Товары со скидкой

Первоначально выпущенный в марте 1996 года, "Second Toughest In The Infants" является шедевром Underworld - альбомом, который ознаменовал точку, в которой группа проложила свой собственный путь, создав некоторые из самых прогрессивных электронных произведений, когда-либо созданных в Великобритании.

В ретроспективном обзоре критик AllMusic Пол Симпсон сказал, что «альбом Toughest in the Infants остается знаковым, освещая творчество Underworld на пике и оставаясь важным документом эпохи, когда экспериментальная, интеллектуальная электронная танцевальная музыка привлекала значительное внимание мейнстрима». Альбом включен в список «1001 Albums You Must Hear Before You Die».

 

Одной из характерных особенностей богатой театральной традиции Пиренейского полуострова, начиная с драматургов начала XVI в., таких как Хуан дель Энсина в Испании или Жил Висенте в Португалии, является важная роль в этом контексте инцидентной музыки. Уже в начале XVII века в каждом городе полуострова, где разрешались театральные представления - обычно во внутреннем дворике с примитивными сиденьями для зрителей вокруг него, - как священные autos sacramentales, так и светские комедии обычно начинались с тоно из четырех голосов и континуо, известного как cuatro de empezar (буквально "четырехчастное начало"), за которым иногда следовало loa (lauda). Музыкальные "сценические эффекты" (фанфары при дворе, сигналы военных труб и барабанная дробь, гром во время грозы и т.д.) включались в само действие, как и целые песни и танцы, а в конце спектакля иногда ставилась музыкальная fin de fiesta ("закрытие праздника"). Кроме того, между отдельными актами иногда звучали музыкальные интерлюдии, называемые bailes или entremes, которые нередко достигали довольно высокого уровня развития как в музыкальном, так и в драматическом отношении.

Опера в строгом смысле слова, как драма, полностью переложенная на музыку, появилась на Пиренейском полуострове уже в 1627 году, когда в театре мадридского королевского дворца Колосео дель Буэн Ретиро была представлена опера "La selva sin amor" на либретто самого известного испанского драматурга того времени Феликса Лопе де Вега (1562-1635). Однако, судя по всему, это была искусственная попытка молодого короля Филиппа IV публично продемонстрировать прогрессивные и космополитические художественные наклонности своего двора, скорее всего, под влиянием папского нунция Джулио Роспильози, написавшего либретто к нескольким операм Стефано Ланди в период его пребывания в кругу семьи Барберини в Риме. Музыка (которая не сохранилась) и сценография были выполнены двумя итальянцами - композитором Филиппо Пиччинини и сценографом Козимо Лотти, и хотя сам Лопе де Вега дал высокую оценку спектаклю в предисловии к вышедшему позднее изданию своей пьесы, этот первый оперный эксперимент не имел непосредственного влияния в течение более трех десятилетий. До 1660 года испанский двор ждал постановки двух новых опер, обе с либретто Пердо Кальдерона де ла Барки ("La púrpura de la rosa" и "Celos aún del ayre matan"), и гарантированный успех этой более поздней попытки утвердить новый жанр в Испании почти наверняка был обусловлен тем, что в данном случае музыка была глубоко укоренена в специфически иберийской сценической традиции, а не создавалась в подражание далеким и довольно "экзотическим" вкусам интеллектуальных кругов Флоренции и Рима.

Таким образом, в первые две трети XVII века на сценах Испании и Португалии продолжала развиваться собственная традиция сочетания разговорного диалога с музыкой различных выразительных форм, а не итальянские оперные образцы. Текст и музыка в этих драмах обычно сочетались довольно неформально, в большей или меньшей степени в зависимости от количества и мастерства имевшихся на тот момент музыкантов, а в некоторых случаях ориентируясь и на музыкальный талант самих действующих лиц. Например, более половины комедий и ауто Лопе де Вега содержат конкретные ссылки на те или иные песни, некоторые из которых написаны самим Лопе де Вега, другие взяты из песенного репертуара того времени, и во многих случаях эти вокальные номера можно найти в печатном или рукописном виде в том или ином иберийском музыкальном источнике. Тем не менее, вполне вероятно, что соответствующие представления отличались заметной гибкостью в выборе музыки, а песни, упомянутые в печатном, "официальном" издании, в той или иной степени отражают обстоятельства конкретной постановки и ни в коей мере не соответствуют современному представлению о музыкальном уртексте этих произведений.

Светские песни XVII века, попавшие в театр Лопе де Вега, восходят к двойной традиции полифонических песенников, начало которой было положено более чем столетием ранее "Кансьонеро де Паласио", с одной стороны, и сольными вильянсико и романсами с инструментальным сопровождением, опубликованными с 1536 года в виуэльных книгах Милана, Нарваэса и других. Однако прежнее различие между вилансико с повторяющимся рефреном и строфическим романсом было утрачено, и термин "романс" стал применяться в равной степени к произведениям с рефреном и без него, а также к самым разнообразным композиционным особенностям, став в новом контексте практически синонимом термина "тоно". Другими распространенными терминами для обозначения этого жанра являются tonada (или tonada humana), solo (или solo humano), tonillo, chanzoneta, letra, baile, jácara, обозначающие одно и то же общее состояние светской песни для одного-четырех голосов, с письменным инструментальным сопровождением или без него.

На протяжении первой половины века этот репертуар был собран в нескольких песенниках, хранящихся сейчас в разных странах, в том числе в двух, хранящихся в Национальной библиотеке Мадрида (Romances y letras a tres voces и Libro de Tonos Humanos), два в испанских частных коллекциях (Tonos castellanos - B и Cancionero de Onteniente), а также в библиотеках дворца Ажуда (Лиссабон), Национальной библиотеки в Турине, библиотеки Казанатенсе (Рим) и Баварской государственной библиотеки в Мюнхене, причем последний был составлен переписчиком Королевской капеллы Испании Клаудио де ла Саблонара. Кроме этих рукописных источников, существует печатное издание - Libro segundo de tonos y villancicos (Рим, 1624), отредактированное Хуаном Араньесом, личным музыкантом герцога Пастраны, испанского посланника при Апостольском престоле. Однако именно в сборнике Саблонары сегодня содержится наибольшее количество песен тех композиторов, которые непосредственно связаны с произведениями Лопе де Вега.

Среди них особое место занимает арагонский композитор Хуан Блас де Кастро (ум. 1631), близкий друг Лопе де Вега, который в "Веге на Парнасо" назвал его "вдвойне божественным музыкантом" - оба автора долгое время служили вместе при личном дворе герцога Альбы. Не менее важен в этом контексте и великий фламандский полифонист Маттье Розмарин (ум. 1647), известный в Испании под испаноязычным именем Матео Ромеро и под титулом "Маэстро Капитан" ("Мастер Капитан"). Ему предстояло занять высокий пост капельмейстера Фламандской капеллы - этого прославленного музыкального учреждения, находившегося на службе у испанских королей со времен Филиппа Красивого и Карла V. Еще одним композитором, отличившимся как автор театральных песен при жизни Лопе де Вега, был португалец Мануэль Мачадо (ум. 1646), сын арфиста Испанской королевской капеллы, чьи произведения тщательно зафиксированы в нескольких антологиях в виде рукописей этого периода.

Эти двух-четырехчастные песни, как правило, основаны на мелодичных напевах, некоторые из которых непосредственно вдохновлены простым традиционным романсом Пиренейского полуострова, другие же построены более сложно, часто имеют изысканную структуру и особенно выразительную, почти мадригалистическую обработку текста. Полифоническая фактура тяготеет к диалогу между верхними голосами, параллельному движению на третьем или шестом, а также к гомофонной декламации энергичных ритмических фигур, а не к строго имитационному контрапункту. Часто возникают живые, танцевальные ритмические схемы, явно заимствованные из различных иберийских народных танцев - от канариос и пассакальес до якарас и сегидильяс. Лопе де Вега также глубоко исследовал религиозную тематику, в частности, в своем сборнике духовной поэзии Rimas Sacras, из которого взято поразительное Si tus penas no pruebo, Jesus mío, представленное как "любовный монолог души, обращенной к Богу". Примечательно, что Франсиско Герреро (ум. 1599), самый эмоциональный иберийский композитор сакральной полифонии последней трети XVI века, выбрал это стихотворение для одной из самых проникновенных обработок в своем сборнике "Духовные каноны и вильянески" (Венеция, 1589). Хотя стиль этого сочинения явно отличается от стиля большинства других вокальных произведений, представленных в данной записи, оно помогает составить более полное представление о широком спектре связей Лопе де Вега с музыкой своего времени.

Конечно, можно предположить, что отшлифованные контрапунктические версии, сохранившиеся в полифоническом репертуаре песенников, - это те, которые использовались в реальных спектаклях эпохи Лопе де Вега. Скорее всего, актеры часто исполняли основные мелодии с импровизированным инструментальным сопровождением, иногда в исполнении ансамбля, придерживавшегося проверенных временем принципов contrapunto concertado, которые разрабатывались и применялись в теории музыки Пиренейского полуострова с середины XVI века, иногда - только в исполнении гитары или другого аккордового инструмента, например клавесина или арфы. И даже там, где использовались выписанные полифонические ходы, проблема практического решения инструментария, а также такие важные аспекты исполнительской практики, как орнаментика и уменьшение ("глоса"), остаются сегодня предметом разнообразных интерпретаций при реконструкции с учетом принципов, уже обсуждавшихся такими теоретиками, как Диего Ортис (1553), Хуан Бермудо (1555) и Томас де Санта-Мария (1565).

Однако многие упоминания о музыке в драмах Лопе де Вега не связаны с конкретными песнями, которые можно было бы найти в существующих музыкальных источниках, а ограничиваются общими фразами, такими как "aquí cantan con guitarra" ("здесь поют под гитару"), "aquí cantan y bailan" ("здесь поют и танцуют") или даже просто "suena música" ("здесь есть музыка"). Это открывает широкое поле для попыток реконструировать музыкальную среду его театра, особенно в части инструментальной музыки. Помимо чисто инструментальных версий песенного репертуара песенников, существует обширный сольный репертуар иберийской музыки, написанной специально для инструментального исполнения, - от "Рецеркады для альтов" Ортиса 1553 года до целой сокровищницы виуэлы и клавирной музыки, изданной начиная с середины 1530-х годов, - из которого можно почерпнуть подходящие для этих целей произведения. Настоящий альбом представляет собой подборку сочинений, иллюстрирующих эти разнообразные области инструментального репертуара. В своей основополагающей "Траттадо де глосас" Ортис представил ряд виртуозных уменьшений на нескольких наиболее популярных басовых остинатах своего времени, в том числе на пассамеццо модерно и романеска, которые были записаны здесь. Богатый испанский репертуар для виуэлы представлен двумя сонетами Анрикеса де Вальдеррабано из опубликованного им сборника 1547 года, которые отражают утонченную традицию инструментального контрапункта, ставшего лидером в развитии композиции для щипковых инструментов во всей Европе.

Наконец, мы представляем в этой записи произведения трех выдающихся композиторов-клавирников того времени: Антониу де Кабесона (ум. 1566), великого виртуоза-органиста, служившего в Королевской камерной музыке Филиппа II, себастьяна Агилеры де Эредиа (ум. 1627), выдающегося органиста Сарагосского собора, и андалузца Франсиско Корреа де Арауксо (ум. 1654), чей "Органный факультет" (1626) был одним из самых влиятельных органных изданий на Пиренейском полуострове в течение всего XVII века. Композиции Кабесона свидетельствуют как о традиции tiento - типично иберийского контрапунктического жанра инструментальной музыки, имеющего сходство с итальянским ricercare, так и о господствовавшей в середине XVI века моде на клавирные уменьшения в популярных франко-фламандских полифонических шансонах, представленных в данном случае песней La dama le demanda.

Среди сочинений Корреа и Агилеры следует выделить те, которые представляют еще один типично иберийский жанр органной музыки, а именно так называемую "баталью", своего рода батальную картину, которая, вероятно, исполнялась во время мессы в период возвышения как своеобразное музыкальное представление мистического поединка между добром и злом. Как и певческий аналог "misa de batalla", она использует театральные мотивы из знаменитой шансоны Жанекена "Мариньянская битва", стремясь изобразить шум битвы. Растущее количество и разнообразие тростниковых голосов в органостроении на Пиренейском полуострове способствовало подбору тембров для этого музыкального представления, которое наверняка производило сильное впечатление на прихожан местных соборов. Версия Корреа де Арауксо - с прямой ссылкой на мессу Кристобаля де Моралеса, которая, в свою очередь, следовала образцу шансона Жанекина, о котором говорилось выше, - стала первым произведением в развитии жанра, в котором в дальнейшем появятся выдающиеся образцы не только его современника Агилеры де Эредиа, но и более поздних испанских и португальских мастеров, таких как Педро де Араухо, Диего да Консейсао, Хосе Сименес или Жоан Кабаниль.

Шедевры Лопе де Вега невозможно понять как чисто литературный и драматический жанр без четкого осознания постоянного взаимодействия музыки и разговорного диалога, которое происходило на сцене в оригинальных постановках. Но помимо этой непосредственной связи в контексте оригинальной исполнительской практики, театр Лопе де Вега является также неотъемлемой частью единого культурного и интеллектуального мировоззрения, определявшего и определяющего весь Пиренейский полуостров в XVI-XVII веках. В этом смысле он находится на другом уровне глубокого взаимопроникновения с музыкой того времени и региона. В этой компиляции, включающей две наиболее известные классические записи этого репертуара, Монтсеррат Фигуерас и Жорди Саваль предлагают нам познать как музыкальный аспект театра, так и театральный аспект музыки в увлекательном наследии испанского Siglo de Oro.

РУИ ВИЕЙРА НЕРИ
Университет Эворы

Перевод: Анна Штеб / Бернд Мюллер

Переработанная опера Верди "Травиата", первоначально не пользовавшаяся успехом у публики, стала одним из самых успешных произведений в истории музыки. Вдохновением для Верди послужил роман французского писателя Александра Дюма "Дама с камелиями". В нем рассказывается история Мари Дюплесси, самой востребованной куртизанки того времени, которая умерла от смертельной болезни в возрасте 23 лет. В роли Виолетты Валери, наконец, поставил музыкальный памятник и ей. Впервые за свою карьеру к творчеству Верди обратился известный оперный режиссер Петр Конвичный. Его современная постановка была осуществлена в Грацкой опере в 2011 году. Сопрано Марлис Петерсен, уже прославившаяся на многих оперных сценах, дебютировала в Граце в партии Виолетты. Она убедила публику своим актерским и певческим талантом. Джузеппе Варано изображает влюбленного Альфредо Жермона. Однако его отец Джорджо Жермон, которого исполняет Джеймс Резерфорд, знает, как помешать любви этих двоих. Филармоническим оркестром Граца дирижирует Теквин Эванс.



Мелодрама в трех действиях
Либретто Франческо Мария Пьяве
Прямая трансляция из Оперы Граца, 2011 год

Виолетта Валери..........................................Марлис Петерсен
Флора Бервуа............................................Кристина Антони Ферс
Аннина......................................................Фран Любан
Альфредо Жермон.......................................Джузеппе Варано
Джорджио Жермон.......................................Джеймс Резерфорд
Гастон....................................................Тайлан Мемиоглу
Барон Дуфоль........................................Иван Ореш ˇканин
Маркиз д'Обиньи...................................Дэвид МакШейн
Доттор Гренвилл............................................Константин Сфирис

Грацский филармонический оркестр
Хор и внештатные сотрудники Оперы Граца

Дирижер: Теквин Эванс
Режиссер-постановщик: Петер Конвичный
Художник по декорациям и костюмам: Йоханнес Лейакер
Драматургия: Бернд Криспин, Беттина Барц
Художник по свету: Йоахим Кляйн
Хормейстер: Бернхард Шнайдер

Новые полные записи симфоний Дмитрия Шостаковича - это всегда особое событие, особенно если они сделаны на родине композитора. Национальный симфонический оркестр Татарстана, базирующийся в Казани на берегах Волги, уже успел зарекомендовать себя как один из лучших современных российских оркестров в ходе двух громких гастролей в Германии.
Главный дирижер Александр Сладковский считается "аристократом" среди современных российских маэстро, вызвавшим большой резонанс, особенно во время зарубежных гастролей с оркестром в концертах с Валентиной Лисицей и Денисом Мацуевым. После нашумевшей полной записи всех симфоний Густава Малера, в которой Сладковский и его татарстанский оркестр сознательно шли на сравнение с одной из важнейших исторических эталонных записей этого репертуара (Кондрашин).
Шостакович, в немалой степени опиравшийся на симфонии Густава Малера, стал для Сладковского следующей вехой на пути по стопам величайших русских дирижеров. С фантастически располагающим к себе Национальным симфоническим оркестром Татарстана Сладковскому удается создать новое полное исследование симфоний Шостаковича, не боящееся сравнения с более ранними образцами.
Роскошно оснащенный бокс убеждает не только чрезвычайно качественной и эстетически приятной презентацией, но и великолепным звуком записи, который порадует даже hi-fi эстетов. Нет никаких сомнений: это новый стандарт Шостаковича, который показывает, как невероятно хороши сегодня снова российские оркестры!

Рецензии

"Сладковский сдвигает маятник, который в последние годы и десятилетия сильно качнулся в сторону политического Шостаковича, в другую сторону. При этом он определенно предлагает возможное альтернативное и убедительное прочтение. А его оркестр преданно следует за ним, причем на высоком техническом и музыкальном уровне" (BR-Klassik)

"Казанский оркестр интерпретирует все симфонии с предельной точностью и динамикой. Дирижер Александр Сладковский, учившийся, в частности, у Марисса Янсонса, избегает пафоса и выбирает поразительно грубые звуки. Ударные часто ставятся наравне со струнными и духовыми - это фундаментальная характеристика этого композитора, который умел создавать мощнейшую драматургию" (RBB Kulturradio)

альбом "Closing Time" дает представление о том, что Уэйтс ассоциируется с лирическими рассказами и оригинальной смесью джаза, блюза и фолка. На этом дебютном альбоме Уэйтс интерпретирует классику своей карьеры: "Ol' 55" (известную в исполнении группы Eagles), душераздирающую "Martha" и нежный акустический фолк "I Hope That I I Hope That I Don't Fall In Love With You".

В честь 50-летия новаторского дебюта альбом впервые переиздан в виде двойного LP: с новым полускоростным мастерингом в студии Abbey Road.

"Blue Electric Light" - это страстный сборник песен, созданный человеком, чья музыка - не говоря уже о его уникальном стиле - продолжает вдохновлять миллионы людей по всему миру. Альбом демонстрирует таланты Кравица как автора, продюсера и мультиинструменталиста, поскольку он сам  сыграл на большинстве инструментов, вместе со своим давним аккомпаниатором, гитаристом Крейгом Россом.
 
Ленни Кравиц выиграл четыре премии GRAMMY и продал 40 миллионов альбомов по всему миру. Недавно CFDA удостоило его награды «Икона моды» и в 2023 году он был введен в Аллею славы в Голливуде.

"Black Box" - это прекрасное музыкальное путешествие, посвященное всем оттенкам блюза. От рабочих песен чернокожих заключенных, записанных Аланом Ломаксом в 1930-х годах, до прото-рэпа Бо Диддли и saudade - той непереводимой меланхолии, которая движет великим ангольским певцом Бонгой в звуковой машине Repac представлены блюзовые вариации со всего мира.

Гитарист, композитор, аранжировщик и продюсер обычно работает на заднем плане, он избегает внимания и предпочитает, чтобы музыка говорила сама. В своей студии на Монмартре он проводит ночи, вспоминая отголоски давно забытых миров. Со временем он стал мастером свободной, ассоциативной игры с сэмплами. Помещая их в контекст современного живого мегаполиса, он дает им вторую музыкальную и лирическую жизнь.

После почти восьмилетнего молчания канадские мастера tech death Beneath the Massacre вернулись еще громче.

Новый альбом "Fearmonger", которого так долго ждали поклонники, представляет собой брутальный, технически сложный и современный дэт-метал в его лучшем виде.

Красный альбом

В июне 2020 года Whitesnake выпустили "The Rock Album (2020 Remix)" - специальный сборник своих самых тяжелых рок-песен, первый релиз новой "Красной, белой и блюзовой трилогии", которая выстроена по музыкальным темам: песни о любви (красный), "The Rock Album" (белый) и блюзовый альбом (синий).

Теперь вторая часть - альбом "Love Songs (2020 Remix)" - наконец-то готова.

Название говорит само за себя: 15-песенный сборник посвящен одним из самых страстных и душевных произведений в ее карьере, выпущенных в период с 1989 по 2011 год. В него вошли как баллады, так и несколько романтических рок-песен.

В сборник вошли такие хиты, как "Is This Love", "The Deeper The Love", "Now You're Gone", Don't You Cry", "Midnight Blue" и многие другие.

В альбом "Love Songs (2020 Remix)" также вошли три ранее не издававшихся ауттейка с сессий альбома "Into The Light": "With All Of My Heart", "Yours For The Asking" и "Let's Talk It Over".

Для переиздания все песни были подвергнуты ремикшированию и ремастерингу.

Лучшие песни о любви Whitesnake на одной пластинке, да еще и в новом звучании: вот "Love Songs (2020 Remix)".

PS: А вот и "Рок-альбом".