Klavier- und Cembalomusik

Информация о товаре

Два гения музыки для фортепиано - первый и последний

Фортепианные сочинения Михаила Ивановича Глинки и Алексея Владимировича Станчинского, двух весьма далеких друг от друга по времени и стилю композиторов, не случайно записаны на одном компакт-диске. Связь между ними как бы обозначает границы временного отрезка русской фортепианной школы XIX века, века, который, по мнению многих, простирался аж до 1914 г. Этот год ознаменовал трагическую гибель Станчинского и начало Первой мировой войны, а вместе с ней и нового искусства России и всего мира. Не менее примечательно и то обстоятельство, что при огромном различии настроений в музыке этих двух композиторов так много общего во внутреннем духе их произведений. Музыка Глинки подобна стихам Пушкина: она удивительно гармонична и изысканно сложна, в ее фактуре нет ничего лишнего, ее язык доступен всем и каждому. Музыка Станчинского напоминает стихи русских поэтов-символистов: язык их туманен, а поэтическая техника находится на грани замысловатости. Тем не менее, в ней нет ничего лишнего. И это отсутствие "избыточности" становится важнейшей чертой и для Пушкина, и для Глинки. Дух "чистой" музыки, свободной от всяких условностей, дышит в их музыке так, как ему хочется.

Как известно, Глинка был учеником знаменитого Джона Филда и в известном месте своих "Воспоминаний" выступил с оправданием своего учителя, критикуя Листа. "Ни я, ни другой искренний поклонник музыкального искусства никогда не согласится с мнением Листа, который однажды заявил мне, что Филд играл слабо (endormi); нет, игра Филда была часто смела, капризна и разнообразна, но он не искажал своего искусства шарлатанством и не рубил котлеты пальцами, как это делают большинство новейших модных пианистов". Музыка Глинки в виртуозных транскрипциях Листа, Балакирева и Лядова предстает перед нами как бы облаченной в модный концертный костюм, который не подходит своему владельцу по размеру. Ему гораздо больше подходит халат с капюшоном со знаменитого портрета композитора. Глинкинская "камерная" манера с ее подчеркнутым вниманием к лаконичной артикуляции каждого звука (в музыке Глинки, как и у Моцарта, "мало нот", но как исключительно трудно некоторым пианистам, способным осилить самые виртуозные пассажи Листа и Рубинштейна, вникнуть в их смысл) оказалась надолго забытой в России, полвека пребывавшей под ослепительными чарами братьев Рубинштейнов, которые, по сути, были виртуозами школы Листа. Лишь в самом начале XX века с закатом романтизма эта тенденция получила неожиданное продолжение в музыке Скрябина. Академик А.В. Ассафьев, очень тонко чувствовавший тенденции своего времени, писал об этом явлении следующее: "Но вот, скажем, исключительное, индивидуальное явление - ...пианист Скрябин - разве он не вызывает в нашей памяти некоторыми своими музыкальными чертами эстетику фортепианной игры Глинки и его замечание о Джоне Филде?".

Алексей Станчинский родился 9 (21) марта 1888 года в деревне Оболсуново, близ Тейково (ныне Ивановская область), в семье инженера. Как и многие другие молодые композиторы его поколения (в том числе и его коллега Анатолий Александров, родившийся в том же году), он считал Скрябина своим первым кумиром, хотя, к счастью, не единственным. Переехав в 1904 году в Москву, Станчинский стал учеником Сергея Танеева, эстетические позиции которого были крайне противоположны скрябинским: он был создателем системы контрапунктов, системы контрапунктов, системы контрапунктов, системы контрапунктов, системы контрапунктов. Создатель единственной в своем роде системы контрапункта, тонкий знаток контрапункта всех стилей истории музыки, сам виртуозный мастер контрапункта, Танеев привил молодежи любовь к причудливому исполнению мелодий, противостоящих и сочетающихся друг с другом в самых разнообразных вариациях. Поэтому не случайно в творчестве Станчинского мы находим многочисленные примеры канонов и фуг. Однако гармоническая основа этих произведений представляет собой смелый музыкальный язык, открытый Скрябиным для многих последующих поколений и лежащий за пределами привычных диатонических интервалов гармонического ряда. Немногочисленные опубликованные сочинения Станчинского произвели настоящий фурор в музыкальных кругах Москвы и Петербурга. Редкая точность и проработанность каждой фразы, каждого отдельного звука, образующего призрачную контрапунктическую вышивку (эти черты были вызваны к жизни самой техникой контрапункта, не терпящей вопроса "можно так или эдак") - вот что отличало музыку этого новоявленного композитора от музыкальной продукции многочисленных эпигонов Скрябина. О нем заговорили как о новом гении... Но все неожиданно оборвалось. Двадцатишестилетний композитор утонул 20 сентября в небольшой речке Балоновке, неподалеку от Новоспасского - имения, где за 110 лет до этого родился Михаил Глинка. В Новоспасском похоронен Станчинский. Циклическая линия, уходящая далеко от центра - Балакирев, Рубинштейн, Чайковский, Рахманинов, Ляпунов, - неожиданно, мистическим образом замкнулась в Смоленской области.

К сожалению, фортепианные сочинения Глинки и Станчинского в настоящее время не часто звучат в больших концертных залах. Необходимость внимательно слушать и разделять интимное эмоциональное переживание диктует для них совсем иные формы реализации - среди малочисленной публики в небольших концертных залах. Разумеется, исполнитель должен обладать и теми качествами, которые в наше время встречаются довольно редко: умением внимательно слушать свой инструмент и контролировать каждую ноту, чтобы в результате получилась, по выражению Джона Филда, применительно к музыке Глинки, "сильная, тонкая и счастливая игра". Александр Малкус, ярый пропагандист музыки Станчинского, относится именно к этой категории музыкантов, столь редкой в наше время. Слушая его исполнение на этом компакт-диске, проникаешься удивительным феноменом "малоформатной" камерной фортепианной манеры игры, которая зачастую дает больший объем внутренних эмоциональных переживаний, чем выступления "звезд" в оркестрах в больших залах. (melody. su)

www. klassik-heute. com

Даже огромному таланту (или особенно такому таланту!) нужно время, нужно самопознание и развитие, чтобы направить свои врожденные и рано приобретенные способности по верному, плодотворному, значимому пути. Мне посчастливилось познакомиться с Фредди Кемпфом несколько лет назад на конкурсе имени Гезы Анды в Цюрихе, когда он - задрапированный предварительными похвалами со стороны английских, как известно, несколько шовинистических музыкальных кругов! - был лишь едва удовлетворен своим талантом и, как следствие, вынужден был вскоре снова уехать.
Первые записи BIS (в том числе и шопеновская подборка / BIS CD 1160) оставили более благоприятные, но отнюдь не ошеломляющие впечатления. Однако теперь, похоже, еще молодой Кемпф, так сказать, нашел себя и смог чутко реализовать свои завидные мануальные способности. Для начинающего, но и для опытного коллекционера Шопена, хорошо знакомого с Харасевичем, Поллини, Чиффрой, Ашкенази, Ольссоном, Аррау или Васари, это означает, что в этом издании Кемпфа он услышит новую версию, внимательную в деталях, иногда в какой-то степени экстравагантную, не лишенную ярости и боевого драматизма в бурлящих драматических эпизодах. Напротив, именно подчеркнуто мелодичные развороты (например, op. 25, 1) показывают Кемпфа как игрока, умеющего отдавать, но не желающего (пока?) сдаваться. К самым верхним нотам упомянутого выше этюда ля-бемоль мажор можно подойти с небольшой задержкой, чтобы дать отдельной ноте теплую собственную жизнь в связи с предшествующим или наступающим мелодическим моментом - и тем самым еще и провести смычком по изобретательно переплетенным мелким гармоническим событиям в нижнем диапазоне действия обеих рук.

Я не хочу ставить запись Кемпфа в один ряд с прежними уточнениями Поллини из двух сборников этюдов (DG), с солнечными, дышаще-сонорными исполнениями Харасевича на Philips в полном смысле слова Рубинштейна, но эта запись, сделанная в Стокгольме в августе 2003 года, должна быть поставлена в верхнюю треть всех известных мне полных записей. Для молодых слушателей CD и SACD это, безусловно, хорошая возможность поближе познакомиться с этюдами Шопена, а затем, возможно, провести сравнение со старыми записями.
Peter Cossé (07.07.2004)

Художественное качество: 8
Качество звука: 9
Общее впечатление: 8

Рецензии

klassik-heute.com: "С этим изданием Кемпфа коллекционер Шопена получает Издание Кемпфа - это свежий, внимательный к деталям вариант, временами экстравагантную версию, которая превращает его в которая в вихревых, драматических эпизодах не лишена ярости и и боевого драматизма в бурлящих драматических эпизодах"

Издание для российского рынка от французского  лейбла Alpha включает буклет на русском языке.

 

Рафаэль Блехач - огромный шопеновский талант, обладающий колоссальным потенциалом на годы и десятилетия вперед. Никогда еще пианист не добивался того, чего добился молодой поляк на Варшавском конкурсе имени Шопена в 2005 году: ему только исполнилось двадцать лет, когда он завоевал не только редко присуждаемую Первую премию, но и все призы. С тех пор, совершая концертный тур по Европе и Азии, он покорил даже самых строгих критиков и при этом приобрел множество друзей благодаря своей скромной, совершенно непритязательной манере. Это пианист, для которого поэзия неизменно приоритетнее любого клавиатурного тигризма; в этом отношении его учитель Кристиан Цимерманн явно оставил свой след. Рафаэль Блехач находится на пути к тому, чтобы стать мастером.

Рецензии

stereoplay 11/07: "Для своего юного возраста 22-летний музыкант демонстрирует поразительно зрелое и цельное прочтение цикла, технически легко объединяя самые разные грани этого поистине революционного сборника афоризмов в грандиозное поэтическое единство"

Рецензии

Gramophone 9/81: "Ценность этой записи в том, что она показывает, как высококлассный артист обращается с фортепиано как с певческим инструментом"

Отзывы

М. Штенгер в FonoForum 2/02: "Берман - философ за роялем. И он знает секреты бельканто. Он вдыхает душу в мелодии, позволяет им расцветать кантабильно, как будто Беллини был крестным отцом. Это действительно завораживающе красиво. То, что Франческо Сантин звучно декламирует сонеты Петрарки, придает этой записи особое качество"