Orchesterwerke

На первый взгляд, выбор композиторов для этой записи кажется странным сочетанием: Один из них разработал грубый, экспрессивный музыкальный язык, а другой был сторонником интроспективных звуковых ландшафтов. Одно произведение заканчивается взрывом, а другое предлагает нам медитативное созерцание. Очевиден и конфликт национальностей: Сергей Прокофьев был русским (родился в Сонцовке, Украина), Валентин Сильвестров - украинец, а дирижер Дмитрий Матвиенко - белорус. Но через искусство и музыку мы всегда можем встретиться в диалоге и взаимопонимании. По словам Дмитрия Матвиенко, между двумя композиторами существуют тесные связи. Ссылаясь на убеждение Валентина Сильвестрова, что "только мелодия делает музыку вечной", Матвиенко объясняет, почему он выбрал для этой записи именно "Тихую музыку". Несмотря на совершенно разные музыкальные языки, оба композитора были исключительными мелодистами, считавшими мелодию основой всей музыки, независимо от жанра или авангардных тенденций XX века. Матвиенко также считает, что оба произведения характеризуются историческими реалиями. Симфония Прокофьева отражает разруху послевоенного времени и предвещает будущие катастрофы, а "Тихая музыка" Сильвестрова, написанная в 2002 году, была создана раньше, но глубоко перекликается с более поздними конфликтами. Работа Прокофьева над фильмом Эйзенштейна "Иван Грозный" раскрывает разрушительную паранойю правителя - аллюзия, которую Сталин признал. Сегодня, утверждает Матвиенко, история повторяется в новых формах. В отличие от нее, "Тихая музыка" Сильвестрова предлагает утешение: место убежища, открытое для всех, вне зависимости от национальности или религии, где горе можно отложить на время.

С "Поцелуем огня" Spark представляет свой последний проект и в очередной раз демонстрирует мощный пример преодоления музыкальных границ. Ансамбль известен своими самобытными и разнообразными программами, которые преодолевают традиционные жанровые границы и постоянно переосмысливают классическую музыку. Для "Огненного поцелуя" Spark сотрудничал с Вюртембергским камерным оркестром Хайльбронна. Это сотрудничество придало характерному звучанию новое тональное измерение и расширило спектр возможностей ансамбля за счет дополнительной оркестровой звуковой окраски.

Тони Бэнкс, известный по роли клавишника в рок-группе Genesis и как сольный исполнитель, всегда был увлечен идеей написания оркестровой музыки. Успех в сочинении музыки для кино привел его к созданию нашумевшей сюиты для оркестра "Семь". Интенсивные оркестровые звуковые ландшафты в альбомах Seven, Six и Five - одни из самых ярких записей Тони Бэнкса. В них эксперименты с формой и структурой сочетаются с характерной мелодикой, мощно передающей как меланхолию, так и радость. Тони Бэнкс - один из основателей Genesis, вместе со своими учениками по Charterhouse Майком Резерфордом, Питером Гэбриэлом и Энтони Филлипсом. После нескольких смен состава группа развивалась, в нее вошли Фил Коллинз и Стив Хакетт, который заменил Филлипса. Genesis стали одними из самых значимых представителей прогрессивной рок-музыки начала семидесятых. в 1975 году Питер Гэбриэл покинул группу, чтобы заняться сольной карьерой, и Фил Коллинз заменил Гэбриэла на посту вокалиста. Genesis стали одной из самых коммерчески успешных групп восьмидесятых и девяностых годов, выпустив такие альбомы, как Duke и We Can't Dance. За свою карьеру Тони Бэнкс разработал множество уникальных звуков клавишных и синтезаторов. Историк музыки Уэйн Штудер назвал его "самым со вкусом играющим на клавишных в прог-роке". Эти записи всегда ценились за красноречивые и стильные оркестровки и роскошное исполнение солистов мирового класса, включая самого Тони Бэнкса, который играет на фортепиано и челесте в альбоме Five.

3-я симфония Малера - это универсальная, мощная тональная картина, в которой природа, человек и дух вступают в диалог в космическом мире. Под управлением Королевского филармонического оркестра и при поддержке хора "Филармония", хора мальчиков из Тиффина и выразительного вокала Ханны Хипп Василий Петренко раскрывает все богатство этого вершинного произведения постромантизма.

Звуковое совершенство: провидческий цикл Брукнера в исполнении Караяна

Эти записи - яркие примеры мастерского владения Караяном экспансивными формами и огромными оркестровками позднеромантического периода. Симфонии Брукнера, записанные в 1970-1971 годах, впечатляюще иллюстрируют, насколько изменилось звучание оркестра со времен записей 1950-х годов. Если в силу исторических причин высота голосов в Берлине всегда была несколько выше, то под руководством Караяна оркестр решительно осветлил свою звуковую палитру. При этом он нашел баланс в диапазоне средних частот, который совершенно чужд традиционной немецкой звуковой эстетике. В Берлине Караян проводил прямые линии, непреклонные вертикали и четкие структуры, а также плавные переходы. Он выстраивал оркестр слой за слоем и таким образом выработал целенаправленную стратегию звучания, которая была решительно поддержана выдающимся легато струнной секции. Кроме того, были отброшены все сольные приемы и грации. Берлинский филармонический оркестр теперь играл как единый инструмент - сравнение, которое напомнило не одному меломану звучание органа, когда эти записи были выпущены в 1970-х годах. Абсолютная гармония была достигнута в Симфониях №№ 4 и 7, тональное совершенство которых почти неземное. Это издание было ремастировано студией Circé в 192 кГц / 24 бита с оригинальных пленок. Журнал Gramophone писал о 7-й симфонии: "... настолько четко вылеплена и так светло сыграна, что слушаешь ее как будто под редкой формой музыкального гипноза... Звук обладает поистине брукнеровской широтой и атмосферой"

Своей посмертной славой главный герой этой постановки обязан ошибке: "Йенская симфония", обнаруженная в университетской библиотеке города в 1909 году, была тщательно изучена, обсуждена и даже записана как якобы раннее произведение Бетховена. Однако с 1968 года стало известно, что эта композиция - отнюдь не "Зеро" титана, а 14-я из 23 симфоний, написанных Фридрихом Виттом из Нидерштеттена в Баден-Вюртемберге и опубликованных в большом количестве. Будучи на целых пять недель старше своего коллеги из Бонна, которого он пережил на девять лет, он с 1802 года был придворным капельмейстером в Вюрцбурге, где его симфоническая деятельность пережила удивительный подъем и, очевидно, была реорганизована: Три симфонии №№ 1-3, записанные здесь, на несколько лет моложе своей хваленой сестры, чье многообещающее качество они неизменно продолжают.

Рецензии

"Кельнская академия под руководством Михаэля Александра Вилленса, проделавшая выдающуюся работу для забытых современников Моцарта, Бетховена и Мендельсона, добавляет еще одну жемчужину в свою дискографию - записи с превосходным чувством звука и формы, глубоким пониманием довольно неизвестной композиторской идиомы, большой осторожностью, остроумием, живостью и глубиной, соответствующей музыке - другими словами, записи, которые заставляют музыку звучать идеальным образом." (Klassik.com)

Имя Иоганна Стамица настолько неразрывно связано с эпохальной "мангеймской школой", что название нашей сегодняшней постановки может показаться опечаткой. Однако на самом деле в "Дармштадтских симфониях" богемного музыканта нет ничего плохого, ведь их название всего лишь указывает на место хранения материала, за подготовку которого в то время отвечал капельмейстер Дармштадтского придворного оркестра Кристоф Граупнер. Где и когда именно Стамиц написал эту живую, лаконичную и новаторскую музыку, установить невозможно, однако нет ни малейших сомнений в том, что композиции возвращают нас к самым ранним годам детства жанра, который, несмотря на бесчисленные изменения, остается творческим ориентиром и по сей день. Ощутить дух первых симфонических часов за этими мутациями - это освежающий опыт: в начале всего сущего все еще есть сила простоты.

Отзывы

"Зюдвестдойче Каммерорчестер под управлением Тимо Хандшуха мастерски справляется с поставленной задачей, демонстрируя ровный, низковибрационный тон и необходимый огонь.. Вывод: приятная галантная музыка, в которой доминирование верхнего голоса доведено до крайности. Идеально подходит для знакомства молодежи с классической музыкой или для поднятия настроения в скучные дни" (Klassik heute)

Цикл Шуберта в новом великолепии - легендарные записи Караяна на гибридном SACD

Цикл симфоний Франца Шуберта, записанный Караяном с Берлинским филармоническим оркестром (первоначально для EMI) в конце 1970-х годов, и по сей день остается незаменимым краеугольным камнем репертуара. Записи прекрасно передают характерный "берлинский звук" той эпохи: шелковистое легато, непревзойденную оркестровую гибкость и впечатляющую мощь духовых и ударных. К этому следует добавить пространственное качество записи, достигнутое в просторной акустике Берлинской филармонии. Дирижирование Караяна раскрывает все свое великолепие в двух последних симфониях. В "Неоконченной" австрийскому дирижеру мастерски удается создать таинственную и трагическую атмосферу. "Большая" симфония, несомненно, является жемчужиной цикла: Караян поддерживает здесь постоянный ритмический пульс, не жертвуя при этом яркой красотой звучания. Финал - настоящая демонстрация контролируемой мощи. Это издание - свидетельство золотого века дирижирования, когда звуковая роскошь служила монументальному архитектурному видению музыки Шуберта. Третий релиз в гибридной серии SACD Герберта фон Караяна также представлен с новым HD-ремастерингом (192 / 24) с оригинальных пленок.