Товары со скидкой в разделе Музыка на SACD

Информация о продукте

Для этого юбилейного релиза компания IMPEX дополнила оригинальные восемь песен альбома ослепительным набором ПРЕЖДЕ ВСЕГО НЕИЗДАННЫХ БОНУСНЫХ ТРЕКОВ, включая альтернативные дубли, треки только с оркестром и откровенный взгляд на Фрэнка Синатру в знаменитой студии Columbia на 30-й улице (около 1949 года), который лично руководит всеми процессами записи. Эта изысканная сессия с высоким качеством записи представляет собой наиболее краткую и подробную иллюстрацию того, как Фрэнк Синатра творит магию в студии и выступает в роли собственного продюсера.

Новое делюксовое переиздание, созданное в сотрудничестве с Sony Music's Legacy Recordings, было подготовлено известным продюсером, автором и историком Чарльзом Л. Гранатой и отреставрировано/ремастировано шестикратным лауреатом премии "Грэмми" инженером звукозаписи Андреасом Мейером. Гибридная версия SACD/CD высокого разрешения была подготовлена Гасом Скинасом (Gus Skinas) в Super Audio Center / Sonoma Systems. К изданию прилагается обширный полноцветный буклет, оформленный Робертом Слайгером, содержащий подробный исторический очерк, полную дискографию / список персонала, подробные технические примечания, составленные Гранатой, а также щедрый набор редких фотографий, рекламных иллюстраций и неопубликованных визуальных эфемеров, относящихся к альбому. Исполнительные продюсеры - Эйби Фонн и Боб Бантц.

Рецензии

"...Молодой, но музыкально зрелый Синатра предстает здесь потрясающе обаятельным и жизнерадостным, отчасти благодаря тому, что оркестр играет в точку и в приподнятом настроении" (Stereo, март 2021 г.)

"На восьми трекам 25-сантиметрового оригинала добавились шесть бонус-треков с альтернативными версиями ценность монтажа значительно повышает высокоинформативный содержательный сопроводительный текст продюсера и историка музыки продюсером и историком музыки Чарльза Гранаты, как и в случае с этим Информационно насыщенный 28-страничный буклет должен создать прецедент должен создать прецедент" (Good Times, апрель/май 2021 г.)

Франсуа Куперен во многих своих сочинениях стремился объединить музыкальные стили Италии и Франции. В двух великолепных "апофеозах" с программными названиями он воздвиг звучный памятник главным героям итальянского и французского барокко - Люлли и Корелли, которых в "Апофеозе Люлли" он даже отпускает в Елисейские кущи.

Отзывы

"Музыка представляет собой серию запоминающихся виньеток, поочередно изящных, ярких и выразительных, и она великолепно сыграна и записана" (Gramophone) (Gramophone)

Жемчужина из Голландии
Ансамбль, состоящий из гобоя, кларнета, саксофона, бас-кларнета и фагота, встретишь не каждый день. Кто же его придумал? Голландцы!
Пятеро молодых музыкантов называют себя Calefax и посвящают себя только одному: Хорошая музыка. Неважно, из какой эпохи она родом. Их дебютный альбом варьируется в музыкальном плане от Локателли до Нины Симон и имеет множество программных поворотов, что в любом случае гарантирует одно: С Calefax никогда не бывает скучно!
Записанный в небольшой исторической церкви в Харлеме, этот альбом обладает удивительно теплым и в то же время очень разрешенным звучанием. В сочетании с постоянно удивляющей и убеждающей музыкой эта жемчужина, выпущенная на лейбле Pentatone, является одной из тех, которые ни в коем случае нельзя упускать из виду.

В XVII веке на Пиренейском полуострове исполнялись разнообразные танцы, танцевали под многочисленные романсы и народные песни. Испанские писатели - от Хуана дель Энсина до Мишеля де Сервантеса, от Лопе де Вега до Кальдерона де ла Барка - оставили нам свои лоа, энтремесы, комедии и танцы, замечательный репертуар "rico de villancicos, de coplas, seguidillas y zarabandas" ("богатый народными песнями, стихами, народными танцами и сарабандами"), где люди "танцевали от души" ("hasta molerse el alma" - La Entretenida) и где они "пели так изящно" - La Gitanilla), "что слушатели теряли рассудок" - Persiles y Segismunda. Великий поэт Мигель де Сервантес рассказывает в "Гитанилле", как ди Прециоза танцевала и пела под ритм бубна и кастаньет "por ser la danza cantada" ("ибо танец был исполнен"), и как она аккомпанировала себе "unas sonajas, al son de las cuales dando en redondo largas y ligerísimas vueltas cantó un romance" ("с некоторыми барабанными колокольчиками, под звуки которых она легкомысленно кружилась по кругу и пела романс").

Исторический и социальный контекст эпохи позволил соединить множество различных народных и придворных влияний, которые отразились в повседневной музыкальной практике, и таким образом проявилось все многообразие видов, качеств и форм пения. Сам Сервантес описывает нам, как Фелисиана де ла Воз "зазвучала на ветру и запела", да так красиво, что "приостановила чувства", ("что лишила чувств" - Persiles y Segismunda), или, как пел Эскаланте Сегидильяс, "con voz sutil y quebradiza" ("нежным и хрупким голосом" - Rinconete y Cortadillo). Так и Лопе де Вега в "Виаже дель альма" дает такой совет: "tañe, canta, come y bebe, salta y corre, danza y baila" ("играй, пой, ешь и пей, прыгай и скачи, танцуй и кружись"), а Лукас Фернандес говорит в комедии "Aballemos, que cantando nos iremos; ¿qué cantar quieres cantar? uno que sea de bailar" ("Пойдемте, мы хотим спеть, пока мы здесь; какую песню? ту, под которую можно танцевать"). Наконец, процитируем еще раз Сервантеса в "Кихоте Ламанчском", когда Альтисидора говорит: "no quería que mi canto descubriese mi corazón..." ("Я не хотела, чтобы мое пение выдало мои чувства"), а в "Талисмане" он восхваляет "la barbera que canta por el cielo y baila por la tierra" ("цирюльника, который поет в небесах и танцует на земле").

Поэтическая и музыкальная мощь предыдущих веков сохранялась на всех уровнях, включая самый народный, так как литературные свидетельства показывают, что певцы XVII века знали старинные народные песни и романсы (например, Gaiferos y Melisanda, Durandarte, Conde Claros, Dos Ánades, Madre la mi madre, Tres morillas и др. ), а также называли технику импровизации и орнаментов haziendo garganta (в горле), так как они использовались на протяжении всего XVI века в репертуаре для голоса и лютни (Milán, Narváez, Mudarra и др.). Все это способствовало созданию и закреплению подлинного музыкального сокровища необычайной силы и красоты.

Большинство "Человеческих тонов" Хосе Марина, отобранных нами для этого сборника, написаны для пассакалий, канариос, эспаньолетос, якарас, парадетос и сарабанд, причем Марину всегда удается добиться того, чтобы пение было вдохновлено поэтическим текстом, не теряя при этом живости танца. Импровизированные глоссы и галантные украшения, исполняемые exempore как голосом, так и нисходящими струнами гитары и арфы или нежными ударами тамбуринов и кастаньет, приближают нас к привилегированному моменту иберийской музыки, где дух древних смешивается с более современными влияниями, рожденными в лоне многорасовой культуры и всегда возникающими из души ее народов.

Монтсеррат Фигуерас
Беллатерра, январь 1998 г

Отзывы

Д. Хюхтинг в KLASSIK heute 8/98: "Гитара, арфа, Кастаньеты и перкуссия эффективно создают инструментальную атмосферу, но Монтсеррат Фигуерас делает этот Фигуерас превращает этот компакт-диск в захватывающее зрелище она играет со страстью кантаоры фламенко Я знаю только одно сравнение для этой великой артистки: она - Калла только одно сравнение: она - Каллас старинной музыки как и она, она соединяет в себе высочайшее вокальное совершенство Как и она, объединяет высочайшее вокальное совершенство с предельной интенсивностью выражения"

Одной из характерных особенностей богатой театральной традиции Пиренейского полуострова, начиная с драматургов начала XVI в., таких как Хуан дель Энсина в Испании или Жил Висенте в Португалии, является важная роль в этом контексте инцидентной музыки. Уже в начале XVII века в каждом городе полуострова, где разрешались театральные представления - обычно во внутреннем дворике с примитивными сиденьями для зрителей вокруг него, - как священные autos sacramentales, так и светские комедии обычно начинались с тоно из четырех голосов и континуо, известного как cuatro de empezar (буквально "четырехчастное начало"), за которым иногда следовало loa (lauda). Музыкальные "сценические эффекты" (фанфары при дворе, сигналы военных труб и барабанная дробь, гром во время грозы и т.д.) включались в само действие, как и целые песни и танцы, а в конце спектакля иногда ставилась музыкальная fin de fiesta ("закрытие праздника"). Кроме того, между отдельными актами иногда звучали музыкальные интерлюдии, называемые bailes или entremes, которые нередко достигали довольно высокого уровня развития как в музыкальном, так и в драматическом отношении.

Опера в строгом смысле слова, как драма, полностью переложенная на музыку, появилась на Пиренейском полуострове уже в 1627 году, когда в театре мадридского королевского дворца Колосео дель Буэн Ретиро была представлена опера "La selva sin amor" на либретто самого известного испанского драматурга того времени Феликса Лопе де Вега (1562-1635). Однако, судя по всему, это была искусственная попытка молодого короля Филиппа IV публично продемонстрировать прогрессивные и космополитические художественные наклонности своего двора, скорее всего, под влиянием папского нунция Джулио Роспильози, написавшего либретто к нескольким операм Стефано Ланди в период его пребывания в кругу семьи Барберини в Риме. Музыка (которая не сохранилась) и сценография были выполнены двумя итальянцами - композитором Филиппо Пиччинини и сценографом Козимо Лотти, и хотя сам Лопе де Вега дал высокую оценку спектаклю в предисловии к вышедшему позднее изданию своей пьесы, этот первый оперный эксперимент не имел непосредственного влияния в течение более трех десятилетий. До 1660 года испанский двор ждал постановки двух новых опер, обе с либретто Пердо Кальдерона де ла Барки ("La púrpura de la rosa" и "Celos aún del ayre matan"), и гарантированный успех этой более поздней попытки утвердить новый жанр в Испании почти наверняка был обусловлен тем, что в данном случае музыка была глубоко укоренена в специфически иберийской сценической традиции, а не создавалась в подражание далеким и довольно "экзотическим" вкусам интеллектуальных кругов Флоренции и Рима.

Таким образом, в первые две трети XVII века на сценах Испании и Португалии продолжала развиваться собственная традиция сочетания разговорного диалога с музыкой различных выразительных форм, а не итальянские оперные образцы. Текст и музыка в этих драмах обычно сочетались довольно неформально, в большей или меньшей степени в зависимости от количества и мастерства имевшихся на тот момент музыкантов, а в некоторых случаях ориентируясь и на музыкальный талант самих действующих лиц. Например, более половины комедий и ауто Лопе де Вега содержат конкретные ссылки на те или иные песни, некоторые из которых написаны самим Лопе де Вега, другие взяты из песенного репертуара того времени, и во многих случаях эти вокальные номера можно найти в печатном или рукописном виде в том или ином иберийском музыкальном источнике. Тем не менее, вполне вероятно, что соответствующие представления отличались заметной гибкостью в выборе музыки, а песни, упомянутые в печатном, "официальном" издании, в той или иной степени отражают обстоятельства конкретной постановки и ни в коей мере не соответствуют современному представлению о музыкальном уртексте этих произведений.

Светские песни XVII века, попавшие в театр Лопе де Вега, восходят к двойной традиции полифонических песенников, начало которой было положено более чем столетием ранее "Кансьонеро де Паласио", с одной стороны, и сольными вильянсико и романсами с инструментальным сопровождением, опубликованными с 1536 года в виуэльных книгах Милана, Нарваэса и других. Однако прежнее различие между вилансико с повторяющимся рефреном и строфическим романсом было утрачено, и термин "романс" стал применяться в равной степени к произведениям с рефреном и без него, а также к самым разнообразным композиционным особенностям, став в новом контексте практически синонимом термина "тоно". Другими распространенными терминами для обозначения этого жанра являются tonada (или tonada humana), solo (или solo humano), tonillo, chanzoneta, letra, baile, jácara, обозначающие одно и то же общее состояние светской песни для одного-четырех голосов, с письменным инструментальным сопровождением или без него.

На протяжении первой половины века этот репертуар был собран в нескольких песенниках, хранящихся сейчас в разных странах, в том числе в двух, хранящихся в Национальной библиотеке Мадрида (Romances y letras a tres voces и Libro de Tonos Humanos), два в испанских частных коллекциях (Tonos castellanos - B и Cancionero de Onteniente), а также в библиотеках дворца Ажуда (Лиссабон), Национальной библиотеки в Турине, библиотеки Казанатенсе (Рим) и Баварской государственной библиотеки в Мюнхене, причем последний был составлен переписчиком Королевской капеллы Испании Клаудио де ла Саблонара. Кроме этих рукописных источников, существует печатное издание - Libro segundo de tonos y villancicos (Рим, 1624), отредактированное Хуаном Араньесом, личным музыкантом герцога Пастраны, испанского посланника при Апостольском престоле. Однако именно в сборнике Саблонары сегодня содержится наибольшее количество песен тех композиторов, которые непосредственно связаны с произведениями Лопе де Вега.

Среди них особое место занимает арагонский композитор Хуан Блас де Кастро (ум. 1631), близкий друг Лопе де Вега, который в "Веге на Парнасо" назвал его "вдвойне божественным музыкантом" - оба автора долгое время служили вместе при личном дворе герцога Альбы. Не менее важен в этом контексте и великий фламандский полифонист Маттье Розмарин (ум. 1647), известный в Испании под испаноязычным именем Матео Ромеро и под титулом "Маэстро Капитан" ("Мастер Капитан"). Ему предстояло занять высокий пост капельмейстера Фламандской капеллы - этого прославленного музыкального учреждения, находившегося на службе у испанских королей со времен Филиппа Красивого и Карла V. Еще одним композитором, отличившимся как автор театральных песен при жизни Лопе де Вега, был португалец Мануэль Мачадо (ум. 1646), сын арфиста Испанской королевской капеллы, чьи произведения тщательно зафиксированы в нескольких антологиях в виде рукописей этого периода.

Эти двух-четырехчастные песни, как правило, основаны на мелодичных напевах, некоторые из которых непосредственно вдохновлены простым традиционным романсом Пиренейского полуострова, другие же построены более сложно, часто имеют изысканную структуру и особенно выразительную, почти мадригалистическую обработку текста. Полифоническая фактура тяготеет к диалогу между верхними голосами, параллельному движению на третьем или шестом, а также к гомофонной декламации энергичных ритмических фигур, а не к строго имитационному контрапункту. Часто возникают живые, танцевальные ритмические схемы, явно заимствованные из различных иберийских народных танцев - от канариос и пассакальес до якарас и сегидильяс. Лопе де Вега также глубоко исследовал религиозную тематику, в частности, в своем сборнике духовной поэзии Rimas Sacras, из которого взято поразительное Si tus penas no pruebo, Jesus mío, представленное как "любовный монолог души, обращенной к Богу". Примечательно, что Франсиско Герреро (ум. 1599), самый эмоциональный иберийский композитор сакральной полифонии последней трети XVI века, выбрал это стихотворение для одной из самых проникновенных обработок в своем сборнике "Духовные каноны и вильянески" (Венеция, 1589). Хотя стиль этого сочинения явно отличается от стиля большинства других вокальных произведений, представленных в данной записи, оно помогает составить более полное представление о широком спектре связей Лопе де Вега с музыкой своего времени.

Конечно, можно предположить, что отшлифованные контрапунктические версии, сохранившиеся в полифоническом репертуаре песенников, - это те, которые использовались в реальных спектаклях эпохи Лопе де Вега. Скорее всего, актеры часто исполняли основные мелодии с импровизированным инструментальным сопровождением, иногда в исполнении ансамбля, придерживавшегося проверенных временем принципов contrapunto concertado, которые разрабатывались и применялись в теории музыки Пиренейского полуострова с середины XVI века, иногда - только в исполнении гитары или другого аккордового инструмента, например клавесина или арфы. И даже там, где использовались выписанные полифонические ходы, проблема практического решения инструментария, а также такие важные аспекты исполнительской практики, как орнаментика и уменьшение ("глоса"), остаются сегодня предметом разнообразных интерпретаций при реконструкции с учетом принципов, уже обсуждавшихся такими теоретиками, как Диего Ортис (1553), Хуан Бермудо (1555) и Томас де Санта-Мария (1565).

Однако многие упоминания о музыке в драмах Лопе де Вега не связаны с конкретными песнями, которые можно было бы найти в существующих музыкальных источниках, а ограничиваются общими фразами, такими как "aquí cantan con guitarra" ("здесь поют под гитару"), "aquí cantan y bailan" ("здесь поют и танцуют") или даже просто "suena música" ("здесь есть музыка"). Это открывает широкое поле для попыток реконструировать музыкальную среду его театра, особенно в части инструментальной музыки. Помимо чисто инструментальных версий песенного репертуара песенников, существует обширный сольный репертуар иберийской музыки, написанной специально для инструментального исполнения, - от "Рецеркады для альтов" Ортиса 1553 года до целой сокровищницы виуэлы и клавирной музыки, изданной начиная с середины 1530-х годов, - из которого можно почерпнуть подходящие для этих целей произведения. Настоящий альбом представляет собой подборку сочинений, иллюстрирующих эти разнообразные области инструментального репертуара. В своей основополагающей "Траттадо де глосас" Ортис представил ряд виртуозных уменьшений на нескольких наиболее популярных басовых остинатах своего времени, в том числе на пассамеццо модерно и романеска, которые были записаны здесь. Богатый испанский репертуар для виуэлы представлен двумя сонетами Анрикеса де Вальдеррабано из опубликованного им сборника 1547 года, которые отражают утонченную традицию инструментального контрапункта, ставшего лидером в развитии композиции для щипковых инструментов во всей Европе.

Наконец, мы представляем в этой записи произведения трех выдающихся композиторов-клавирников того времени: Антониу де Кабесона (ум. 1566), великого виртуоза-органиста, служившего в Королевской камерной музыке Филиппа II, себастьяна Агилеры де Эредиа (ум. 1627), выдающегося органиста Сарагосского собора, и андалузца Франсиско Корреа де Арауксо (ум. 1654), чей "Органный факультет" (1626) был одним из самых влиятельных органных изданий на Пиренейском полуострове в течение всего XVII века. Композиции Кабесона свидетельствуют как о традиции tiento - типично иберийского контрапунктического жанра инструментальной музыки, имеющего сходство с итальянским ricercare, так и о господствовавшей в середине XVI века моде на клавирные уменьшения в популярных франко-фламандских полифонических шансонах, представленных в данном случае песней La dama le demanda.

Среди сочинений Корреа и Агилеры следует выделить те, которые представляют еще один типично иберийский жанр органной музыки, а именно так называемую "баталью", своего рода батальную картину, которая, вероятно, исполнялась во время мессы в период возвышения как своеобразное музыкальное представление мистического поединка между добром и злом. Как и певческий аналог "misa de batalla", она использует театральные мотивы из знаменитой шансоны Жанекена "Мариньянская битва", стремясь изобразить шум битвы. Растущее количество и разнообразие тростниковых голосов в органостроении на Пиренейском полуострове способствовало подбору тембров для этого музыкального представления, которое наверняка производило сильное впечатление на прихожан местных соборов. Версия Корреа де Арауксо - с прямой ссылкой на мессу Кристобаля де Моралеса, которая, в свою очередь, следовала образцу шансона Жанекина, о котором говорилось выше, - стала первым произведением в развитии жанра, в котором в дальнейшем появятся выдающиеся образцы не только его современника Агилеры де Эредиа, но и более поздних испанских и португальских мастеров, таких как Педро де Араухо, Диего да Консейсао, Хосе Сименес или Жоан Кабаниль.

Шедевры Лопе де Вега невозможно понять как чисто литературный и драматический жанр без четкого осознания постоянного взаимодействия музыки и разговорного диалога, которое происходило на сцене в оригинальных постановках. Но помимо этой непосредственной связи в контексте оригинальной исполнительской практики, театр Лопе де Вега является также неотъемлемой частью единого культурного и интеллектуального мировоззрения, определявшего и определяющего весь Пиренейский полуостров в XVI-XVII веках. В этом смысле он находится на другом уровне глубокого взаимопроникновения с музыкой того времени и региона. В этой компиляции, включающей две наиболее известные классические записи этого репертуара, Монтсеррат Фигуерас и Жорди Саваль предлагают нам познать как музыкальный аспект театра, так и театральный аспект музыки в увлекательном наследии испанского Siglo de Oro.

РУИ ВИЕЙРА НЕРИ
Университет Эворы

Перевод: Анна Штеб / Бернд Мюллер

Отзывы прессы:
Блестящее педо для шедевра Дворжака с влиянием богемы, который часто недооценивают.
DIE ZEIT, 12.05.2005

Информация о продукте:
Шестая симфония обеспечила Дворжаку первый международный успех после ее премьеры в 1881 году. Вездесущее, безошибочное влияние родной Богемии звучит в ней, особенно в неудержимом неистовстве Скерцо. Две записи 8-й и 9-й симфоний Дворжака с сэром Колином Дэвисом и Лондонским симфоническим оркестром стали первыми, выпущенными только что созданным оркестровым лейблом LSOlive, и сразу же закрепили за ним международную репутацию.

О содержании компакт-диска:

Vincent Lübeck & the Treutmann Organ

В нашем масштабном SACD-издании с полными записями великих органных мастеров северогерманского барокко на исторических инструментах мы посвящаем этот диск Винсенту Любеку, уроженцу Падингбюттеля, и его сыну. В возрасте 20 лет Винсент Старший стал органистом церкви Святого Космы и Дамиани, а с 1690 года - и титулярным органистом шведской церкви Святого Мариена в Штаде. Как преподаватель он пользовался там такой репутацией, что ученики приезжали к нему из разных мест. Но его высоко ценили и как композитора, и как специалиста по изготовлению органов, так что в 1702 году он был назначен в Николаиоргель в Гамбурге. После его смерти преемником стал его сын, также носивший имя Винсент. Настоящая запись объединяет все сохранившиеся органные сочинения отца и сына, большинство из которых были написаны до 1710 года. Обращает на себя внимание предпочтение реперкуссионных мотивов и большое количество фуг с двойными темами. Концертные пассажи, броская мелодия и часто ясная гармония свидетельствуют о повороте к галантному стилю. Фридхельм Фламме исполняет произведения серьезным, фундаментальным звуком на органе Treutmann, который является одним из важнейших инструментов первой половины XVIII века и единственным сохранившимся органом Treutmann, представляющим собой синтез северогерманского и среднегерманского органостроения.

Информация о продукте

Винсент Любек и орган Треутманна

Наше великолепное SACD-издание с полными записями великих органных мастеров северогерманского барокко на исторических инструментах теперь обращается к уроженцу Падингбюттеля Винсенту Любеку и его сыну. В возрасте двадцати лет Винсент Старший стал органистом в церкви свв. Космы и Дамиана, а с 1690 г. стал также титулярным органистом шведской церкви Святой Марии в Штаде. Как преподаватель он пользовался там такой репутацией, что ученики приезжали к нему из разных мест. Он также пользовался большим уважением как композитор и специалист по изготовлению органов и был назначен органистом церкви Святого Николая в Гамбурге в 1702 г. После его смерти его преемником стал сын, также носивший имя Винсент. В настоящей записи собраны все сохранившиеся органные сочинения отца и сына, большинство из которых относится к периоду до 1710 г. Обращает на себя внимание пристрастие к реперкуссионным мотивам и большое количество фуг с двойными темами. Концертные пассажи, броские мелодии, часто ясные гармонии отражают обращение к галантному стилю. Фридхельм Фламме интерпретирует эти произведения на органе Треутманна - единственном сохранившемся органе Кристофа Треутманна и, таким образом, одном из важнейших инструментов первой половины XVIII века, представляющем синтез северного и центрально-германского строительных стилей, - со звуком, отмеченным тяжестью и фундаментальными тонами.

Отзывы

Early Music Magazine 10/06: "Отличная игра, тонкое чувство архитектуры этих порой сложных произведений"
klassik.com 05/07: "Звучный инструмент с тремя мануалами и педалью идеально подходит для северогерманского репертуара и обладает впечатляющей тональной палитрой, с которой Фридхельм Фламме работает энергично: с большой виртуозностью и богатой дифференциацией в выборе стоп, органист, безусловно, соответствует зачастую высоким техническим требованиям игры.в очередной раз впечатляет невероятно естественное пространственное звучание, переданное командой cpo. Орган звучит как бы встроенным в церковное пространство, но при этом не слишком реверберирует или неясен. Это тот случай, когда технология SACD оправдывает себя"

Информация о продукте:

Времена года "со многими инструментами" и "а-ля Гвидо

В исполнительской практике XVIII века соответствующий инструментарий был определен гораздо менее точно, чем это кажется возможным сегодня. Правила партитур имели лишь относительное значение, то есть существовала явная возможность замены одного инструмента другим, добавления частей ad libitum или их удаления - в зависимости от обстоятельств, имеющихся инструментальных ресурсов или традиций и вкусовых предпочтений, сложившихся в том или ином месте. Кроме того, музыкальные издатели были заинтересованы в выпуске таких стандартных жанров, как трио-соната или скрипичный концерт со струнными и basso continuo, которые отвечали ожиданиям преимущественно любительской аудитории. Внимание издателей было явно сосредоточено на тех произведениях, которые могли быть коммерчески востребованы как в силу их партитурности, так и в силу их доступности. Поэтому в печатных изданиях XVIII века не было ничего необычного в том, чтобы представить гибкий инструментарий с целью охвата как можно большей аудитории.

Инструментальная нотация Антонио Вивальди, особенно для струнных, отличается необычной для того времени точностью. Основное внимание уделялось деталям выразительности, динамике, артикуляции и фразировке. В то же время эта же нотация предоставляет исполнителю возможность той или иной модификации или альтернативы, что, по общему признанию, не является противоречием: скорее, это говорит о чувствительности композитора к физическим и телесным качествам звука, о его стремлении сделать тембр структурным компонентом произведения. Оба аспекта отражают осознание того, что запись партитуры - это творческий процесс, допускающий определенные вариации в определенных пределах и способный тем самым открыть новые смысловые уровни.

Если Вивальди не предлагал таких вариантов, то его современники, безусловно, их предлагали. Известно, в частности, что Иоганн Георг Пизендель адаптировал многие концерты к практике, распространенной в дрезденском придворном оркестре. Особенностью этого саксонского оркестра была большая доля духовых инструментов, для которых Вивальди также написал несколько произведений (в том числе превосходный "Концерт для дрезденского оркестра" RV 577).

Независимо от источников, сегодня Le quattro stagioni в любом случае являются концертами для скрипки, струнных и basso continuo. Однако с исторической точки зрения можно представить себе и другое - что они исполнялись ансамблем, подобным знаменитой Дрезденской капелле, т.е. с большим количеством духовых инструментов. Поскольку композитор в предисловии к своей "Cinento dell armonia e dell inventione op. Vlll (Амстердам, 1225), посвятивший его богемскому графу Венцелю фон Морзину (который, как мы узнаем, был знаком с четырьмя концертами "очень давно"), особо отмечает "качество чрезвычайно виртуозного оркестра", нельзя исключать, что именно этот виртуозный оркестр из сердца Европы исполнял концерты - причем в инструментах, отличающихся от первопечатного издания и старых рукописей, хранящихся у кардинала Пьетро Оттобони.

С этой точки зрения содержание и выразительный диапазон "Времен года" буквально приглашают добавить к ним несколько духовых партий в соответствии с вивальдиевским "concerti con molti istrumenti": весной - два рекордера (гобои) и рожки, а также фагот, летом - два рекордера и фагот, осенью - два гобоя, два рожка и фагот. Для зимы Вивальди выбрал ключ фа минор, который он использовал еще только один раз для струнного концерта (RV 143). Этот ключ не слишком подходит для духовых инструментов, что позволяет в данном случае придерживаться оригинальной инструментовки. Погружение сольных секвенций в более пышную и разнообразную фактуру, обусловленное аспектом "molfi istrumenti", снижает бремя живописных представлений, ложащихся исключительно на солирующую скрипку и струнные, а палитра тембров передает ощущение еще более реалистичного исполнения - например, через пение птиц на флейтах или конкретизацию стилизованных композитором моделей: например, звучание пасторальной волынки в заключительной части "Весны" и фанфары рожка в финале "Осени".

О том, насколько удались "Времена года", можно судить, в частности, по многочисленным подражаниям, которые вызвал этот необычный концертный цикл. Одно из первых подражаний можно найти в "Армонических схемах к "Четырем временам года" op. lll Джованни Антонио Гвидо, о жизни и музыкальной деятельности которого имеются лишь скудные и, более того, неточные сведения. Вероятно, он был выходцем из Генуи. Прожив и проучившись некоторое время в Неаполе, он в 1702 году отправился в Париж, где до 1728 года на службе у герцога Орлеанского приобрел неплохую репутацию скрипача и композитора.

Во Франции, на родине иллюстративной и подражательной музыки, "Времена года" Антонио Вивальди имели немедленный и продолжительный успех. Поэтому не исключено, что версальское издание "Scherzi armonici" Гвидо появилось не ранее 1733 года, что подтверждает Кес Влаардингербрук. Несомненно, Вивальди оставил свой след в этом произведении: Композиция, посвященная Луи де Ноайлю, графу Айенскому, сопровождается программными стихами, а содержание и тематика во многом повторяют структуру вивальдиевского шедевра. Так, весной звучат стремительные потоки, поют птицы и танцуют пастухи; летом мы слышим кукушку и сильную бурю; сбор винограда, сон опьяненных и охота на оленя - тема осени; зимой объявляются северные льды, а ветры сражаются друг с другом.

Сочинения Гвидо представляют собой сюиты с разным количеством коротких частей (от пяти до тринадцати), состоящие из одно- или двухчастных танцев или рондо. В печатном издании представлены только партии для трех скрипок, виолончели, контрабаса (клавесина) или виолы, но в авертисменте есть и дополнительные инструментальные указания на флейты (гобой) и бас-альты (клавесин). Публикация говорит о многогранном сосуществовании итальянских и французских стилистических приемов, хотя колористические эффекты этих живописных переложений отнюдь не достигают того же уровня изобретательности, что и жестикуляционная, фантазийная музыка Вивальди. Как уже отмечалось, оба произведения посвящены примерно одним и тем же темам, и - в силу временной близости - в риторических кодах, повлиявших на их исполнение, также прослеживается явное сходство. Основное различие между двумя композиторами заключается в том, как они обращаются с мотериалом. В "Временах года" Вивальди с живостью пьесы и суггестивной силой фрески показаны "дионисийские" и "панические" ощущения человеческого существования в природе, не останавливаясь на особенно противоречивых, болезненных и пугающих аспектах. Именно эти аспекты присутствуют и во "Временах года" Гвидо, но здесь они приглушены, смягчены, имитированы - подобно тому, как придворный шут тривиализирует трудности бытия, превращая их в посмешище.

Чезаре Фертонани
Перевод: Экхард ван ден Хооген

И снова "Времена года"?

С тех пор как в 1940 году "Времена года" стали вновь представляться публике, этот цикл достиг самого большого и продолжительного успеха, который только можно себе представить. Дело дошло до того, что остальные восемь концертов Cimento dell' Armonio e dell lnventione превратились в настоящее шоу.

Если в XVIII веке было создано множество переложений и транскрипций для самых разных инструментов, то успех "Времен года" за последние шестьдесят лет совпал с развитием индустрии звукозаписи.
На сегодняшний день не существует действительно полного каталога всех сделанных записей, число которых может достигать нескольких сотен. Но о размерах дискографии можно судить по тому, что почти все великие скрипачи, лучшие молодые виртуозы и множество специализированных оркестров хотя бы раз принимали вызов этих произведений. Нет недостатка в солистах и ансамблях, которые за эти годы представили не одну интерпретацию концертов.

Помимо этих интерпретаций, которые мы можем назвать просто "традиционными" - независимо от того, исполнялись ли они на оригинальных инструментах или на современных, - существует множество версий для самых разных инструментов. Так, на протяжении многих лет мы слышали варианты "Времен года", например, с участием духовых или симфонических оркестров, с сольной партией в исполнении флейты, магнитофона, гитары или даже арфы.

Эти концерты вдохновляли многих композиторов "встречного слова" - не в последнюю очередь потому, что некоторые инструменталисты искали новый репертуар. В недавнем прошлом, кроме того, состоялся необычный и впечатляющий контакт между концертами "Prete rosso" и аргентинцем Астором Пьяццоллой, которого Вивальди вдохновил на создание "Estaciones Portenas" ("Времена года в Буэнос-Айресе").

в Японии "Времена года" делят первое место в хит-параде классической музыки с Девятой симфонией Бетховена. В церквях и дворцах Венеции каждый день проходят новые, качественно отличающиеся друг от друга представления. Более того, недавнее исследование показало, что первая часть "Весны" используется в телефонных очередях чаще, чем любое другое музыкальное произведение!

Все это должно было убедить нас не только не записывать десятые "Времена года", но и дать этим четырем произведениям референсный отдых. Но мы не смогли устоять перед Cimento, возможно, именно потому, что здесь такое богатство конкурирующих сопоставлений, как в научном плане, так и в плане интерпретации.

Несмотря на абсолютное уважение к нотному тексту и велениям исполнительской практики, нам захотелось попробовать в новой записи, можно ли адаптировать сохранившиеся версии скрипичных концертов, входящих в "Четыре линии года", к чрезвычайно сложному стилю вивальдиевского Concerto con molti istrumenti. Достигнутая таким образом "реконструкция" или "переписывание" явилась результатом сравнения всех доступных нам концертов, в которых Вивальди использовал большой сольный духовой инструмент, и представляет собой попытку как можно более добросовестно следовать оригинальной композиционной технике этих произведений.

В весеннем концерте солируют скрипки (гобои), рожки и фагот; летом мы решили расширить инструментарий за счет скрипок и фагота; осенью солируют гобои и рожки, а также фагот; зимой мы ограничились чисто струнным инструментарием - не в последнюю очередь из-за тона фа минор, который Вивальди никогда не использовал в своих концертах "con molti stromenti".

В этой записи мы постарались создать нотный текст, максимально приближенный к оригиналу, сравнив рукописные источники из Манчестера и Генуи с изданием, напечатанным в Амстердаме. Другим фундаментальным вкладом стало сравнение с современными изданиями Э. Селфридж-Филда, П. Эверетта и К. Хогвуда. Хогвуда.

кроме того, мы включили в издание редко звучащие "Скерци армоничи" с сопра "Четырех стаджиони дель Анно" генуэзского композитора Джованни Антонио Гвидо. Эти пьесы - явные подражания и идеальное свидетельство "французской манеры", на которую здесь перенесены вивальдиевские модели. Инструментарий этой сюиты, вероятно, не случайно схож с нашей вивальдиевской "реконструкцией": вновь в дополнение к струнным используются рекордеры (гобой) и фагот.

Федерико Гульельмо
Перевод Экхардта ван ден Хоогена

Отзывы

FonoForum 05/04: "Результат получился убедительным: в "Весне" гобой подменяет волынку, в "Лете" рекордеры в разных регистрах имитируют горлицу и золотого снегиря, фанфары "Осени" разумно звучат в исполнении охотничьих рожков; только "Зима", с ее морозным и нетипичным для ветра тоном фа минор, остается за одними струнными.однако L'Arte dell'Arco работает с партитурой, а не против нее, уточняя только то, что в ней есть, а в остальном культивируя стиль интерпретации, отличающийся естественной радостью игры и воспитанным вкусом. Бис - одноименный цикл Джованни Антонио Гвидо, написанный под влиянием Вивальди, - добавляет репертуарной ценности этой очень интересной записи"
klassik.com 09/04: "Исключительно восхитительный эксперимент, результатом которого можно любоваться на этом образцово отредактированном компакт-диске в потрясающе реалистичных звуковых картинах. Эти концерты редко ставились в более увлекательной, яркой, выразительной и поэтичной манере"

Моравский композитор и скрипач Пауль Враницкий, наравне с В.А. Моцартом, был одним из самых влиятельных и популярных композиторов австрийской столицы около 1800 года. Он был очень плодовитым композитором, чьи произведения распространялись по всей Европе; особую известность ему принесла "Зингшпиль Оберон, король эльфов" - первая "опера-призрак", имевшая большое значение. Успехи также побудили его отказаться от богословской карьеры и полностью посвятить себя музыке. С 1787 г. он был членом оркестра Бургтеатра, директором которого впоследствии стал. Его судьбоносная "мирная" симфония "Grande Sinfonie caractéristique pour la paix avec la Republique francoise" op. 31, которую он сам объяснил в приложении с помощью программных названий, пользовалась большой популярностью при многих аристократических дворах, о чем свидетельствует широкое распространение ее тиражей. Это торжество самых разнообразных тональных красок. Картина боя и - quasi как idée fixe - снова и снова цитаты из марша: Враницкий разворачивает здесь захватывающую звуковую панораму. Симфония op. 52 - одно из последних его сочинений в этом жанре и, в отличие от Симфонии op. 31, имеет довольно веселый и легкомысленный характер с поразительно плотной мотивной фактурой. Для интерпретации этих сочинений нам удалось привлечь Филармонический оркестр NDR под управлением Говарда Гриффитса.

Информация о продукте

Картины "Битва и мир
Около 1800 года Пауль Враницкий, моравский композитор и скрипач, родившийся в один год с Моцартом, был одним из самых влиятельных и популярных композиторов в австрийской столице. Это был необычайно плодовитый композитор, чьи произведения были известны во всей Европе, а особую известность ему принесла его опера-зингшпиль "Оберон, король эльфов" - первая значительная опера о призраках. Музыкальные успехи побудили его отказаться от первоначальной теологической карьеры и полностью посвятить себя музыке. В 1787 г. он стал членом оркестра Бургтеатра, а затем его руководителем. Его мирная симфония Grande Sinfonie caractéristique pour la paix avec la Republique française op. 31 пользовалась большой популярностью при знатных дворах (о чем свидетельствует широкое распространение печатных изданий), а все ее значение он изложил в пояснительном тексте с программными заголовками. Она отличается богатой палитрой тональных красок, включает батальную картину и (почти как идею) повторяющиеся маршевые цитаты, создающие слуховую панораму высочайшего напряжения. Симфония op. 52 - одно из последних сочинений Враницкого в этом жанре; в отличие от Симфонии № 31, она обладает более ярким и беззаботным характером и гораздо более плотной мотивационной тканью. Для интерпретации этих сочинений мы привлекли Филармонический оркестр NDR под управлением дирижера Говарда Гриффитса.

Рецензии

klassik.com 03/07: "Мелодическая изобретательность Враницкого, эффектно сопоставляемые ритмы и эффективно используемый оркестровый аппарат не могут не произвести эффект. Как обычно бывает в случае с cpo, звуковое оформление на редкость удачно, а информативный текст в сопроводительном буклете подробно знакомит с историей произведения. Это делает открытие увлекательным, особенно с музыкой такого качества"

Массивные хоры, зажигательные ритмы

Карла Орфа "Кармина Бурана" - один из величайших шедевров западной музыкальной истории. Соответственно, кантата (сценическая), основанная на избранных текстах из "Кармины Бураны" - сборника песен из рукописи Бенедиктбеуэрна, написанной около 1300 года, - часто встречается на пластинках. Еще один вклад в многолетнюю историю рецепции вносит данная запись, запечатлевшая концерт в лондонском центре "Барбикан". При поддержке двух хоров и выдающихся солистов Ричарду Хикоксу удалась трогательная интерпретация.