гитариста Билла Фрисела, как "одну из самых сложных и вдохновляющих музыкальных ситуаций"....... Игра с Мотианом вызывает привыкание, регенерация в его ритмичных комнатах - вот что нужно этим двум, как и другим, для медитативного уединения в монастыре... .... У меня есть комната над ней является наиболее убедительным утверждением всех звезд группы, в которой клавишник ведет себя как звезда. Музыка, похожая на возвращение домой, возмутительная и в то же время знакомая, с элегантным блеском тенора Ловано над вражескими панорамами немного отравленных гитарных гармоний Фризеля. Плакать, смеяться, удивляться. Петер Рюеди, Всемирная неделя

Хотя Пол Мотиан выступает в роли автора, его десять произведений, к которым, в дополнение к номеру "Show Boat", присоединяются "Страна мечты" Телеонаса Монаха, ясно следует понимать по своей интенсивности как совместные работы. Билл Фриселл с очаровательной легкостью вплетает в мир мелодический блеск утраченных структур Пола Мотиана, метла которого вытирает над барабанами полностью оторванные от метров. К группе присоединяется саксофон Джо Ловано, безошибочный по своему богатому звучанию, излучающему невероятное спокойствие. Здесь действует следующее: сумма больше, чем просто сложение ее частей, в результате получается маленький шедевр. Свен Тильманн, Стереоплей

У меня есть комната над ней - это возвращение домой. В апреле Мотиан, Фриселл, Ловано встретил Айшера в нью-йоркской студии "Аватар". И, как всегда, они звучат изысканно. Чувствительные аккорды и одиночные ноты Фризеля поддерживают грубые звуковые экспедиции Ловано. В целом, все трое одинаково ответственны за концепцию группы, которую вряд ли можно было бы разделить на лидеров и запасных. Можно больше говорить о волшебных инструментальных цветах, плавающих облаках звука, расточительных идеях и пересечениях. И, несмотря на всю легкость, трио кажется обоснованным: Ловано переполняет проходы, Фриселл кладет на ножную педаль жесткий звук, Мотиан знает, что такое рычаги воздействия на его сет. ... Это праздник для чувств, которые открываются. Событие, отличное, гораздо более чем одноразовое стимулирование слуха. Тилман Урбах, форум Фоно

Комментарии для прессы:

Эта коллекция из 13 треков гамбийского перкуссиониста из Осло Н'Доуйе сначала кажется сдержанной, но это же выращиватель. Работая в небольших группах с чувствительными сотрудниками, он создает звуковой мир, который медленно проникает в ваше сознание. Многие мелодии ... движут повторяющимися, пульсирующими мотивами из калимбы Н'Доуйе. В некоторых из них используется труба Пер Йоргенсена; в большинстве - клавишные Джона Бальке, но выступления норвежского музыканта смешаны, и на первый план выходят занятые, характерные ударные инструменты и голос лидера. Джон Л. Уолтерс, Хранитель

Н'Доуйе сочиняет на пианино большого пальца Калимбы железного цвета, его гипнотические вариации пульсируют и жужжат в огромном и многочисленном звуковом поле, через которое палящие линии трубы Per Jørgens прорезают пламенную встречную волну. Если барабаны и словесные экстематизации N'Дойеса часто сами по себе незаметны, то серьезность звуковой концепции альбома, с его дискордантным проникновением на подготовленное Джоном Кейджем фортепиано, создает увлекательное чувство афро-минимализма, с которым вы не столкнетесь больше нигде. Марк Хадсон, ежедневный телеграф

На самом деле, теплая органическая музыка N'Doye может быть обитаемой, как особенно уютная атмосфера... Музыкальное событие Мики, ничем не отличающееся от "минимальной музыки", менее важно, чем дыхательное пространство. Воздух. Астматически напряженные стрессы изгнаны, как будто сами по себе и кажутся непреднамеренными. Петер Рюеди, Всемирная неделя

Хотя Момоду "Мики" Н'Доуйе, уроженец Западной Африки, живет в Норвегии уже 30 лет, его мировые музыкальные формы, ориентированные на джаз, включают африканские ритмы, вокал и игру на фортепиано Калимба.... как если бы он только недавно прибыл в Осло из одной из немногих областей, где до сих пор живы традиционные формы. ... Ему удается создать... атмосферную, искрящуюся, музыкально-ритмическую амальгаму большой убедительной силы. Неудивительно, что он уже давно является одной из движущих сил Норвегии в области передовой, изначально задуманной мировой музыки, а также одной из самых популярных и признанных. Йоханнес Андерс, джаз-не больше

Информация о продукте

Замысел квинтета заключался в том, чтобы вновь интегрировать уроки свободной игры в мелодически насыщенный джаз малых групп. Манфред Шуф "1970-е годы, когда были сделаны эти записи, дали многим музыкантам возможность расширить масштаб музыкальной экспрессии, зародившейся в свободном джазе 1960-х годов. Это привело к появлению нового типа игры, который не стеснялся использовать и комбинировать различные средства выражения - процесс, примером которого являются эти записи. Музыка, представленная на этих дисках, современна и свободна в самом лучшем смысле этого слова, более того, она вне времени. Термин "свободный" здесь обозначает не только особый стиль джаза, который в самом начале своего развития революционным жестом противостоял всему, что напоминало о прошлом и о традиции, но и свободу выбора между множеством самых разных средств выражения. Традиция, таким образом, рассматривается как прошлый опыт, который сливается с новым стилем звучания и обогащает его"

В своей группе Шурф продемонстрировал исключительный талант. Мишель Пильц был в ту эпоху единственным европейским импровизатором, посвятившим себя исключительно бас-кларнету. Вдохновленный вначале Эриком Долфи, он разработал свой собственный характерный звук, играя внутри ансамблевых текстур, а также солируя с энергией и воображением. Гюнтер Ленц и Ральф Р. Хюбнер помогли определить направление современного джаза в Германии. И басист, и барабанщик были участниками новаторских групп Альберта Мангельсдорфа 1960-х годов, и их детальное взаимодействие - залог энергичности звучания квинтета Schoof. Ленца также можно услышать на ECM с Берлинским современным джазовым оркестром, Хюбнера - с Эберхардом Вебером на альбомах "The Colours of Chloe" и "Chorus". Вместе они на протяжении десятилетий возглавляли ритм-секцию Джаз-ансамбля Гессишен Рундфанкс - см. альбом ECM "Atmospheric Conditions Permitting".

Пианисты в группе Schoof были игроками нового поколения. Голландский клавишник Яспер ван'т Хоф пришел в Schoof после игры в группе Пьера Курбуа Association PC и коллективе Pork Pie, в который также входили Чарли Мариано и Филипп Катрин, в то время, когда рок и джаз оказывали влияние друг на друга.

Рецензии в прессе:

Это долгожданное переиздание, дополненное обширной фотодокументацией, одной из самых ясных по замыслу и атмосферных по звучанию музыки, которую я слышал в конце 70-х годов. Майкл Такер, Jazz Journal / Jazz Review

Эта пластинка вызывает во мне множество откликов, и все они хорошие. Игра очень красива. Темно-темный бас-кларнет Пильца прекрасно сочетается с величественными североевропейскими тонами Шуфа, а ритм-секции удается быть одновременно и легкой, и поддерживающей. Это музыка, в которой инструменты сплетаются и расплетаются, каждый из них одновременно связан и независим. Форма и импровизация сливаются органично и гармонично. Дункан Хейнинг, Jazzwise

В подходе группы к репертуару, состоящему из оригинальных произведений Шуфа, Хюбнера и ван'т Хофа, отразилось стремление сочетать свободу со структурой, и результат отличается непреходящим лиризмом и мелодической красотой. Благодаря блестяще гибкой ритм-секции, полностью отвечающей предъявляемым к ней требованиям, контраст между лирическими трубой и флюгельгорном Шуфа и терпким бас-кларнетом Пильца удался. Слаженность и красота... показывают, что один из великих европейских ансамблей находится на пике популярности". Рэй Комиски, The Irish Times

Можно снова долго наслаждаться лирическим сочетанием флюгельгорна и бас-кларнета, сдержанно поддерживаемым басом и фортепиано, не очень управляемым, но внимательно и точно дополняемым ударными. ... То, что получилось у Шуфа и его коллег-музыкантов, выступающих здесь в отличной форме, звучит захватывающе и при этом вполне современно. Музыка с ясным взглядом на горизонт, воздушная и интимная одновременно". Ульрих Крист, Jazzthetik

Этой музыке около 30 лет, но звучит она явно вне времени - лучшая из трех давно не издававшихся пластинок, которые Манфред Шуф записал со своим квинтетом во второй половине 1970-х годов. ... Он включает "свободное", создает точки ориентации, обосновывает его остинато, свингующим ритмом, звуковой поверхностью и противопоставляет неистовой "свободной игре" многих коллег некую сублимированную свободу. Новаторские записи. Бертольд Клостерманн, Fono Forum

Молодой, новаторский, разносторонний и красивый - таков Роб ван де Воув, голландский джазовый трубач и росистый новичок на Jazzland Records, лейбле Бугге Весселтофта.

Своими предыдущими альбомами и сотрудничеством с Марком де Клайвом-Лоу он уже успел завоевать известность среди поклонников соул- и джаза.
В своем новом альбоме Роб позволяет импровизационной музыке встретиться с электронными влияниями и тем самым отчасти напоминает молодого Нильса Петтера Молваера, но при этом остается абсолютно аутентичным и оригинальным. Настоящий альбом-открытие!

В честь 80-летия чрезвычайно влиятельного пианиста и композитора Мухала Ричарда Абрамса компания SoundDance выпустила двойной диск, на котором он запечатлен в двух полностью импровизированных концертных дуэтных выступлениях. На первом диске, "Focus, ThruTime... Time→", чикагский титан тенор-саксофона Фред Андерсон впервые играет с Абрамсом, хотя их история насчитывает более пятидесяти лет. К сожалению, это, возможно, последняя запись Андерсона, скончавшегося в 2010 году в возрасте 81 года. На втором, "SoundDance", Абрамс играет с ноутбуком и тромбоном Джорджа Льюиса, композитора и лауреата премии Макартура, известного своими новаторскими работами в области интерактивной компьютерной музыки. В этих выступлениях Абрамс оказывается в двух совершенно разных ситуациях: В дуэте с Андерсоном он находится в более привычной акустической обстановке, в то время как в дуэте с Льюисом ему приходится вести переговоры с огромным количеством акустических и электронных звуковых текстур. Оба выступления не ограничены традиционной структурой песни и представляют собой вершину спонтанного художественного изобретения.

Абрамс - один из самых значительных джазовых музыкантов последних 50 лет. С середины 1950-х годов он был одним из главных участников музыкальной сцены Чикаго, а в начале 1960-х годов возглавил группу Experimental Band, которая стала для него своеобразной отдушиной в расширении музыкального кругозора. Многие музыканты, игравшие с Абрамсом, в том числе Роско Митчелл, Джозеф Джарман и Генри Тредгилл, впоследствии помогли ему основать Ассоциацию содействия творческим музыкантам (AACM), которая стала влиятельной силой в прогрессивном джазе. С тех пор Абрамс выпустил более 25 записей, руководил многочисленными коллективами, по его заказу были написаны произведения для симфонического оркестра и струнного квартета. В 2010 году, когда ему исполнилось 80 лет, он был назван джазовым мастером Национального фонда искусств и включен в Зал славы DownBeat.

Фред Андерсон был одним из ранних членов AACM, а также бессменным участником чикагской сцены не только как музыкант, но и на протяжении более четверти века как владелец Velvet Lounge, эпицентра расцвета авангардной джазовой сцены в этом городе. Он был наставником многих членов AACM второго поколения, таких как Джордж Льюис, Дуглас Эварт, Стив и Икуа Колсон, а также целого поколения перспективных молодых музыкантов Чикаго, включая Кена Вандермарка, Майка Рида, Николь Митчелл, Матану Робертс, Кори Уилкса, Чада Тейлора и многих других.

В начале своей карьеры Андерсон сделал мало записей, но за последние пятнадцать лет он исправил ситуацию, выпустив около двадцати новых и архивных релизов. Эти записи в основном имеют привычный формат: бас и/или барабаны обеспечивают поступательное движение, прокладывая дорогу для продолжительной саксофонной импровизации, в которой Андерсон всегда остается хозяином положения. Он использует сравнительно небольшой набор мотивов. Как сказал Джордж Льюис, игравший в группе Андерсона в 1970-х годах и сочинявший музыку на основе его соло: "Вы знаете, что будет, но не когда и как"

"Focus, ThruTime...Time→" решительно отличается от других. Это выступление - настоящий диалог, неиерархическое взаимодействие двух старых друзей. Каждый музыкант постоянно находится начеку, спонтанно реагируя на каждый поворот. Абрамс играет со свойственной ему прощупывающей изобретательностью и явно не собирался позволять Андерсону закрепиться в своей зоне комфорта. При этом Абрамс добивается от Андерсона одной из самых неожиданных его партий, которые он успел записать. Андерсон скончался 24 июня 2010 года, в тот самый вечер, когда он должен был выступать на фестивале Vision в Нью-Йорке во время вечера, посвященного карьере Мухала Ричарда Абрамса.

дуэт с Джорджем Льюисом "SoundDance" был записан на вечере, посвященном 80-летию Абрамса. Льюис, композитор, тромбонист, технолог, историк, профессор композиции Колумбийского университета и автор книги "A Power Stronger Than Itself: The AACM and American Experimental Music", ставит перед Абрамсом совершенно иные задачи. Льюис использует бесконечное множество звуков и текстур, имеющихся в его распоряжении, чтобы нарисовать картину, полную тонального и текстурного разнообразия, провоцируя Абрамса на все более удивительные реакции. Слушая эту музыку, вы словно отправляетесь в путешествие - вы верите, что она приведет вас в увлекательное место, где вы еще никогда не бывали. После спокойного начала, наполненного пространством, Абрамс и Льюис поднимают волну за волной напряжения и разрядки. Мир, который они вызывают, кажется наполненным гневом и чувством предчувствия, что вряд ли часто встречается в джазе.

Вместе взятые, эти два выступления, записанные на SoundDance, открывают в Абрамсе человека, который даже в возрасте восьмидесяти лет остается преданным стремлению к авантюрным экспериментам в искусстве импровизации. (pirecordings. com)

Джо Чемберс - один из классических барабанщиков, повлиявший на целое поколение барабанщиков в 50-е годы вместе с Максом Роачем и Артом Блэйки. На альбоме Horace To Max он предлагает прекрасный мэйнстрим-джаз с сайдменами вокруг тенориста Эрика Александра, включая композиции Макса Роуча, Хораса Сильвера, Уэйна Шортера, Монка и других.

JOE CHAMBERS - один из барабанщиков пятидесятых и шестидесятых годов, который, наряду с Max Roach и Art Blakey, повлиял на целое поколение барабанщиков. Арчи Шепп, по сути, сравнил качества Чемберса как чувствительного, но динамичного барабанщика с другим влиятельным барабанщиком, Роем Хейнсом. Тем не менее, при всех своих достижениях Джо Чамберс - очень скромный, почти самокритичный музыкант. При всей глубокой музыке, в которой он сыграл свою роль, Чемберс воспринимает свое наследие как один день из жизни. "Когда мы записывали эти альбомы, мы не думали о том, чтобы войти в историю, мы просто делали это в то время" В составе ансамбля, в который входят легендарный Эрик Александр на тенор-саксофоне, Ксавьер Дэвис на фортепиано, красочные перкуссионные эффекты Стива Берриоса и других, Чемберс, играющий на ударных и демонстрирующий свои значительные способности на вибрациях, вдохнул свежую жизнь в ряд известных джазовых классических произведений (таких как Макс Роуч, Хорас Сильвер, Уэйн Шортер, Монк и другие) и одну оригинальную мелодию. Хотя общий подход является мейнстримовым, звучание однозначно современное. В нем сохраняется трепетное отношение к традициям, но при этом четко прослеживается отношение к джазу как к жизненно важной, живой, дышащей сущности.

В своем новом альбоме "Three For All" Джерри Бергонци выбрал свою любимую формацию, в которой он может явно позволить себе свободу только с собственными композициями и, прежде всего, играть их. Не привязываясь к большим гармоническим цементам, он действует своим богатым тембром, сильной экспрессией и оставляет себе достаточно мелодической свободы. Комплименты!

DOWNBEAT сказал о Джерри Бергонци: "Его смелый, пронзительный тон и неистовые потоки нот делают его голос поистине командным" Его игра может быть мускулистой, суетливой и драйвовой, но за ней скрывается глубокий музыкальный ум, особенно очевидный, когда он выступает со своими постоянными коллегами по группе басистом Дэйвом Санторо и барабанщиком Андреа Микелутти, как это происходит здесь. Бергонци не только мастер своего инструмента, но и автор причудливых оригинальных композиций, в которых проявляется настоящая креативность и воображение. На альбоме THREE FOR ALL Джерри впервые на Savant переходит к игре на фортепиано в паре композиций, но формат саксофон/бас/барабаны остается для Джерри предпочтительным средством самовыражения. Несомненно, потому, что это дает ему мелодическую свободу, позволяющую исследовать все возможности, открывающиеся перед ним благодаря одному из самых плодовитых воображений в этом бизнесе.

Дебютный диск одного из основателей возрождения британской фолк-музыки на лейбле ECM - замечательная запись. В ней на музыку положены стихи Дилана Томаса, рассматривается связь Томаса с "бардовской традицией" провидческих валлийских поэтов, таких как Генри Воган, Лливарч Хен и Талиесен, и, пересматривая некоторые из самых сильных песен Робина Уильямсона за его выдающуюся 40-летнюю карьеру, шотландский певец/автор песен прочно вписывает свое творчество в эту традицию. Авторы, представленные на альбоме, являются выдающимися выразителями того, что Уильямсон называет "кованым языком", применяя почти скульптурный подход к написанному и произнесенному слову.

Уильямсон родился в Эдинбурге в 1943 г., профессиональным музыкантом стал в 16 лет. Изначально его вдохновляли такие исполнители традиционной музыки, как Джинни Робертсон, Джо Хини и Джимми Макбит: "Их влияние на меня остается очень сильным. Для меня народная музыка и народные сказки воплощают понятие "вдохновенного голоса", древних тайн, проступающих через певца или рассказчика. Я стараюсь передать это с чистотой"

Робин Уильямсон впервые привлек к себе внимание в 1962 году, когда он, Берт Янш и Клайв Палмер руководили эдинбургским фолк-клубом, ставшим центром новых импульсов в музыке. Среди исполнителей, тяготевших к этому клубу, были Джон Ренборн, Энн Бриггс, Джон Мартин, Рой Харпер и Арчи Фишер. Здесь же базировался дуэт Уильямсона и Палмера. В 1965 году они набрали третьего музыканта, Майка Херона, и назвали себя Incredible String Band, группой, которая быстро вышла за рамки общепринятых определений "фолка". Хотя в то время не существовало удобного названия для их эклектичного смешения стилей, ISB действительно были носителями зарождающейся "мировой музыки", смешивая или противопоставляя современный фолк с уличной музыкой Северной Африки, индийскими рагами, фламенко, багамскими балладами, чикагским и кантри-блюзом, музыкой кувшинных групп, шотландскими и ирландскими джигами и многим другим в рамках глобального музыкального видения. Их влияние на рок-музыку психоделических 60-х годов было огромным, а их записи, выпущенные для Elektra и Island, стали бестселлерами. Запись 1967 г. "The Hangman's Beautiful Daughter" стала хитом Top 5 в Великобритании, а последующие альбомы ISB также попали в чарты. Они заполняли концертные залы по обе стороны Атлантики, выступали на фестивалях, участвовали в Вудстоке и в "Fillmores East and West" Билла Грэма, а также дали множество концертов. Аллен Гинзберг услышал, как Уильямсон и Майк Херон поют свои грамотные, аллюзивные, хорошо продуманные песни, и тут же принялся за "настройку" своей собственной поэзии. Rolling Stones пытались подписать контракт с группой Incredible String на свой лейбл, а исполнители от Джуди Коллинз до Вэна Моррисона делали каверы на песни Уильямсона, которые также высоко оценили Боб Дилан, Пит Тауншенд, Тим Бакли, Джон Леннон и многие другие.

Однако по мере того, как 60-е годы переходили в 70-е, силы, окружавшие Incredible String Band, пытались превратить ее в более традиционную рок-группу, более подходящую для менее творческого времени. Все больше разочаровываясь в таком развитии событий и никогда особо не интересуясь электрической музыкой, Уильямсон ушел из группы во время американского турне в 1974 г. В течение десяти лет он жил в Калифорнии, где писал и публиковал стихи и художественную литературу, а также руководил американским ансамблем The Merry Band. В середине 1980-х гг. он вернулся в Великобританию и поселился в Кардиффе (Уэльс), работая преимущественно как сольный исполнитель, играя теперь в основном на кельтской арфе и гитаре, а также исполняя песни сильнее, чем когда-либо. Его собственная звукозаписывающая компания Pig's Whisker Music документирует его достижения в самых разных областях - от традиционных и современных песен до рассказов, поэзии, музыки для театра и переложений Псалмов. Ежегодно он продолжает активно гастролировать в Великобритании и США, и у него остаются преданные поклонники. Дважды в год в Англии выходит фэнзин, посвященный его нынешнему и прошлому творчеству, "Be Glad For The Song Has No Ending" (по названию фильма 1970 г. о МГБ).

Для своей первой записи на ECM Робин Уильямсон выбрал важного для своего развития писателя - валлийского поэта Дилана Томаса (1914-1953). Любовь к слову у Уильямсона возникла, в частности, после того, как в детстве он услышал трансляцию книги Томаса "Под молочным лесом". Ощущение пьянящей силы слова, соединяющего обыденное и странное в необычайно мощной образности и символизме, никогда не покидало его.

В середине 1980-х годов Уильямсон принял участие в музыкально-театральной постановке драматурга Джеффа Мура "Проспект моря", основанной на жизни Томаса. В этой постановке Уильямсон пел и интонировал тексты Томаса под собственный импровизированный аккомпанемент арфы. Тогда он был поражен музыкальным потенциалом стихов и давно подумывал о более тщательном их исследовании. (Томас, кстати, пользовался большим авторитетом у современных композиторов своего времени и на момент смерти должен был приступить к работе над оперой совместно со Стравинским. Он также был тесно связан с английским 12-тональным композитором Элизабет Лютьенс, которая положила на музыку несколько его стихотворений. Но он также увлекался народной музыкой и однажды сказал, что именно язык шотландских баллад и ритмы Библии заставили его стать поэтом)

в "The Seed-At-Zero", заглавной композиции альбома, использован один из самых загадочных текстов Томаса. В нем речь идет о начале вещей, о зарождении жизни. "In My Craft Or Sullen Art" - своеобразный манифест писателя. Эпическая "Поэма на день рождения", одно из самых удивительных поздних творений Томаса, сочетает в себе размышления о саморазрушительном состоянии человека с размышлениями о красоте и жестокости природы в мире, который в то время, в 1950 году, казалось, стоял на пороге ядерного катаклизма. в "Hold Hard, These Ancient Minutes In The Cuckoo's Month" с сардонизмом рассматривается пристрастие англичан к кровавым видам спорта на фоне великолепной природы. "On No Work Of Words" - расстроенный, но в то же время юмористический рассказ о борьбе с явлением, называемым "писательским блоком". "Священная весна" - о том, как языческая вера в силу любви позволяет найти в себе силы пережить самые тяжелые времена - в данном случае последствия бомбардировки во время Второй мировой войны. (Нет нужды добавлять, что все стихи Томаса имеют гораздо больше слоев смысла).

В процессе записи в проект спонтанно были добавлены и другие стихи, которые Уильямсон начал рассматривать более глубокие поэтические корни Томаса. Альбом открывается песней "The Word" Генри Вогана, великого валлийского поэта-мистика (1621-1695). Здесь также звучат стихи из валлийской традиции, приписываемые бардам Талиесену и Лливарху Хену (VI век н.э.), и хорошо известные "Колокола Римни" валлийского рабочего поэта XX века Идриса Дэвиса.

Эта сокровищница валлийских стихов, положенная на музыку Уильямсоном - за исключением "Rhymney", в которой использована мелодия Пита Сигера, - уравновешивается подборкой его собственных песен. Самая старая из них, "Cold Days Of February", представляет собой песню протеста, первоначально исполненную группой Incredible String Band. При первой записи текст песни был подвергнут цензуре; здесь восстановлен полный текст, из которого становится ясно, что речь идет о текущих проблемах в Ирландии. песня "To God In God's Absence" теперь вырывается из "Священного источника" Томаса. В ней также затрагиваются вопросы веры и неверия. Плотная образность "Skull And Nettlework", размышляющая о кладбищах и стремлении к деторождению, затрагивает темы, которые также волновали Дилана Томаса. Снова и снова, благодаря этим сопоставлениям, мы понимаем, что Томас и Уильямсон в реальном смысле "занимаются одним и тем же делом". Завершает альбом песня "For Mr. Thomas" - мощная дань Уильямсона многогранным качествам его раннего героя.

альбом "The Seed-At-Zero" вышел в августе, что совпало с событиями в Англии. Впервые за 33 года оригинальный состав Incredible String Band в составе Робина Уильямсона, Майка Херона и Клайва Палмера отправляется в совместное турне, включающее два концерта в лондонском театре Bloomsbury (уже распроданы). Интерес СМИ к этому воссоединению очень высок.

Американский релиз диска Уильямсона на лейбле ECM состоится в феврале 2001 года, а затем начнется турне по США, в ходе которого Робин исполнит весь альбом. За этим последуют отдельные американские фестивальные выступления Incredible String Band.

Отзывы прессы:

Уильямсон поставил перед собой сложную задачу, положив на музыку столько стихов Томаса, вероятно, самого музыкально одаренного из всех поэтов, писавших на английском языке со времен самого Шекспира. ... То, что альбом получился таким удачным, - заслуга сдержанности Уильямсона. В сопровождении гитары, арфы и мандолины голос Уильямсона, потрепанный временем, гастролями и дымом, всегда служит словам, а его незагроможденные аранжировки оставляют достаточно места, чтобы каждый слог был полностью услышан и прочувствован, даже если постоянно разветвляющиеся смыслы никогда не могут быть полностью поняты. Результат получился не столько музыкальным (это не критика), сколько бардовским, не столько сборником песен, которые просто более грамотны, чем обычные, сколько вечером с исполнителем кельтских песен, древних и современных. Для такого барда случайное перебирание струн арфы - это скорее знаки препинания и атмосфера, чем плотно сплетенные и структурированные единицы того, что стало называться современной "песней". Здесь же большая часть этого мастерства перешла в сам язык; во многих композициях Уильямсон не столько "поет", сколько увлекается, скандирует или просто внятно говорит. ... Я настоятельно рекомендую этот альбом всем, кто хочет услышать большой, мощный язык - поющий, скандирующий или произносимый как заклинание - пойманный и удерживаемый в музыкальных силах, таких же простых и жестких, как нитки для штопки. В прямом смысле этого слова - заклинательный. Ричард Ленерт, Stereophile

Совершенно убедительная демонстрация уникальности Уильямсона, на которой он объединяет свои многочисленные и разнообразные таланты в интенсивной манере, напоминающей лучшие работы Incredible String Band. Это действительно необычайно хороший альбом, даже по необычайно высоким стандартам Робина. Более того, джазовый/современный лейбл ECM может оказаться идеальным средством для того, чтобы обеспечить Робину авторитет за пределами его привычной фолк-аудитории. Дэвид Кидман, Traditional Music Maker

Шотландец Уильямсон поет и говорит, размышляет и тонизирует, декламирует и декламирует стихи Томаса так же преданно, как и стихи Генри Вогана, валлийского поэта XVII века, стихи кельтских поэтов. Среди них стихи кельтских бардов Лливарха Хена и Талиесена раннего исторического периода, знаменитые "Колокола Рима" Идриса Дэвиса XX века и его собственные тексты: "К Богу в отсутствие Бога" или "Холодные дни февраля", сопровождаемые только его собственными руками на гитаре, мандолине или арфе, часто полностью a cappella. Голос Уильямсона производит тем более неизгладимое впечатление благодаря его безошибочному шотландскому акценту и идиосинкразической артикуляции звуков, морфем, слов и предложений: Возвращение к истокам, речь и пение в непосредственной близости друг от друга, чистая поэзия. Тобиас Бёкер, Jazzpodium

Это не легкая муза. Это словесно-звуковые скульптуры почти медитативного характера. Уильямсон моделирует тексты Томаса, а также валлийских поэтов Генри Вогана, Лливарча Хена и Талисиена, даже когда он их только произносит. Для музыкального самовыражения ему достаточно гитары, арфы и мандолины, поскольку самым главным инструментом является его голос: "На мой стиль повлияли арабские и индийские песнопения, но особенно старые ирландские и шотландские формы выражения", - говорит Уильямсон. Его интересует не литературная лекция, а, скорее, рассказ поэтических историй, жизненных повествований о внутреннем мире. Рональд Эшер, Salzburger Nachrichten

Они редки, но они существуют - эти моменты, когда важна только музыка, ее красота, ее изящество, ее магия. Моменты, когда бит, громкость, хип-хоп и развлекательность уже не играют никакой роли. в этом музыкальном лабиринте открытия можно делать на каждом шагу; вам кажется, что вы видите призрак Ника Дрейка и тень Сида Барретта; песня Пита Сигера "The Bells Of Rhymney" звучит как по волшебству, а песня Робина Уильямсона "For Mr. Thomas", которую когда-то пел Ван Моррисон, сияет, как радуга в финале. - Чудесное путешествие". Петер Фелькель, Musikexpress;

The Seed-At-Zero - это поклон шотландца Уильямсона неоромантическо-сюрреалистической лирике валлийского поэта Дилана Томаса. 57-летний бард разработал звуковой профиль, столь же скудный, сколь и насыщенный, для богатых образами стихов Томаса. Некоторые тексты он просто декламирует, другие поет а капелла, третьи аранжирует с помощью гитары, арфы и мандолины". Несмотря на крайне ограниченные средства, Уильямсон умеет увлечь слушателя на целый час - в основном своим теплым, призрачным голосом, передающим подлинное эмоциональное сочувствие. Маттиас Инхоффен, Stereoplay

В альбоме The Seed-At-Zero традиционное искусство кельтского барда представлено в совершенстве. Когда он хочет, Уильямсону нужен только говорящий голос, чтобы поместить свои слова в комнату, как тщательно выполненную скульптуру. сила исполнения превращает старую традицию в живую современность, а своим собственным лиризмом Уильямсон доказывает, что не уступает великим образцам". Юрген Фрей, Badische Zeitung

The Seed-At-Zero делает извращенный язык валлийских поэтов, особенно стихи Дилана Томаса, по-новому ощутимым с помощью интуитивной и импровизационной музыки. Здесь и вечно бодрствующий вокальный орган Уильямсона, и шотландская приземленность его вокальной мелодии, и бунтарский акцент, и то мистический, то критический реализм большинства песен. Слова The Seed-At-Zero к опыту, их символизм, их сила, их характер". Вольфганг Добелинг, Rolling Stone